Dónde pasarían la cuarentena algunos de los grandes de la historia del arte? La #iorestoacasa de 15 artistas

Hubo un momento en la historia del arte (hacia mediados del siglo XVII) a partir del cual los artistas comenzaron, cada vez con mayor insistencia, a autorretratarse en su estudio o en su casa. Durante mucho tiempo, el género del autorretrato en el estudio respondió a la necesidad de prestigio (el pintor quería dignificar su estudio) o de construcción de su propia imagen (ya que un estudio o una casa dicen mucho del artista). En otras épocas, la representación de la casa o el estudio se convertía simplemente en el relato de la vida cotidiana.

Hoy, durante las medidas restrictivas debidas a la pandemia del coronavirus Covid-19, todos los artistas se vieron obligados, como el resto de nosotros, a encerrarse en casa. Pero, ¿cómo habrían vivido los grandes artistas del pasado si el ahora fastidioso hashtag #hogarhubiera sido un imperativo hace siglos? ¡Hemos hecho un recorrido por las casas de quince grandes artistas de la historia del arte para ver en qué condiciones habrían pasado las restricciones!

1. Rembrandt van Rijn, El pintor en el estudio
(c. 1629; óleo sobre tabla, 25,1 x 31,9 cm; Boston, Museo de Bellas Artes)
No sabemos si el estudio representado por Rembrandt (Leiden, 1606 - Amsterdam, 1669) en este cuadro es realmente el del artista, pero dada su propensión al autorretrato (de hecho, Rembrandt nos dejó numerosas imágenes de sí mismo), es muy probable que lo sea. Tampoco hay certeza en cuanto a la identificación del pintor representado: para algunos podría tratarse de Rembrandt, para otros de su gran discípulo Gerrit Dou. Llama la atención la extrema sobriedad de este estudio, despojado de todo menos de las herramientas del pintor: evidentemente, el artista no permitía ninguna distracción, o quería una sala despejada para estudiar mejor los efectos de luz y sombra. El cuadro sorprende también por su corte en perspectiva: para ampliar el campo, el artista optó por colocar el caballete en primer plano y situarse al fondo de la sala, de modo que el instrumento parece gigantesco y él mucho más pequeño. Quizás se podría dar una connotación alegórica a este elemento, leyéndolo como una alusión simbólica al tamaño y la fatiga del trabajo del artista.

Rembrandt van Rijn, El pintor en el estudio (c. 1629; óleo sobre tabla, 25,1 x 31,9 cm; Boston, Museo de Bellas Artes)

2. Jan Vermeer, Alegoría de la pintura
(c. 1666; óleo sobre lienzo, 120 x 100 cm; Viena, Kunsthistorisches Museum)
La obra también se conoce como El Atelier porque, según algunas lecturas, el protagonista podría ser el propio Jan Vermeer (Delft, 1632 - 1675) mientras pinta una maqueta en el interior de su estudio: una elegante casa con interior a cuadros, finas cortinas, terciopelo, una rica lámpara de araña y un mapa colgado en la pared. El mapa en sí es la pista principal: se trata, en efecto, del mapa de las llamadas Diecisiete Provincias (un gran Estado que entre 1482 y 1581 comprendía los actuales Países Bajos, Bélgica, Luxemburgo, parte del norte de Francia y una porción de Alemania occidental), y sabemos que estaba en casa de Vermeer. La lectura del cuadro como alegoría de la pintura se ve facilitada por la presencia de objetos como la trompeta, símbolo de la fama, el libro, símbolo de la historia, y el laurel, alusión a la poesía, todos ellos temas que tienen que ver con la pintura. La obra es, además, uno de los mayores ensayos de destreza luminística de Vermeer.

Jan Vermeer, Alegoría de la pintura (c. 1666; óleo sobre lienzo, 120 x 100 cm; Viena, Kunsthistorisches Museum)

3. Adriaen van Ostade, El estudio del pintor
(c. 1670-1675; óleo sobre tabla, 37 x 36 cm; Amsterdam, Rijksmuseum)
Como puede deducirse de lo anterior, la representación deltaller del artista abunda en la Holanda del siglo XVII: los pintores holandeses se inclinaban especialmente por las escenas de género, a diferencia de los italianos, y eran más proclives que éstos a reflexionar sobre la profesión del artista en su vida cotidiana (los italianos, en cambio, se interesaban más por los aspectos teóricos, filosóficos y alegóricos de la profesión, por lo que son frecuentes los cuadros con alegorías del arte y la pintura como tema en la Italia del siglo XVII). Adriaen van Ostade (Haarlem, 1610 - 1685), uno de los pintores de género más prolíficos de la Holanda del siglo XVII, lleva estas consecuencias casi al extremo al representar el estudio de un artista (que casi con toda seguridad no es el suyo: es mucho más probable que se trate de un interior inventado) que trabaja en un edificio ruinoso y lúgubre: las condiciones en las que muchos artistas, que distaban mucho de ser ricos (los pintores ricos eran, de hecho, una minoría muy marcada), trabajaban en aquella época. Dos alumnos aparecen también en el estudio, y un perro duerme en el suelo. Alrededor, en desorden, herramientas del oficio y objetos cotidianos del estudio tirados aquí y allá.

