En los autorretratos de Frida Kahlo todo su atribulado caos interior

“Como mis temas han sido siempre mis sentimientos, mis estados mentales y las reacciones profundas que la vida ha producido en mí, con frecuencia he objetivado todo ello en imágenes de mí misma, que eran lo más sincero que podía hacer para expresar lo que sentía dentro y fuera de mí”: Con estas palabras la pintora mexicana Frida Kahlo (Coyoacán, 1907 - 1954) trataba de definir su arte en su solicitud de admisión a un concurso convocado en 1940 por la Fundación Guggenheim para obtener financiación. Económicamente las cosas no le iban muy bien; intentó vivir sólo de su arte vendiendo sus cuadros, pero no pudo mantenerse en todo y además no quiso volver a pedir dinero prestado a Diego Rivera (Guanajuato, 1886 - Ciudad de México, 1957). Este último era uno de los máximos exponentes del muralismo mexicano y fue el hombre que se casó con ella siendo muy joven, apenas 15 años, a pesar de la considerable diferencia de edad entre ambos: nada extraño en esto, salvo que Rivera la traicionó muchísimas veces en el transcurso de su unión matrimonial. Su relación era bastante complicada: Frida sentía una especie de amor-odio por Diego, lo amaba, lo estimaba. Uno de los poemas de amor más famosos de Kahlo dedicado a Rivera dice: “¿Está permitido inventar nuevos verbos? Quiero darte uno: te cielo, para que mis alas se extiendan sin límites para amarte sin fronteras”. Lo dio todo por su amor, por el que amaba, sin escatimar nunca, a pesar de las dificultades, pero al mismo tiempo odiaba lo que sufría constantemente, las incesantes traiciones.

También tuvo que hacer frente a numerosos gastos médicos debido a su precaria salud: de niña padeció poliomielitis, enfermedad que le provocó una cojera permanente en la pierna derecha, y a los dieciocho años sufrió un accidente: el autobús en el que viajaba chocó con un tranvía; esto le causó varias fracturas en la columna vertebral, las vértebras lumbares y el hueso pélvico, y una grave lesión en el abdomen. Durante toda su vida arrastró las secuelas de aquel accidente: abortó varias veces y fue sometida a más de treinta operaciones; este suceso atormentó literalmente su existencia, tanto física como internamente. Su cuerpo llevaba las marcas de su desgracia y de sus consecuencias, a pesar de que podía contar con su médico de confianza, el Dr. Eloesser, mientras que las experiencias vitales y los sufrimientos padecidos se sumaban a su inmenso dolor interior causado por las traiciones de su marido. Sin embargo, fue durante el largo periodo de convalecencia del terrible accidente cuando Frida comenzó a dedicarse a la pintura.

Volviendo al concurso de la Fundación Guggenheim para obtener fondos que la ayudaran al menos económicamente, recibió el apoyo de varios amigos, como el compositor, director de orquesta y periodista CarlosChávez y el crítico de arte e historiador Meyer Schapiro, quien dijo de Frida: “Es una excelente pintora, dotada de verdadera originalidad, una de las artistas mexicanas más interesantes que conozco. Su obra está a la altura de los mejores cuadros de Orozco y Rivera, y en cierto modo es más auténticamente mexicana que la de ellos. Si carece de su sentimiento heroico y trágico, Frida Kahlo está, sin embargo, más cerca de la tradición y de la sensibilidad mexicana común por las formas decorativas”. También escribieron cartas de presentación André Breton, Marcel Duchamp, William Valentiner, Walter Pach, Conger Goodyear y el propio Diego Rivera.

Frida Kahlo, Autorretrato con collar de espinas y colibríes (1940; óleo sobre lámina, 63,5 x 49,5 cm; Austin, Harry Ranson Center). © Banco de México Diego Rivera & Frida Kahlo Museums Trust

Frida Kahlo, Autorretrato con monos (1943; óleo sobre lienzo, 81,5 x 63 cm; Ciudad de México, Colección Jacques y Natasha Gelman). © Fondo de Museos Diego Rivera y Frida Kahlo del Banco de México

Frida Kahlo, El ciervo herido (1946; óleo sobre masonita, 22,4 x 30 cm; Colección Privada). © Fondo de Museos Diego Rivera y Frida Kahlo del Banco de México

Frida Kahlo, Autorretrato con Bonito (1941; óleo sobre lienzo, 55 x 43,4 cm; Colección particular). © Fondo de Museos Diego Rivera y Frida Kahlo del Banco de México

Frida Kahlo, La columna rota (1944; óleo sobre lienzo pegado sobre masonita, 30,5 x 40 cm; Ciudad de México, Museo Dolores Olmedo). © Fondo de Museos Diego Rivera y Frida Kahlo del Banco de México

