Forlì, paseos por el arte, de Canova a Palmezzano pasando por los grandes del siglo XX

Forlì, ciudad situada a lo largo del trazado de la Via Emilia y encerrada entre los valles de los ríos Montone yRonco, ha sabido presentarse y ser apreciada por el público amante del arte desde 2005, con la inolvidable exposición Marco Palmezzano e il Rinascimento nelle Romagne, con proyectos expositivos de calidad, nacidos gracias a la colaboración entre la administración municipal y la Fondazione Cassa dei Risparmi di Forlì. A la espera de la próxima exposición que celebra a Dante Alighieri setecientos años después de su muerte(Dante. La visione dell’arte, Forlì, Musei civici San Domenico, 12 de marzo - 4 de julio de 2021), dentro del tejido urbano de Forlì otras realidades saben emocionar al visitante. El punto de partida de este agradable paseo cultural y centro de la vida ciudadana es la Piazza Maggiore, hoy bautizada con el nombre del ilustre forliano Aurelio Saffi, a la que se asoman escenográficamente algunos de los principales edificios históricos de la ciudad, en particular la Basílica de San Mercuriale, el Palazzo delle Poste del siglo XX y el gran complejo arquitectónico del Palazzo Comunale. Desde la plaza se ramifican las grandes avenidas de la ciudad y estrechas callejuelas, últimos testigos del trazado urbano medieval, que pueden recorrerse a pie para llegar a las distintas colecciones de arte permanentes.

Forlì, plaza Aurelio Saffi. Foto Luca Massari

Palacio Romagnoli. Colecciones del siglo XX.

Subiendo por Corso Garibaldi, pasada la Piazza del Duomo, en cuyo centro se alza una columna con una estatua del siglo XVII de la Madonna del Fuoco, patrona de la ciudad de Forlì, llegamos a Via Albicini, donde en el número 12 se abre el hermoso portal monumental del Palazzo Romagnoli.

El edificio, un noble palacio cuya configuración actual se remonta al siglo XVIII, tras una larga restauración se ha convertido desde 2013 en la sede de las Colecciones del Siglo XX. En la planta baja, la visita comienza con la colección Verzocchi, un verdadero unicum en el panorama cultural nacional e internacional, tanto por el alto valor artístico de las obras presentes como por la idea que animó y llevó a la creación de esta rica pinacoteca. La colección nace del deseo del empresario de Forlì Giuseppe Verzocchi de reunir, en torno al tema común de la obra, a maestros italianos representativos de las principales corrientes artísticas de su tiempo. El empresario seleccionó personalmente y se puso en contacto con unos setenta artistas, solicitando la ejecución de un cuadro de 90 x 70 cm dedicado al motivo central de su vida, el trabajo, e imponiendo la discreta inserción en el cuadro de un pequeño ladrillo refractario con la marca “V&D”, producto distintivo de su empresa y una especie de auténtico escudo personal. Tras una presentación pública en la Bienal de Arte de Venecia en 1950, Giuseppe Verzocchi donó su galería de cuadros a la ciudad de Forlì, junto con su correspondencia con los artistas y los dibujos que contenían sus autorretratos. El recorrido se abre con los vivos colores, en tonos verdes y rojos, del cuadro Torno y telar de Fortunato Depero. La obra muestra dos símbolos opuestos del trabajo uno al lado del otro; por un lado, un símbolo que el propio Depero describió como “casi mágico”, una “mujer atenta en el telar, bajo una luz esmeralda”, por el otro, un hombre en el torno del alfarero, que está “pesado, en luces ardientes, entre dispositivos y perspectivas metálicas”. A continuación, podemos admirar en una secuencia rítmica de sala en sala, Interno di fabbrica de Emilio Vedova, Il vasaio de Corrado Cagli, I simboli del lavoro de Gino Severini, Bracciante siciliano de Renato Guttuso, Gli scaricatori di carbone de Mario Mafai, Il campo plato de Aligi Sassu, L’architrave de Massimo Campigli, Il lavoro de Mario Sironi, Costruttori de Carlo Carrà, Il piccolo fabbro de Filippo de Pisis, Lo scultore de Achille Funi, Forgia di Vulcano de Giorgio De Chirico, Lavoro de Giuseppe Capogrossi y muchas otras pinturas hasta un total de setenta obras.