Adriaen van Ostade, El taller del pintor (c. 1670-1675; óleo sobre tabla, 37 x 36 cm; Amsterdam, Rijksmuseum)

4. Pietro Longhi, El estudio del pintor
(c. 1745; óleo sobre lienzo, 44 x 53 cm; Venecia, Ca’ Rezzonico, Museo del Settecento Veneziano)
El pintor veneciano Pietro Longhi (Pietro Falca; Venecia, 1701 - 1785) fue el artista que quizá más que ningún otro supo captar la sociedad de su ciudad en el siglo XVIII, por lo que su pintura está poblada de momentos de la vida cotidiana en las casas de la Venecia de clase alta, fiestas de máscaras, días en el circo. O, como en este caso, momentos de trabajo en el taller del pintor. El artista es retratado aquí de espaldas mientras pinta el retrato de una dama, acompañada por su marido que lleva, además del tricorno (el tocado típico de la Venecia del siglo XVIII), una bauta, la máscara tradicional veneciana, momentáneamente bajada (en la Venecia antigua, la máscara no sólo se llevaba en carnaval). El estudio del artista está desnudo, pero no falta, apoyado en la pared del fondo, un violonchelo: la música, en la Venecia del siglo XVIII, era sin duda una actividad vital.

Pietro Longhi, El estudio del pintor (c. 1745; óleo sobre lienzo, 44 x 53 cm; Venecia, Ca’ Rezzonico, Museo del Settecento Veneziano)

5. Caspar David Friedrich, Vista desde el estudio del artista, ventana izquierda
(1805-1806; grafito y sepia sobre papel, 314 x 235 mm; Viena, Belvedere)
El gran pintor romántico Caspar David Friedrich (Greifswald, 1774 - Dresde, 1840) nos dejó algunas imágenes de su estudio, pero no sólo: él mismo fue retratado por su amigo Georg Friedrich Kersting en el interior de su habitación, con una espléndida vista del río Elba, en Dresde. Una constante en las representaciones de la casa de Friedrich es, de hecho, la gran ventana abierta que domina el paisaje: el de la ventana es un tópico caro al Romanticismo, ya que fueron los propios pintores románticos quienes inventaron el género de la “vista de ventana”. Una especie de término medio entre el paisajismo y la vista interior, o una combinación de ambos: era el medio más eficaz para representar el disenso del alma romántica, insegura entre permanecer anclada en sus certezas o lanzarse a descubrir el infinito que se abre más allá de su umbral. Es así como podemos leer también las visiones de Friedrich, imaginándolo suspirar mientras mira por la ventana de su casa.

Caspar David Friedrich, Vista desde el estudio del artista, ventana izquierda (1805-1806; grafito y sepia sobre papel, 314 × 235 mm; Viena, Belvedere)

6. Tommaso Minardi, Autorretrato en el desván
(c. 1813; óleo sobre lienzo, 37 x 33 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)
Aunque Tommaso Minardi (Faenza, 1787 - Roma, 1871) quizá no sea uno de los artistas más famosos de la historia del arte italiano (aunque sí uno de los más importantes de la primera mitad del siglo XIX: fue también firmante del Manifiesto Purista), su célebre Autorretrato es una de las imágenes más famosas de la Italia del siglo XIX, ya que es una de las primeras pinturas de su género y responde al deseo de los artistas de la época de ofrecer un determinado tipo de imagen a un público más amplio: el artista se convierte así, en este caso, en una especie de bohemio ante litteram que vive en un estrecho mundo de desorden, estudio, libros y largas reflexiones solitarias (lo adivinamos por la calavera colocada en la mesilla de noche). Quizá no debamos imaginarlo como un estudio realista (quién sabe si Minardi tenía realmente todas esas calaveras en casa), pero sin duda es una imagen no muy alejada de la realidad.

