Arte portugués en el Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa entre influencias flamencas e italianas

Entre los grandes museos europeos, el Museu Nacional de Arte Antiga de Lisboa desempeña el papel de Cenicienta: poco conocido, no es ciertamente uno de los destinos más frecuentados por los turistas internacionales de paso por la capital portuguesa. Sin embargo, en su interior alberga maravillosas obras maestras y ofrece innumerables razones para visitarlo. Se creó en 1884 para reunir los numerosos tesoros artísticos de las cofradías religiosas suprimidas en 1834. Decisivo para la apertura del museo fue el éxito de la exposición retrospectiva de arte portugués y arte ornamental español celebrada en 1881 en el Museo South Kensington de Londres, actual Victoria & Albert Museum.

El museo se ubicó en una residencia aristocrática, construida a finales del siglo XVII, llamada Palacio de Alvor Pombal, que debe su nombre a su primer propietario, el Conde de Alvor y hermano del Marqués de Pombal (artífice de la reconstrucción de Lisboa tras el terrible terremoto de 1774), que lo compró en 1759. El Palacio que se encuentra a orillas del río Tajo fue ampliado con la adquisición también del perímetro del Convento das Albertas, donde entretanto se había extinguido la orden de las Carmelitas Descalzas que lo habitaban.

En su interior es posible admirar todo el desarrollo del arte portugués, lo que desgraciadamente no es tan fácil de hacer en las iglesias de Lisboa, empobrecidas de gran parte de los testimonios más antiguos tras el destructor terremoto de 1774. Pero el MNAA también alberga notables obras maestras del arte europeo, encargadas por cofradías religiosas o pertenecientes a colecciones nobiliarias y reales.

No es de extrañar que, en una nación profundamente católica como Portugal, la mayoría de las obras más valiosas estuvieran durante mucho tiempo vinculadas a encargos religiosos. Por otra parte, los artistas portugueses pudieron disfrutar de una mayor libertad compositiva y decorativa en las artes aplicadas, donde las influencias barrocas y neoclásicas europeas se combinan con un colorido vivo, totalmente portugués, que puede admirarse aquí.

Interior del museo

Interior del museo

El jardín del museo con vistas al río Tajo

El jardín del Museo con vistas al río Tajo

Sala con tapices y robbiane

Sala Antenor Patiño

Sala del Barroco Portugués

El gran museo se distribuye en tres plantas, divididas en 70 salas de exposición. La planta baja y las entreplantas están dedicadas a exposiciones temporales, así como a salas funcionales como el auditorio, la biblioteca y el gabinete de dibujos y grabados, que también se utiliza para exponer obras de forma rotatoria. Subiendo a la primera planta, uno se encuentra con algunas de las obras maestras más importantes que alberga el museo. Aquí las pinturas y esculturas se agrupan por orden cronológico o, a veces, por escuelas, mientras que en otras salas parece predominar el criterio estético.

Este es el caso de la gran sala con el tapiz que celebra el descubrimiento de las Indias por los portugueses capitaneados por el capitán Vasco da Gama en 1498, episodio celebrado propagandísticamente en numerosos tapices de la época encargados por el rey Manuel I. El extraordinario tapiz representa vívidamente las numerosas curiosidades cargadas en los barcos llegados de aquella tierra misteriosa y lejana, incluido un legendario unicornio entre los diversos animales. En la misma sala, hay hermosas pinturas de Della Robbia y una escultura policromada de un San Leonardo de Andrea delle Robbia, así como un finísimo bajorrelieve de Sansovino. Varias salas están dominadas por majestuosos trípticos o retablos, que tuvieron no poca fortuna en la península Ibérica, en particular los de maestros flamencos.

Los colores preciosos y deslumbrantes realzan las dolorosas escenas religiosas, donde el dolor se representa con gran patetismo y cuidado, como en el tríptico de la Deposición de la Cruz de Pieter Coecke van Aelst, en el que un Cristo sin vida y demacrado es bajado con dificultad de la cruz. También es extremadamente refinado y brillante el Tríptico de Nuestra Señora de la Misericordia de Jan Provoost.

De estas maravillosas máquinas devocionales, la más famosa es el inquietante tríptico de Jerónimo Bosch con las Tentaciones de San Antonio. Las tres escenas están pobladas por un universo rebosante de monstruos, demonios y otros terrores entre los que el santo hace malabarismos. En el panel de la izquierda, vemos al santo a merced de los demonios que lo mantienen como rehén en su huida y, tras su caída, es sostenido por unos hombres mientras cruza un puente, también refugio del mal. En el panel de la derecha y en el central, San Antonio se libra de estas criaturas corruptas primero en meditación y luego en oración.

