Exposiciones en Bolonia: Naturaleza y expresión de Francesco Arcangeli (1970)

by Federico Giannini, Ilaria Baratta , published on 20/03/2015
Categories: Obras y artistas / Disclaimer

Tras la gran exposición sobre Guido Reni en 1954, las siguientes Bienales de Arte Antiguo siguieron centrándose en los pintores clasicistas: por ejemplo, en 1956 fue el turno de los Carracci, en 1962 tuvo lugar la exposición L’Ideale Classico nel Seicento, en 1968 la muestra estuvo dedicada a Guercino. Con la Biennale d’Arte Antica de 1970, los intereses cambiaron. Ese fue el año en que tomó forma el proyecto que dio cuerpo y sustancia a años de investigación de uno de los mayores historiadores del arte del siglo XX, Francesco Arcangeli: la exposición Naturaleza y expresión en el arte boloñés-emiliano. La exposición se inauguró el 12 de septiembre de 1970, duró hasta el 22 de noviembre y se celebró en las salas del Palazzo dell’Archiginnasio de Bolonia.

El catálogo de la exposición Naturaleza y expresión en el arte boloñés-emiliano editado por Francesco Arcangeli

Los estudios de Arcangeli abarcan un periodo muy amplio de la historia del arte de Bolonia y Emilia: aproximadamente desde 1.100 hasta nuestros días. Sin embargo, como era de esperar, los intereses del estudioso no se centraron en la corriente clasicista del arte emiliano, la corriente que estuvo especialmente viva durante el siglo XVII y que dictó gustos y tendencias, como se ve en el artículo sobre la exposición de Guido Reni. Arcangeli creía que el arte de Bolonia y sus alrededores siempre se había caracterizado por una constante que nunca la abandonaría, ni siquiera en nuestros tiempos: la profunda relación con la naturaleza, debido a que el sustrato cultural de Bolonia deriva de su conexión con el campo y la civilización rural que permitió el desarrollo de la ciudad a lo largo de los siglos.

Esta relación con la naturaleza se manifestaba a través de un arte muy cargado, muy expresivo y de marcado sabor popular: Arcangeli remonta los orígenes de esta forma de hacer arte a los relieves de Wiligelmo. Estamos en la época románica, y con Wiligelmo el hieratismo del arte bizantino da paso a una narrativa más específicamente humana, en la que el drama de los personajes que el artista representa en su escultura es tangible. Por ejemplo, los relieves del Génesis de la fachada de la catedral de Módena, con una de las expulsiones del Paraíso Terrenal más impactantes de la historia del arte: la desesperación de los progenitores es tangible. No olvidemos tampoco que el arte en la llanura del Po, y en particular en la región de Emilia, concedió gran importancia a las obras del Románico: en esta época abundan los ciclos llamados “de los meses”, en los que cada mes del año se asocia a la figura de un personaje dedicado a un oficio típico del mes.

Este vínculo entre arte y naturaleza, esta visión del mundo enraizada en las tradiciones campesinas de la civilización del valle del Po, representa una especie de fil rouge que recorre la historia del arte boloñés hasta nuestros días. Pensemos, por ejemplo, en el dramatismo de un artista como Vitale da Bologna, o en el"antirrenacimiento", en palabras de Arcangeli, de Amico Aspertini, uno de los genios más extravagantes e irreverentes del siglo XVI, que opuso su arte al más lírico y delicado de Francesco Francia, impregnado en cambio de la dulzura derivada de su estudio del arte de Perugino. Del siglo XVI pasamos al XVII con el pietismo devocional y casi popular de Ludovico Carracci, a quien Arcangeli veía como una figura en claro contraste con su primo Annibale, exponente en cambio de un clasicismo grácil. Las escenas anticlásicas y cotidianas de Giuseppe Maria Crespi continuaron esta línea del arte boloñés durante el siglo XVIII, hasta llegar al siglo XX con los bodegones intimistas de Giorgio Morandi, el artista quizá más capaz que ningún otro de representar la sencillez y genuinidad del carácter de los boloñeses.

