Arcadia en pintura. Fábula pastoral de Donato Creti en la Pinacoteca de Bolonia

Renato Roli escribió en su monografía sobre Donato Creti, publicada en 1967, que la Escena arcádica del pintor emiliano, hoy conservada en la Pinacoteca Nazionale de Bolonia, valía más que cualquiera de sus otras obras para ganarse el “halagador apelativo de ’Watteau boloñés’”. Con la diferencia fundamental, cabría añadir, de que el muy comedido Creti conseguía sin embargo ser menos remilgado e incluso menos convencional que el ilustre pintor francés con el que a menudo se le comparaba. Quizá no sería atrevido considerar a Creti, el alumno más famoso de aquel Lorenzo Pasinelli, que a su vez había estudiado con Simone Cantarini, el más tempestuoso e inquieto de los alumnos de Guido Reni, una especie de Guido Reni redivivivus, que supo actualizar el clasicismo del gran maestro adaptándolo al gusto y a las novedades de la pintura de principios del siglo XVIII. Un arte cristalino, el de Donato Creti, basado en un dibujo muy preciso, capaz de abordar temas à la page para satisfacer las necesidades de su clientela, pero también dotado de una sagaz lucidez, capaz de satisfacer, como escribió Luisa Vertova, “el favor de ilustrados y neoclásicos, así como el gusto actual, acostumbrado a las formas geométricas y a los matices minerales”.

Aquí, pues, la Escena arcádica se convierte en un refinado resumen de lo mejor de la pintura de Donato Creti. En un paisaje de invención, un paisaje verde y exuberante, asistimos a la fábula pastoril inventada por el pintor boloñés: Estamos en Arcadia, la antigua región del Peloponeso que los antiguos mitos habían elegido como tierra de vida dulce, serena y despreocupada, tierra de escaramuzas amorosas entre ninfas y pastores, tierra de bosques infinitos, lagos y ríos cristalinos, frutos abundantes, donde el tiempo fluye felizmente entre juegos, amor, fiestas e idilios campestres. A finales del siglo XVII, a alguien se le ocurrió revivir aquel mito, y en Roma un grupo de una docena de hombres de letras, encabezados por Gian Vincenzo Gravina y Giovan Mario Crescimbeni, fundaron en 1690 la Accademia dell’Arcadia: una sodalidad literaria que se reunía en nombre de Cristina de Suecia y cuyos miembros (que se autodenominaban, con razón, “pastores”) publicaban rimas movidos por el deseo de reaccionar ante la complejidad, los artificios y los excesos de la literatura barroca, mediante una poesía fundada en un rigor clásico y racional, y dedicada sobre todo a temas bucólicos que volvían la mirada al lirismo antiguo. Pronto la moda se desplazó de la literatura a las artes plásticas, y la Scena d’Arcadia de Donato Creti ofrece una traducción icástica por la imagen de los ideales de los arcadios.

La Arcadia de Creti, como hemos dicho, corresponde exactamente a esa tierra cálida añorada por los literatos de principios del siglo XVIII: un paisaje idílico a orillas del mar donde, bajo el follaje de unos robles, asistimos a las peripecias del nutrido grupo de personajes que el pintor sitúa en primer plano y en la lejanía. A la izquierda, dos mujeres vestidas a la antigua están sentadas sobre una roca y se afanan en pasarse una rosa: la hermosa flor es el centro de la narración. La encontramos en el centro de la escena: es un símbolo de amor y, por tanto, debemos imaginar que éste es el tema que Creti pretendía abordar con su cuadro. Una tercera mujer sentada bajo el árbol que se eleva a lo largo del eje vertical de la composición sostiene unas flores en su regazo mientras observa a una cuarta compañera, empeñada en arrancar una ramita al putto viscoso que extiende sus manos hacia ella. A su lado, a contraluz, un pastor que ha depositado su flauta en el suelo conversa con su perro, mientras que más atrás vemos juegos entre dos ninfas frente a otro putto y, a la derecha, una pareja de amantes atrapados en un diálogo entre los árboles. Detrás, picos montañosos silueteados contra un cielo azul, animado por nubes blancas y otras más oscuras que se acumulan por encima, entre el follaje de los árboles.