Hieronymus Bosch, Tríptico de las Tentaciones de San Antonio (c. 1501; óleo sobre tabla, 131 x 238 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Anónimo flamenco, Virgen con el Niño y loro (1510-1520 aprox.; óleo sobre tabla; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Lucas Cranach el Viejo, Salomé con la cabeza de San Juan Bautista (c. 1510; óleo sobre tabla, 61 x 49,5 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Alberto Durero, San Jerónimo en su estudio (1521; óleo sobre tabla, 60 x 48 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Piero della Francesca, San Agustín (1465; temple sobre tabla, 133 x 60 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Entre las demás obras extraordinarias procedentes del norte de Europa, cabe mencionar las de Quentin Metsys, brillante progenitor de la Escuela de Amberes, pintor activo en las tres primeras décadas del siglo XVI, muy solicitado por los numerosos mecenas portugueses que tenían importantes intereses comerciales en el puerto belga. Él y su taller recibieron el encargo de pintar el Políptico de los Siete Dolores de María para el Convento de la Madre de Dios de Lisboa, desmembrado en tiempos más recientes y conservado en gran parte en el museo portugués. Metsys combina el virtuosismo pictórico flamenco típico de las representaciones matéricas y las superficies brillantes con una representación más monumental de la figura humana, probablemente derivada del arte italiano. En el extraordinario panel central, una imponente Virgen doliente, inmersa en un vívido paisaje analizado con mirada geológica, recuerda de cerca al contemporáneo Leonardo da Vinci. Otras obras son una hermosa Virgen de Hans Memling y un enorme San Lucas de Hugo van der Goes, así como una exquisita Virgen con el Niño de un artista anónimo, en la que el niño juguetea con un loro de Macao, típico de Sudamérica, lo que demuestra que el arte fue inmediatamente receptivo a las novedades del nuevo continente.

Los artistas alemanes también están representados: en el San Jerónimo de Alberto Durero, el doctor de la iglesia está comprimido en una composición maciza y sintética, que realza la esencialidad de la escena, en la que el santo se dirige al espectador, mientras una diagonal subraya la relación entre el crucifijo que cuelga detrás de él y la calavera, símbolo de la meditación sobre la fugacidad de la existencia. La obra fue creada por el alemán durante uno de sus viajes a los Países Bajos, realizó algunos dibujos y variaciones de la misma y utilizó como modelo a un anciano de noventa y tres años. El artista ofreció el cuadro a un legado de la estación comercial portuguesa de Amberes, que llevó la obra a Portugal unas décadas más tarde, tras lo cual pasó a manos de nobles propietarios antes de llegar al museo de Lisboa.

También es famosa la pintura de Salomé con la cabeza del Bautista, de Lucas Cranach, quien unos años más tarde reprodujo el tema con una representación muy diferente en una obra que se conserva en Budapest. La obra portuguesa de 1510 marca el inicio de la pintura del universo femenino del alemán, donde las mujeres se convierten en emblemas de poder y astucia (seguirían escenas con Judith, Dalila, Lucrecia) en las que el contraste entre la sensualidad erótica y la gélida malicia femenina dominan los temas retratados.

Los artistas italianos también están bien representados: el San Agustín de Piero della Francesca, parte de un políptico creado por el maestro toscano para la iglesia de Santa Chiara en San Sepolcro, su ciudad natal, vale por sí solo el (escaso) precio de la entrada. El santo está concebido como una sólida estatua de mármol colocada en su nicho, y en su magistral claridad formal está amenizado por escenas con santos y episodios de la vida de Jesús, que el pintor ha historiado sobre la casulla y la mitra que llevaba el Doctor de la Iglesia con increíble habilidad de perspectiva.

Valerio Castello, Cristo y la Adúltera (c. 1650; óleo sobre lienzo; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Alessandro Allori, Descanso durante la huida a Egipto (1602; óleo sobre lienzo, 148 x 114 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Los Apóstoles de Francisco de Zurbarán y taller (1633)

Gustave Courbet, Paisaje de invierno (1868; óleo sobre lienzo, 68 x 96 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

A continuación, un panel de predela pintado por Rafael, cuadros de Pontormo, Bronzino, Alessandro Magnasco, Luca Giordano y muchos otros. También hay un núcleo conspicuo de obras de artistas caravaggescos, que se adaptaban bien a la pasión religiosa del clero y la aristocracia portugueses, como José Ribera, Mattia Preti y el extraordinario ciclo de apóstoles pintado por Francisco de Zurbarán a instancias del rey Felipe IV de Portugal para el monasterio de São Vicente de Fora de Lisboa. Una pintura dogmática hija de la Contrarreforma, donde la plasticidad de las figuras se realza gracias a los prodigiosos valores pictóricos de la luz.

