El ser humano es orgánico y artificial y vive con estos dos aspectos. El arte de Paolo Grassino

Paolo Grassino, uno de los escultores italianos contemporáneos más interesantes, propone una investigación de fuerte impacto, que se sirve de los materiales más variados, del cemento al poliestireno, de la madera al caucho, investigando temas como la precariedad de nuestro mundo, las derivas de la sociedad contemporánea, nuestra fragilidad. Grassino nació en Turín en 1967: su padre Alfredo le orientó hacia las disciplinas artísticas desde niño. En 1984 se matriculó en la escuela de arte, donde conoció y empezó a frecuentar los estudios de artistas italianos como Marco Gastini, Luigi Mainolfi, Gilberto Zorio, Michelangelo Pistoletto y Sergio Ragalzi. Desde 1988, expone en exposiciones individuales y colectivas y, desde 1991, prosigue sus estudios en la Accademia Albertina de Turín junto a Luisa Rabbia, Saverio Todaro y Domenico Borrelli, con quienes crea un grupo de trabajo y comparte sus primeros talleres. En 2000, la GAM de Turín le dedicó una exposición personal que dio a conocer su investigación artística a galerías e instituciones nacionales e internacionales. En 2008, participó en la XV Quadriennale d’Arte de Roma. En 2011, Luca Massimo Barbero le dedica una sala individual en el MACRO de Roma y ese mismo año participa en la IV Bienal de Moscú. En 2012, sus obras figuran en museos como el Frost Art Museum de Miami y el Loft Project ETAGI de San Petersburgo. Phillip Van den Bossche le invitó a la Trienal Beaufort 04 de Arte Contemporáneo junto al Mar de 2012 en Ostende y en 2013 el IIC de Madrid le dedicó una exposición individual. En 2013 se publica un volumen editado por Skira que recoge sus obras más significativas desde 1992 hasta 2012 y que se presenta con motivo de su exposición individual ’Percorso in tre atti’ en el Centro de Arte Contemporáneo Luigi Pecci de Milán. En estos años comenzó su carrera docente como profesor del Curso de Escultura y del Curso de Plástica Ornamental en las Academias de Bellas Artes de Carrara, Palermo y luego Brera y Turín. En 2019 realiza una gran exposición individual en las salas históricas del Palazzo Saluzzo Paesana de Turín. En 2021 participa en la exposición itinerante “La ruta de la seda. Arte y artistas contemporáneos de Italia” organizada por la Farnesina con paradas en museos de Kiev, Ankara, Tiflis,Tashkent, Pekín y Xi’an. En 2023 fue invitado por la ciudad de Pinerolo a la Tercera Bienal Diffusa y realizó una exposición personal titulada “Incursiones”, comisariada por Franco Fanelli, en la histórica Cavallerizza Caprilli y en los lugares más significativos de la ciudad. Grassino habla de su arte en esta conversación con Gabriele Landi.

GL. Paolo, a menudo sucede que la obra de un artista tiene sus raíces en la edad mítica de la infancia: ¿es así también para usted?

PG. Mi padre Alfredo era pintor autodidacta y me introdujo en las prácticas artísticas de niño. Me pasaba tardes enteras con él dibujando y pintando. Me encantaba el recogimiento que produce el ejercicio creativo desde el principio. Le debo mucho a mi padre y este aspecto de la existencia es quizá lo más preciado que me dio.

¿Tuvo un “primer amor” artístico?

He tenido muchos amores artísticos. Cada etapa de mi desarrollo creativo personal ha ido acompañada de un “ejemplo” a seguir. Hoy, no, no siento la necesidad. Quizá sólo sean amores necesarios durante la formación.

¿Qué estudios realizó?

Estudié en el Primo Liceo Artistico y en la Accademia Albertina de Turín, donde enseño hoy.

Trabajó como ayudante de Luigi Mainolfi: ¿qué se llevó de esta experiencia?

Luigi es un maestro de la escultura italiana y creo que tuve la suerte de encontrarlo en mi camino a los dieciséis años. Trabajé en su estudio al mismo tiempo que cursaba el bachillerato y mi formación académica. Cuando terminó mi formación didáctica, también lo hizo mi aprendizaje con él. Luigi siguió siendo un amigo muy querido, junto con otros compañeros de viaje de aquella época.