A continuación, una amplia escalera de mármol mixto conduce a la planta superior, donde se exponen pinturas de Giorgio Morandi y obra gráfica de la colección de Ada y Arturo Righini. Tres pequeños óleos sobre lienzo que tienen en común el tema de las flores(La Amapola, Crisantemos, Rosas) y seis aguafuertes que incluyen los queridos lugares de Morandi del patio de la Via Fondazza y el altozano de Grizzana. En una sala contigua, totalmente pintada al fresco con fondos arquitectónicos y cupidos, se exponen siete esculturas de Adolfo Wildt procedentes de la donación Raniero Paulucci di Calboli, coleccionista y mecenas del escultor milanés. Raniero Paulucci di Calboli, de noble y antiguo linaje de Forlì, tras una larga carrera diplomática que concluyó con el cargo de embajador en Tokio, fue senador del Reino y, para coronar su fuerte compromiso social con las clases más frágiles, en 1926 obtuvo la presidencia de la “Unión Internacional para la Protección de la Infancia”. Su colección permite reconstruir la trayectoria artística de Wildt desde su producción más temprana hasta 1920, con obras que destacan por la refinada factura del material pétreo y el preciosismo de las superficies, enriquecidas con colores metálicos dorados. Al observar estas esculturas, uno no puede evitar dejarse envolver por la sonrisa enigmática e intemporal del retrato de Fulcieri, cuyo arquetipo bien puede encontrarse en el rostro de una estatua etrusca. Fulcieri, hijo único de Raniero, fue medalla de oro al valor militar en la Primera Guerra Mundial y promotor del “Comité de Acción entre los mutilados, inválidos y heridos de guerra”. Fallecido en 1919 a consecuencia de las lesiones medulares sufridas dos años antes en el Karst, sus amigos milaneses encargaron al escultor este busto icónico de ojos dorados, que más tarde adquirió su padre, en su memoria. La donación de toda la colección de esculturas fue deseada por Raniero como legado testamentario, como último e imperecedero vínculo con su ciudad natal y como homenaje extremo y conmovedor a su hijo. “Padre de Fulcieri” fueron las únicas palabras que, además del nombre y el año de nacimiento y muerte, este hombre, gran protagonista de la escena política y diplomática internacional de principios del siglo XX, quiso que se grabaran en su lápida.

Por último, en las últimas salas del edificio se exponen pinturas y esculturas que ofrecen una primera panorámica de la multiforme producción artística de Romaña y Emilia a principios y finales del siglo XX, y permiten destacar la breve pero intensa experiencia del Cenacolo Artistico Forlivese, creado en 1920 por iniciativa del pintor Giovanni Marchini. Prueba del escenario, en absoluto local, en el que se movieron los artistas aquí presentados (Carlo Stanghellini, Giannetto Malmerendi, Maceo Casadei, etc.)) son el cuadro de Giacomo BallaSiamoin quattro, donado por “Balla futurista al Cenacolo Artistico Forlivese”, y el bello autorretrato del propio Giovanni Marchini, en el que las preciosas decoraciones de la túnica y el biombo del fondo recuerdan la larga estela de la influencia del arte japonés en la pintura occidental.

Fortunato Depero, Torno y telar (1949; Forlì, Palazzo Romagnoli, Colecciones del siglo XX). Archivo fotográfico Musei Civici Forlì

Giorgio Morandi, Rosas (1962; Forlì, Palazzo Romagnoli, Colecciones del siglo XX). Archivo Fotográfico Musei Civici Forlì

Adolfo Wildt, Fulcieri Paulucci de’ Calboli (1919; Forlì, Palazzo Romagnoli, Colecciones del siglo XX) .Archivo fotográfico Musei Civici Forlì

Giuseppe Capogrossi, Obra (1950; Forlì, Palazzo Romagnoli, Colecciones del siglo XX). Archivo fotográfico Musei Civici Forlì

Museos de San Domenico. Galería de Arte Cívico

Dejando atrás el Palazzo Romagnoli, se llega en pocos pasos a la zona del gran complejo conventual dominicano, fundado, según la tradición, por el propio Santo Domingo en su viaje de regreso de Roma, adonde había acudido para la aprobación definitiva de su Orden por parte de Honorio III. El complejo se construyó a partir de 1229 en una zona aún no urbanizada de la ciudad y fue evolucionando hasta alcanzar su configuración actual, caracterizada por edificios dispuestos en dos claustros y flanqueados por una gran iglesia de una sola nave dedicada a Santiago. Durante el siglo XIX, el conjunto monumental se utilizó como hospital militar, gendarmería, almacén de víveres y cuartel para las tropas de paso; abandonado durante décadas, fue objeto de una profunda restauración, que en 2004 permitió devolverlo a la comunidad y convertirlo en el nuevo centro de la vida cultural de Forlì.

El visitante es acogido en la gran sala que antaño se utilizaba como refectorio y, tras recorrer los pasillos presididos por las celdas reservadas a los huéspedes del convento, llega a la primera planta, donde se expone un núcleo coherente de obras procedentes de las colecciones de arte de Forlì, correspondientes a la sección antigua de la Pinacoteca Cívica.