A continuación, una planta entera está dedicada a los preciosos objetos que los marineros y mercaderes portugueses trajeron de las numerosas rutas comerciales y de los lejanos reinos, a menudo saqueados, a los que había llegado el gran poder naval de Portugal: porcelanas chinas que se influenciaban con las mayólicas portuguesas, marfiles, muebles, alfombras de las colonias de Oriente y África.

El Museo de Lisboa alberga también la más rica colección de arte portugués del mundo, desde enormes esculturas románicas policromadas, pasando por tallas góticas en madera, hasta obras que atestiguan la larga influencia del arte flamenco en el arte portugués, cuya brillantez de color y realismo apreciaban. Las estrechas relaciones comerciales entre los Países Bajos y Portugal también influyeron en los intercambios artísticos: muchos artistas portugueses hicieron su aprendizaje en Flandes y maestros flamencos se trasladaron a Portugal. En este último caso se encuentran pintores como Frei Carlos y Francisco Henriques, que se instalaron en Portugal.

La pieza central de la colección portuguesa son las seis gigantescas tablas del políptico de São Vicente de Fora, atribuidas al artista del siglo XV Nuno Gonçalves. De gran importancia simbólica para la cultura portuguesa es un magistral retrato colectivo de estilo flamenco, en el que aparecen cincuenta y ocho figuras que representan a la Corte y a los distintos estamentos de la sociedad portuguesa.

Este solemne conjunto es un increíble testimonio de las costumbres de la época, “paneles que marcan línea a línea la humanidad portuguesa”, escribió el Premio Nobel de Literatura José Saramago en su famoso libro Viaje a Portugal.

Nuno Gonçalves, Políptico de San Vicente (c. 1470; seis paneles de 207,2 x 64,2, 207 x 60, 206,4 x 128, 206,6 x 60,4 y 206,5 x 63,1 cm.

El Políptico de San Vicente en restauración

Anónimo portugués, Infierno (1510-1520; óleo sobre tabla, 119 x 217,5 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Algunos cuadros de Frey Carlos

Frey Carlos, Tríptico del Calvario (1520-1530; óleo sobre tabla; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Gregório Lopes, Retablo con santos, c. 1540-45; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Gregório Lopes, Martirio de San Sebastián (1536-1539; óleo sobre tabla, 119 x 244 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

Domingos Sequeira, Adoración de los Magos (1828; óleo sobre lienzo, 100 x 140 cm; Lisboa, Museu nacional de arte antiga)

También es muy interesante la personalísima pintura de uno de los mayores protagonistas del Renacimiento portugués, Grão Vasco (o Vasco Fernandes), con un diseño más marcado, más afín al arte italiano que al flamenco. Poco a poco la pintura portuguesa se fue desligando de la flamenca, y la cesura se hizo patente con la Contrarreforma, cuando los artistas portugueses miraron a España e indirectamente a Italia. La época barroca también es deudora del arte italiano, pero renuncia al tratamiento naturalista y a ciertos efectos dramáticos en nombre de los colores preciosistas y de la exuberancia decorativa. El pintor neoclásico portugués más importante, Domingo António de Sequeira, también se formó en Roma.

La visita al museo se enriquece con la capilla de San Alberto que perteneció al convento, una joya de color entre los estucos y las maderas doradas y los azules resplandecientes de los azulejos; la Sala Patiño, que lleva el nombre del diplomático boliviano que la donóuna habitación de estilo rococó, originalmente hecha para la archiduquesa de Austria, María Antonieta; y el hermoso jardín elevado, con vistas al río Tajo y al puerto de Lisboa, con un restaurante contiguo, cafetería y zona de estudio.

El espléndido museo, además de una asombrosa colección de arte, es también un auténtico refugio del caos festivo de la capital portuguesa, y aunque no tenga la reputación de los grandes museos europeos, conserva lo suficiente para saciar los apetitos de la capital y proporcionar más de una aventura, como afirmaba Saramago.

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