Tommaso Minardi, Autorretrato en el desván (c. 1813; óleo sobre lienzo, 37 x 33 cm; Florencia, Galería de los Uffizi)

7. Leon Cogniet, El artista en su estudio de la Villa Médicis de Roma
(1817; óleo sobre lienzo, 44,5 x 37 cm; Cleveland, Cleveland Art Museum)
Un jovencísimo Léon Cogniet (París, 1794 - 1880), pintor formado en la tradición neoclásica pero que pronto da un giro romántico decisivo (ya evidente en este cuadro), gana en 1817 el Prix de Rome, que le garantiza un periodo de estudios de cinco años en Roma, en la Villa Médicis (que sigue siendo la sede de la Academia de Francia). Su habitación tiene una ventana abierta al paisaje romano, y esto es muy revelador porque, en Italia, Cogniet quedó impresionado por los paisajes y las ruinas. Lo que más me impresionó“, escribe en una carta poco después de llegar a Roma, ”fue la belleza de la naturaleza, pero no sólo la del lugar donde vivo: toda la naturaleza que he atravesado desde la frontera francesa en adelante". Y como es el tópico del artista romántico, en la habitación de Cogniet también abundan los libros, el desorden, los objetos dispares: una guitarra, papeles de escribir, pequeños cuadros, una cómoda con telas tiradas en confusión, incluso un escudo con dos espadas. El artista, por su parte, está apoyado en su altísima cama.

Tommaso Minardi, Autorretrato en el desván (c. 1813; óleo sobre lienzo, 37 x 33 cm; Florencia, Galería de los Uffizi).

8. Frédéric Bazille y Édouard Manet, Estudio de Bazille
(1870; óleo sobre lienzo, 98 x 128,5 cm; París, Museo de Orsay)
Frédéric Bazille (Montpellier, 1841 - Beaune-la-Rolande, 1870), artista muy prometedor, uno de los primeros impresionistas (habría llegado a ser uno de los más grandes, de no haber muerto con sólo veintinueve años durante la guerra franco-prusiana: se había alistado como voluntario), pinta aquí en el estudio parisino que compartió con Renoir durante los dos últimos años de su vida. El pintor está representado en el centro, con la paleta en la mano, y es el más alto de los personajes. Sabemos que fue Édouard Manet quien pintó la figura de Bazille, que es el personaje con sombrero junto a Bazille. En este taller-atelier de dos plantas encontramos todo lo que significaba el arte para Bazille: algo global y abarcador, algo que iba más allá de la Academia (en las paredes cuelgan cuadros de sus amigos rechazados por los Salones oficiales) y que era necesariamente compartido.

9. Vincent van Gogh, Habitación de Vincent en Arles
(1888; óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm; Amsterdam, Van Gogh Museum)
Quizá sea la “casa del artista” más famosa de la historia del arte: la famosa habitación de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890) en su casa de Arlés, Provenza, adonde el artista se había trasladado en 1888 en busca de la maravillosa luz meridional. El cuadro se conoce en tres versiones (una conservada en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, otra en el Instituto de Arte de Chicago y otra en el Museo de Orsay de París: la de la capital holandesa es, sin embargo, la única pintada en Arlés, las otras dos datan de 1889 y fueron ejecutadas en Saint-Rémy) y es especialmente popular porque representa la tranquila vida cotidiana del artista en aquella época: el interior de la llamada “casa amarilla” está particularmente desnudo, no vemos más que un perchero, una mesita, un par de sillas, un espejo sucio, una toalla colgada directamente de la pared y algunos cuadros adornando la habitación. También se han dado interpretaciones psicológicas de este cuadro (reproducido también por van Gogh en un par de cartas), sin llegar nunca a una lectura segura: para van Gogh era “una especie de venganza por el reposo forzado al que me vi obligado” (el artista estaba de hecho enfermo cuando pintó la obra y no podía salir de casa). El color, por tanto, según sus propias palabras, debía “sugerir descanso o sueño”. En estas palabras puede esconderse la clave para comprender mejor este famosísimo cuadro.

Vincent van Gogh, Habitación de Vincent en Arles (1888; óleo sobre lienzo, 72 x 90 cm; Amsterdam, Museo Van Gogh)

10. Joaquín Sorolla, El taller del pintor
(1888; óleo sobre lienzo, 50 x 76 cm; Madrid, Museo Sorolla)
Un jovencísimo Joaquín Sorolla (Valencia, 1863 - Cercedilla, 1923), de apenas 25 años, nos muestra aquí su juvenil estudio, todo desordenado y desordenado: nos llama la atención el modelo, un niño desnudo tumbado en un sofá, el perro durmiendo en el suelo, así como los numerosos cuadros tirados desordenadamente por todos los rincones. La selección de obras nos da una idea de los gustos de Sorolla en aquella época: hay reproducciones del retrato del Papa Inocencio X, de Velázquez, y de un bajorrelieve griego de Fidias.