Como parte de su solicitud, Frida escribió, exponiendo sus antecedentes profesionales: “Empecé a pintar hace doce años, mientras me recuperaba de un accidente de coche que me obligó a permanecer en cama durante casi un año. Durante todos estos años he trabajado con el impulso espontáneo de mis sentimientos. Nunca he seguido ninguna escuela ni ninguna influencia, ni he esperado obtener de mi trabajo más que la satisfacción de simplemente pintar y decir lo que no podría haber dicho de otra manera”. Y añade: “He hecho retratos, composiciones de figuras, incluso temas en los que el paisaje y la naturaleza muerta tienen una gran importancia. Pude encontrar, sin verme forzado por ningún prejuicio, una forma personal de expresión a través de la pintura. Durante diez años, mi trabajo consistió en eliminar todo lo que no procediera de las motivaciones líricas interiores que me impulsaban a pintar”.

A esto seguía la declaración citada al principio, en la que decía que había “objetivado todo esto en imágenes de mí misma”: nada más y nada menos que la razón explícita de sus numerosos autorretratos, las obras en las que Frida plasmó sobre el lienzo todo el caos interior y el tormento existencial que experimentó a lo largo de su vida.

Esa financiación finalmente no le fue concedida.

En sus autorretratos , suele representarse con la cabeza erguida en una actitud casi altiva, a menudo en una pose de medio cuerpo y con especial atención al color y al detalle. Incluso explicitó en un escrito el significado que atribuía a los distintos colores: aunque recordaba los tonos tradicionales del arte mexicano, en su mayoría terrosos, otorgaba a cada color un valor psicológico, desde el verde oliva al marrón, pasando por el amarillo, el azul y el magenta. Por ejemplo, el verde oliva se asociaba a menudo con el sentimiento de opresión, el color de la tierra quemada expresaba desesperación y desesperanza, el amarillo locura y miedo, el rojo y el rosa sangre y muerte.

Por eso se la suele representar con fondos de enredaderas, plantas, intrincada vegetación tropical, a veces con brotes. A menudo la acompañan monos que la abrazan y que se hacen más frecuentes tras su divorcio con Rivera, a partir de 1940: parece que la presencia de los monos llena el vacío dejado por su marido, acentuando su sentimiento de soledad. En elAutorretrato de 1940 con collar de espinas y colibríes, también está presente un gato negro en pose amenazadora, mientras que del collar de espinas cuelga un colibrí muerto: este último puede causarle más heridas y el colibrí (que en México se utiliza como amuleto de buena suerte en el amor) parece referirse a ella misma, ya que se siente como ese pájaro muerto. En La columna rota se representó a sí misma como una mártir con el telón de fondo de una tierra quemada. A menudo las trenzas de su pelo se enroscan alrededor de su cuello, provocando una sensación de asfixia en el espectador.

Leo Matiz, Frida Kahlo (Coyacán, 1944; fotografía en color). © Fundación Leo Matiz

Leo Matiz, Frida Kahlo delante de la Casa Azul (Coyacán, 1944; fotografía en color). © Fundación Leo Matiz

Leo Matiz, Frida Kahlo (Xochilmico, 1941; fotografía en blanco y negro). © Fundación Leo Matiz

Leo Matiz, Frida , Christina Kahlo, Diego Rivera y un amigo (Ciudad de México, c. 1941; fotografía en blanco y negro). © Fundación Leo Matiz

Resulta especialmente significativa la representación del rostro de Frida en lugar del hocico de un ciervo herido por numerosas flechas, de cuyas heridas mana sangre. Cada uno de estos autorretratos subraya así el dolor interior que sentía Kahlo, en un contraste entre el rostro que parece no dejar ningún sentimiento y todo el resto, rico en cambio en símbolos de ese dolor.

A partir de la década de 1940, el fotógrafo colombiano Leonet Matiz Espinoza realizó retratos fotográficos de la artista y amiga, que se han convertido en imágenes icónicas de Frida. La inmortalizó en los espacios de su vida cotidiana , es decir, en el jardín, el estudio y los interiores de la famosa Casa Azul, en una época en la que había alcanzado la fama como pintora y, como mujer, había logrado la independencia tanto económica como emocional. Las fotografías de Matiz retratan, por tanto, a una Frida diferente a la de los autorretratos anteriormente mencionados, en el sentido de que es orgullosa e independiente.

Todas las obras comentadas en este artículo podrán verse del 12 de octubre de 2020 al 29 de marzo de 2021 en la Fabbrica del Vapore de Milán, donde se inaugura la exposición Frida Kahlo. El caos interior, comisariada por Antonio Arèvalo, Alejandra Matiz, Milagros Ancheita y Maria Rosso. Además de los cuadros reproducidos, se exponen reconstrucciones de los ambientes en los que vivió y trabajó la artista. Para más información, visite el sitio web de la exposición.

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.