La obra de Creti da cuerpo a imágenes que eran frecuentes en las rimas de los poetas arcádicos. A modo de ejemplo, podemos tomar algunos versos que encontramos en una colección, publicada en Bolonia en 1718, del poeta ferrarés Giuseppe Antonio Fiorentini Vaccari Gioia, que como muchos de sus colegas ejercía otra profesión (era médico), pero en sus ratos libres se dedicaba a la poesía: fallecido en 1717, era muy apreciado en el ambiente, y algunas de sus composiciones fueron incluidas por el propio Crescimbeni en las antologías de la Accademia dell’Arcadia. Creti no era ajeno al ambiente: hay que recordar que conoció personalmente al astrónomo Eustachio Manfredi, también poeta arcadio por placer, que colaboró con Creti cuando el pintor pintó sus famosas Observaciones astronómicas , hoy en la Pinacoteca Vaticana. Volviendo a Gioia, en uno de sus poemas encontramos el tópico de las mujeres que, en el bosque, recogen rosas y violetas: la rosa es la “regina de i fior vezzosa”, la más bella de la gran variedad de flores, que se entrelazan en guirnaldas con violetas y laurel bajo la bendición del “santo amor”. Renato Roli avanzó la idea de interpretar la escena como una alegoría del verano, por la presencia de los bañistas al fondo y el abanico que sostiene la joven con turbante a la izquierda, aunque faltan elementos típicamente asociados a la estación (las espigas de trigo, por ejemplo).

Cualquiera que sea el significado del cuadro de Donato Creti, desde un punto de vista puramente artístico es uno de los productos más felices del arte boloñés del siglo XVIII, enraizado en los precedentes de Guido Reni, Francesco Albani (por la atmósfera, el entorno boscoso) y Domenichino (la muchacha con turbante antes mencionada se parece mucho a las Sibilas de Domenico Zampieri). Y las figuras se repiten tanto en otros cuadros de Donato Creti (la mujer sentada a la derecha es idéntica a la Sibila cumana conservada en el Museo de Bellas Artes de Boston), como en las obras de los maestros que le precedieron: la mujer que aparta la ramita del niño no puede dejar de recordar, con el ondear de los velos, a la Fortuna de Guido Reni. Lo que ha cambiado en Creti es, si acaso, el sabor de la atmósfera, la pátina conferida al cuadro: Roli, por su parte, no podía dejar de notar “el sabor purista, neorrenacentista, de la actitud de Creti, que en este lienzo alcanza momentos de particular intensidad, tanto en el modelado de las figuras, más redondeadas y llenas, como en la gama brillante y casi acre de los tonos locales”: la belleza clásica de este cuadro invade tanto el paisaje como las gráciles formas de ébano de las mujeres del primer plano, que para el erudito casi presentan a “Ingres y su sueño de completa perfección formal”.

Poco sabemos de la historia temprana de la Escena arcádica . Podemos estar seguros de que el cuadro tenía originalmente otro formato, y que fue recortado para convertirlo en oval: lo deducimos del hecho de que el grupo del pastor y el perro está recortado de un modo que no puede atribuirse a la voluntad del artista. Tal corte no podía ser compatible con su gusto. Y cabe la hipótesis de que formara parte de la colección Zambeccari, la suntuosa pinacoteca de la noble familia boloñesa que pasó a formar parte de la Pinacoteca Nacional a finales del siglo XIX, con un acto que seguía los deseos del marqués Giacomo, quien en 1788 había ordenado que su colección se destinara al público. En cualquier caso, incluso en la incertidumbre sobre el significado global del cuadro y su historia, una cosa es cierta: este cuadro, para quienes lo encargaron, era la forma de un sueño, el sueño de una tierra feliz, tan diferente y tan alejada del mundo cotidiano del que probablemente los arqueólogos también buscaban escapar, encontrando un refugio acogedor en los mitos antiguos.

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