Además de conocer a Mainolfi, ¿hubo otros encuentros que dejaran huella?

En el instituto conocí a Sergio Ragalzi y pasamos muchos años juntos. Falleció este año y su muerte ha dejado un vacío en Turín. Creo que Sergio fue uno de los artistas más interesantes y autónomos de los años posteriores al Arte Povera en Italia.

¿Es el dibujo una práctica que usted frecuenta? ¿Qué importancia y papel desempeña en lo que hace?

Primero habría que entender qué se entiende por dibujar. Para mis obras, hago pequeños trazos de bolígrafo que muchas veces no se siguen. Al mismo tiempo que las esculturas y las instalaciones, creo obras con tinta sobre papel que han permanecido privadas y raramente públicas durante muchos años. El año que viene haré una exposición individual con este tipo de obras.

Me gustaría preguntarle sobre su idea del tiempo y el espacio y la idea de transformación que a menudo se repite en lo que hace...

Por supuesto que para quien hace escultura, el espacio es fundamental. La escultura, con su presencia física, crea una extensión que antes no existía. El tiempo absorbe la obra, la transforma, la acaba no sólo objetivamente, y si no cabe, la borra.

¿Importa la idea de puesta en escena en lo que hace?

Busco la temperatura, los silencios, las pistas que conducen a contextos no siempre claros o equilibrados. Este aspecto pertenece a la dramaturgia, a la puesta en escena que conduce hacia visiones que pertenecen a lo incierto.

¿Puede hablarnos más de la relación entre su obra y el público que acude a verla?

A veces, el público que observa mi obra utiliza la palabra “inquietante”. Quizás también exista este aspecto en mi obra, pero creo que sólo pertenece a la superficie.

En su obra, además de la presencia humana sugerida o manifiesta, los ciervos, los perros... ¿cuál es su idea de la naturaleza?

Los ciervos y los perros transmiten conflicto. Lo que me gustaría hacer evidente es la divergencia entre las partes. El ciervo es desde la antigüedad un símbolo de sacrificio, mientras que el perro es un arma adiestrada para la caza, para la guerra.

¿Le interesa la mezcla de lo orgánico y lo artificial?

Muchas de mis obras hacen hincapié en esta dualidad, que en algunos casos es investigación constructiva y en otros es destrucción lúgubre. El hombre contiene estos dos aspectos y convive con ellos.

¿Cómo elige los materiales con los que trabaja?

Es el sujeto el que elige con qué expresarse. Cada sujeto tiene su propio objeto o material esperando a que se sume en un acto único.

¿Qué papel desempeña en su obra el aspecto inquietante de las imágenes que representa?

Quiero que el espectador se haga preguntas. El arte tiene esta tarea y su responsabilidad es con el contexto que lo contiene. La pregunta es necesaria para empezar a construir respuestas.

¿La dimensión imaginativa de su obra está también vinculada a un aspecto narrativo?

La narrativa está contenida en mis obras, pero es distorsionada, ambigua, abierta a múltiples interpretaciones, de modo que no es totalmente aprehensible.

¿Hay también un lado irónico en lo que hace?

Nunca pienso en la ironía en mi trabajo, este aspecto surge probablemente de forma espontánea.

¿Qué importancia tienen para usted los títulos de las obras?

No siempre es necesario un título. A veces los títulos vienen antes que la obra, a veces la obra sólo está contenida en el título. El título indica una clave, pero no siempre revela algo, es una pista falsa o una interpretación más.

¿Existe una tensión espiritual en su trabajo?

Toda investigación es espiritual porque trata de encontrar respuestas.

¿Qué idea tiene de la muerte y cómo se relaciona con ella?

El arco de la vida es un paréntesis entre la nada y la inexistencia.

¿Cuál es su relación con su obra?

Me encanta mi trabajo. Me siento cómodo en mi lugar de trabajo. Cuando estoy en mi estudio sólo pienso en lo que ocurre fuera de este espacio protegido y privilegiado.

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