Joaquín Sorolla, El taller del pintor (1888; óleo sobre lienzo, 50 x 76 cm; Madrid, Museo Sorolla)

11. Claude Monet, El jardín del artista en Giverny
(1900; óleo sobre lienzo; 81,6 x 92,6 cm; París, Museo de Orsay)
Aunque los comienzos de su carrera no fueron fáciles para Claude Monet (París, 1840 - Giverny, 1926), el padre delImpresionismo, el éxito no tardó en llegarle y con los ingresos de su pintura pudo comprarse una casa en Giverny, Normandía, con un gran jardín donde dedicarse a su gran pasión: la jardinería. Los famosos nenúfares que abundan en su última producción son precisamente los que había plantado en un estanque que mandó instalar especialmente en el jardín. Y paralelamente a los cuadros de nenúfares, abundan las vistas de su jardín en la última fase de la actividad de Monet: como ésta, muy colorista para dar la impresión de un paseo entre las numerosas flores de las que el pintor adoraba rodearse.

Claude Monet, El jardín del artista en Giverny (1900; óleo sobre lienzo; 81,6 x 92,6 cm; París, Museo de Orsay)

12. André Derain, Autorretrato en el estudio
(c. 1903; óleo sobre lienzo; 42,2 x 34,6 cm; Canberra, Galería Nacional de Australia)
Obra de juventud ejecutada a los veintitrés años, este Autorretrato en el estudio de André Derain (Yvelines, 1880 - Garches, 1954) es un cuadro anterior a la fause fauve del artista, pero la dirección de su arte está ya clara, con su pintura apuntando ya hacia el arte de Matisse. El artista lo pintó mirándose al espejo, de forma rápida, con una paleta que alterna partes muy vivas y claras con zonas más oscuras (el propio artista pinta a contraluz). Derain y Matisse ya se conocían en aquella época, aunque es difícil saber si este cuadro fue ejecutado a partir de las realizaciones de Matisse. El estudio está particularmente desnudo, y no vemos más que una ventana y un armario con algunas herramientas del oficio.

André Derain, Autorretrato en el estudio (c. 1903; óleo sobre lienzo; 42,2 x 34,6 cm; Canberra, National Gallery of Australia).

13. Umberto Boccioni, Autorretrato
(1908; óleo sobre lienzo, 70 x 100 cm; Milán, Pinacoteca di Brera)
Este Autorretrato es uno de los cuadros más famosos de Umberto Boccioni (Reggio Calabria, 1882 - Verona, 1916): el artista se representa a sí mismo, en pleno invierno, en el balcón de su piso de Milán, en un edificio de nueva construcción (vemos al fondo las obras de la creciente ciudad) a las afueras de la ciudad, en Via Castel Morrone. Aquí, Boccioni aún no se ha pasado a la poética futurista, aunque podemos vislumbrarla in nuce en las pinceladas azotadoras del abrigo: el artista aún está cerca del Divisionismo. La obra no había satisfecho plenamente al artista, que escribía lo siguiente en una nota fechada el 13 de mayo de 1908: “Desde primeros de mes estoy en casa de mi madre, lejos de esa desagradable señora, y me encuentro bastante bien. En esa casa he terminado el autorretrato que me deja completamente indiferente”.

Umberto Boccioni, Autorretrato (1908; óleo sobre lienzo, 70 x 100 cm; Milán, Pinacoteca di Brera)

14. William Ratcliffe, La habitación del artista en Letchworth
(c. 1932; óleo sobre papel, 457 x 552 mm; Londres, Tate Gallery)
Uno de los más grandes artistas ingleses de principios del siglo XX, William Ratcliffe (Clenchwarton, 1870 - Hampstead, 1955) pintó hacia 1932 este interior de la casa de su amigo Stanley Parker, donde se alojó durante algún tiempo. La obra nos da una idea de un hogar burgués en la Inglaterra de la época: la casa estaba situada en Letchworth, una ciudad fundada en 1903 en forma de ciudad jardín. La amenidad de la casa también queda sugerida por el colorido de los interiores.

William Ratcliffe, The Artist’s Room at Letchworth (c. 1932; óleo sobre papel, 457 x 552 mm; Londres, Tate Gallery).

15. Giorgio De Chirico, Autorretrato en el estudio
(1934; óleo sobre lienzo; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)
La pasión de Giorgio De Chirico (Volos, 1888 - Roma, 1978) por la Antigüedad queda patente en este Autorretrato en el estudio a partir del busto que el pintor representa descansando en el suelo cerca de su caballete. Es un cuadro casi solemne, con el artista seguro de sí mismo posando mientras dirige su mirada al observador, en un interior desnudo pero ordenado, mientras acaba de empezar a trazar los contornos de la figura sobre el lienzo. Los autorretratos de De Chirico son numerosos: una forma de afirmar su propia imagen.

Giorgio De Chirico, Autorretrato en el estudio (1934; óleo sobre lienzo; Roma, Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea)

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