El proyecto total. Breve historia del diálogo entre arte y diseño

Hablar de las relaciones entre artistas y diseñadores-diseñadores es fácil y complejo al mismo tiempo. Hay muchos ejemplos italianos e internacionales, y ahora incluso los manuales de historia del diseño han empezado a trazar sus caminos y a explorar sus implicaciones. Nuestra idea, totalmente italiana, de que existe un arte con mayúsculas y un tipo de expresión cultural que desde el diseño sólo tiene como objetivo la producción industrial a gran escala, es una actitud moralista y provinciana que no tiene parangón, me atrevería a decir, en ningún otro lugar del mundo. Digo moralista porque está ligada a la relación entre creatividad y mercado (algo considerado indecoroso y vagamente inmoral), como si el arte capitalista no viviera del mercado, sino sólo del aire y de la intuición. La pérdida del aura descrita por Walter Benjamin se remonta a la década de 1930, y también se refiere a la relación entre el arte y la fotografía, el arte y el cine, precisamente debido a la reproductibilidad del medio mecánico y la percepción del espectador en comparación con, por ejemplo, una pintura sobre lienzo. Murió mucho antes de que surgieran fenómenos explosivos, como el Pop Art, por ejemplo, que viró hacia rutas inesperadas y dio origen a un lenguaje en el que la palabra pop puede extenderse a todo, del mismo modo que puede decirse que una película es “felliniana”, y todos entendemos lo que se quiere decir.

Pero hemos tenido a Leon Battista Alberti y sus ’categorías’ y no hemos reformado mucho a partir de ahí. Por otra parte, la invención, en el siglo XIX, del Arts & Crafts nació en Inglaterra de la mano de un genial William Morris junto con sus compañeros de viaje, los prerrafaelitas, despreciados por nosotros durante mucho tiempo, considerados artistas ’menores’, artistas de nicho, como se suele decir. El Sr. Morris pensaba efectivamente en un arte que invirtiera el universo cultural y social en todas sus declinaciones (como así fue, aunque de manera diferente en la más famosa Bauhaus en la que también hubo maestros como Kandinsky y Klee), pero intentaba contrarrestar un desarrollo de la industrialización lanzado hacia objetivos de nivelación económica y productiva, como sabemos, para ampliar el mercado a las demandas de las masas.

Por supuesto, el concepto de diseño estaba aún en pañales, y la artesanía era la experiencia que sobrevivía a la creciente bulimia de las cadenas de montaje en las fábricas. Pero si diseño significa proyecto, entonces las cosas y los fenómenos deben verse de un modo diferente, más amplio y transversal.

Los artistas siempre han dado vida a sus propios diseños, han realizado grabados “en serie” por su cuenta, y parece que Durero también creó joyas, por no hablar de Leonardo, que organizó fiestas temáticas para el rey de Francia, y no podemos dejar de mencionar, mucho más tarde, al matrimonio Delaunay, y sobre todo a Sonya, “diseñadora de cuadros, papeles pintados y ropa”. Hablando de ropa, me viene a la memoria la colaboración de Elsa Schiaparelli, rival de Coco Chanel, con Salvador Dalí y Jean Cocteau. En resumen, quiero decir que los artistas son artistas, y los más experimentales han abrazado libremente diferentes técnicas y artefactos, en nombre del diseño y la libertad de pensamiento. El binomio arte/vida no es patrimonio de la investigación de los años 60, sino que se remonta a mucho antes y se refiere a valores culturales, sociales, políticos en sentido general. ¿Acaso la ideología del futurismo no abarca a todos y a todo y declara su pensamiento vanguardista incluso en un vestido anti-neutral diseñado por el pintor Giacomo Balla? ¿Acaso Fortunato Depero, además de pintar, no creó biombos, juguetes, sillas, precisamente en nombre de esa idea utópica de la obra de arte total?

Hablando de diseño, hay que decir que un jovencísimo Bruno Munari se acercó a la poética del Futurismo para luego romper y recorrer otros caminos como el del Movimiento del Arte Concreto, junto a un Gillo Dorfles que, a su vez, se convertiría en un célebre crítico de arte a nivel internacional. Bruno Munari es quien mejor encarna el espíritu ecléctico que le convierte en un diseñador perfectamente integrado en el mundo de la producción industrial, pero también es quien da vida a las Máquinas Inútiles, y también es quien se dirige al mundo de los niños creando los Prelibri con el asesoramiento de Gianni Rodari.

Hoy en día, el diseño es también diseño de interiores, diseño de suelos, diseño de luces, diseño de vestuario, diseño gráfico, diseño urbano y mucho más. Los artistas han mirado al diseño y los diseñadores han exhalado al arte, cada uno según el aire de su tiempo.

Las dos familias siguen siendo la investigación minimal y pop y se han alternado a lo largo de las décadas mientras que, hoy en día, coexisten en el mundo globalizado sin molestarse mutuamente, por lo que el Bolidismo tiene en la figura de Massimo Iosa Ghini, un arquitecto diseñador idealmente nacido de una afinidad con el Futurismo, como él mismo declara, y Gufram sigue produciendo el sofá Bocca de Studio 65, creado a principios de los años 70, inspirado en el retrato que Savador Dalí hizo de Mae West (a quien hay que recordar no sólo como pintora, sino también como escultora, cineasta, guionista, fotógrafa y diseñadora) quien, por su parte, había creado objetos y mobiliario surrealistas en la propia habitación de Mae West, como el Teléfono Langosta.

Otro artista, Meret Oppenheim, había diseñado en 1939 la mesa auxiliar Traccia, con patas en forma de pies de pájaro, reeditada en los años setenta para la colección Ultramobile por encargo del empresario boloñés Dino Gavina. Uno de los artistas minimalistas más significativos como Donald Judd inspiró a muchos diseñadores, entre ellos Ron Arad y su Bookworm en los años 90, por no mencionar el mueble TV de Stefano Giannoni de 1990 que miraba alde Stefano Giannoni, de 1990, que se fijó en el inconfundible icono-logotipo de Robert Indiana, Love, de los años sesenta, así como Tejo Remy, con su Rag Chair, que muestra una evidente afinidad con la Venus de Trapo de Michelangelo Pistoletto, y recicla materiales naturales en nombre del diseño sostenible. En este sentido, es inevitable comparar la obra Tree - Trunk - Bench (1999) de Jurgen Bey con algunas de las obras de Giuseppe Penone. Por otra parte, el famoso Ingo Maurer por su Sistema Ya Ya Ho es una clara referencia a Calder y sus esculturas suspendidas.

Con el uso pop del plástico, o más bien de los plásticos, he aquí las instalaciones de Gino Marotta y los Sicofoils de Carla Accardi. El MOMA de Nueva York, templo del arte moderno y contemporáneo, acogió en 1972 la primera exposición sobre diseño italiano, titulada Italia, el nuevo paisaje doméstico. El museo, pionero en esto, tiene su propia sección dedicada al diseño.

El manifiesto de lo expuesto hasta ahora sigue siendo la silla de Gerrit Rietveld que rinde homenaje a Piet Mondrian, en 1921, ese mismo Mondrian que se convierte en motivo de un famoso vestido creado por Yves Saint Laurent, estilista y coleccionista de arte.

Hay figuras, más complejas que otras, en el mundo del arte, Yayoi Kusama y su universo de lunares, lunares interactivos y lunares que aparecen en la última campaña publicitaria de Louis Vuitton. Provocadoramente pregunto: ¿es Kusama una artista - artista, diseñadora de interiores, marca de moda? Artista y punto.

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