En esta exposición, tras una serie de pinturas y esculturas de los siglos XIII y XIV, entre las que se encuentran algunos ejemplos notables como la pequeña tabla con la Virgen y el Niño de Vitale da Bologna, la protagonista es la cultura artística del siglo XV, que se abre con las dos refinadas tablas de laOración en el Huerto y la Natividad de Beato Angelico. El personaje más representado de la colección es el pintor Marco Palmezzano, “querido alumno” de Melozzo y maestro de la visión en perspectiva. Entre las catorce obras expuestas, el observador queda embelesado por el monumental retablo de La Anunciación, con su óleo vidriado y compacto, el paisaje escenográfico con una ciudad torreada que se abre al pie de escarpadas montañas, y la compleja arquitectura de una nave abovedada sobre columnas de brecha en la que tiene lugar el encuentro entre el arcángel Gabriel y la Virgen. El ángel acaba de terminar su vuelo y sus labios se entreabren para hacer su anuncio; la Virgen es una doncella rubia convertida en monumental por la caída de sus drapeados. Pero, como escribe Stefano Tumidei, en esta obra “a los contemporáneos de Forlì, el efecto del atril con las puertas abiertas de par en par debía parecerles milagroso [...]. En trálice sobre el plano y con una axonometría apenas girada, el breviario ostenta sus páginas abiertas, que tienden a desplegarse debido a la dureza de la encuadernación o al grosor del pergamino, ciertamente no debido a una repentina ráfaga de viento, inimaginable en esta tarde inmóvil y en estas atmósferas suspendidas de una fijeza casi irreal”.

A continuación, en las salas del museo, vemos desplegarse las pinturas manieristas del siglo XVI de Livio Agresti, Francesco y Pier Paolo Menzocchi, Livio y Gian Francesco Modigliani; mientras que la obra preeminente de las salas dedicadas al siglo XVII es la Fiasca fiorita, uno de los bodegones más emblemáticos y discutidos de la historia del arte italiano. La visita finaliza en una pequeña sala destinada a albergar la escultura de Hebe, la diosa “de hermosos tobillos”, de Canova. La estatua de Forlì es la cuarta y última versión de la afortunada iconografía, toda ella invención de Canova, de la joven copera de los dioses olímpicos. Personificación del motivo, ya plenamente romántico, de la huida de la juventud y prototipo de las estatuas del “género aéreo”, con su dinámica de la figura en vuelo y el equilibrado balance compositivo de la pose de los brazos, es capaz de sorprender a la mirada desde cualquier punto de vista. La joven está fija como en el acto de aterrizar, con el vestido completamente hinchado por el aire, y aquí Canova, como observó Pindemonte, consiguió esculpir “los pasos”. La versión de Forlì de esta figura del mito antiguo, hábilmente actualizada por el escultor, llama la atención por la bella pátina de la superficie de piedra respetada por restauraciones pasadas y por los acertados detalles dorados del collar y de la cinta que sujeta el cabello, preciosos detalles que se suman a la copa y al ánfora de metal dorado. Canova, famoso por la calidad pictórica de su escultura, también adoptó la práctica de colorear sus esculturas, creando así una especie de pátina en la superficie que transforma el mármol duro en carne suave. El juego de contrastes equilibrados, la coloración clara de las partes epidérmicas frente a la blancura luminosa del ropaje, la oposición entre las partes desnudas y las partes completamente envueltas por el manto vaporoso, son también fascinantes en laHebe de Forlì. Cicognara escribió: “esta Diosa, descendiendo del cielo con divino y grácil incesto, al mismo tiempo mezclando una copa de ambrosía al padre de los dioses; y balanceándose hacia delante cortando el aire con cierta velocidad, produce el efecto más natural que el drapeado empujado hacia atrás puede dibujar al sujeto desnudo sin ningún tipo de afectación. El levantamiento de un brazo para verter licor del jarrón despliega tan amorosamente todo el contorno de la figura, que aunque el ojo la encuentra drapeada con extrema decencia, sin embargo la avidez de la mirada discierne cada línea, sin más que la frescura primera de las formas”.

Marco Palmezzano, Anunciación (c. 1495-1497; Forlì, Museos Cívicos de San Domenico). Archivo fotográfico Museos Cívicos de Forlì

Maestro della Fiasca di Forlì, Frasco con flores (c. 1625-1649; Forlì, Musei San Domenico, Pinacoteca civica). Archivo fotográfico Museos municipales de Forlì

Antonio Canova, Hebe (1816-1817; Forlì, Musei San Domenico, Pinacoteca civica). Fotografía de Giorgio Liverani

Antonio Canova, Hebe, detalle. Foto de Gianluca Naphtalina Camporesi

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