Amico Aspertini, Piedad (1519; Bolonia, San Petronio)

Este es, en esencia, el itinerario de la exposición Naturaleza y Expresión de Francesco Arcangeli. Un viaje a través de ocho siglos, durante los cuales algunas características comunes del arte boloñés, para Arcangeli, permanecieron inalteradas. En el catálogo de la exposición, identifica sistemáticamente ocho de ellas. Son “constantes”, como las llamó el estudioso. La primera: el espacio del cuadro, “denso y corpóreo”, lleno de cuerpos, “esencialmente aprospectivo”. Un espacio por tanto intuitivo, cargado, regulado no por leyes matemáticas, sino por los propios cuerpos que lo ocupan. Un ejemplo de ello es la Piedad de Amico Aspertini, un cuadro no sólo rico en un fuerte pathos, sino también caracterizado por ese espacio “denso” y “aprospectivo” del que hablaba Arcangeli, en el sentido de que no tiene vacíos, está enteramente ocupado por los personajes y carece de referencias espaciales. Una pintura, en cierto modo, anticipadora del Manierismo. La segunda: la proximidad espacial. Arcangeli identifica una constante del arte boloñés en el hecho de que los elementos representados en el cuadro están siempre cerca del observador. Esto se debe a que la proximidad, a nivel emocional, consigue implicar más al espectador, a diferencia de la distancia, que implica distanciamiento. Tercera consecuencia directa de las dos primeras: la comunicación espacial con el observador, ya que las escenas tienden siempre a desarrollarse en primer plano.

Vitale da Bologna, Historias de San Antonio Abad (c. 1340; Bolonia, Pinacoteca Nazionale)

El cuarto es lo que Arcangeli llamó el "trozo de vida", es decir, la tendencia del arte boloñés a representar dentro de los límites físicos del cuadro nada más que un fragmento de una figuración mayor: esta es la sensación que nos dan, por ejemplo, los paneles con las Historias de San Antonio Abad de Vitale da Bologna, uno de los cuales fue elegido para decorar la portada del catálogo de la exposición. Y de nuevo, el “exceso de detalle”, o la capacidad de los detalles individuales para atraer nuestra atención: en un cuadro como el Latona de Crespi transformando a los pescadores en ranas, uno no puede evitar detenerse en cada detalle de esta poderosa composición, esta “extraña escena de vida natural y rústica”. Y por último, las tres últimas constantes del arte boloñés según Arcangeli: “la plasticidad directa, no-claroscura” (la vemos bien, por ejemplo, y quizás en sus consecuencias más extremas, en los bodegones de Morandi), el “claroscuro tonal-cromático”, en el que el color de base no pierde nunca sus lazos con el color de vértice, y por último el color “estrechamente ligado a un claroscuro de luz y sombra”, y que se une así a la luz y a la sombra creando efectos verídicos, se convierte en “contingencia, meteorología, proto-impresión”.

El objetivo de la exposición de Francesco Arcangeli era hacer aflorar este surco de la tradición boloñesa, acercándolo a la tradición clásica más solemne, más oficial (y, por supuesto, más estudiada): tener éxito en este objetivo significaba también hacer que Bolonia poseyera una de sus almas más verdaderas y profundas. Tenía que existir un arte que reflejara el carácter cálido, sincero y apasionado de los boloñeses, y este arte sólo podía ser un arte ligado a las tradiciones populares, vinculado a sus raíces: Tanto es así que, por primera vez, los orígenes del arte boloñés podrían remontarse no al siglo XIV, sino al propio Wiligelmo, es decir, a una época en la que los ritmos de la vida humana estaban fuertemente marcados por los de la naturaleza, mucho antes de que el ascenso de la burguesía introdujera una economía basada en el comercio y el trueque en lugar de la agricultura, y cambiara así radicalmente el estilo de vida de las comunidades. Con la exposición de Francesco Arcangeli, las nobles elegancias clasicistas se contraponían, por primera vez, a la autenticidad popular. La Bolonia “culta” de los intelectuales refinados frente a la Bolonia “gorda” de los campesinos que se reúnen en las osterie, de las jóvenes amas de casa generosas y de los plebeyos que comercian bajo los pórticos: es pues mérito de Francesco Arcangeli que hoy, al estudiar el arte boloñés, no se pueda dejar en segundo plano este tipo de arte más popular, pero no por ello menos interesante.

Giuseppe Maria Crespi, Latona transforma a los pescadores en ranas (c. 1710; Bolonia, Pinacoteca Nazionale)

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