1 de mayo, hay trabajo y trabajo: la artesanía en el arte desde los egipcios hasta el siglo XX

El 1 de mayo ha sido testigo de muchos acontecimientos importantes y revolucionarios. Conocido como Día de los Trabajadores o Día del Trabajo, conmemora la lucha de los trabajadores por mejores condiciones laborales, derechos sindicales y una distribución más justa de la riqueza. Sus orígenes se remontan al movimiento por la reducción de la jornada laboral, con la reivindicación de la jornada de ocho horas. Uno de los momentos cruciales que ayudaron a consolidar la celebración del 1 de mayo fue la masacre de Haymarket, en Chicago, en 1886. Durante una manifestación pacífica a favor de la jornada de ocho horas, estallaron enfrentamientos entre la policía y los manifestantes, que se saldaron con la explosión de una bomba y la muerte de varios policías y manifestantes(en este artículo la historia en detalle). El suceso atrajo la atención internacional hacia la causa obrera y contribuyó a promover la lucha por los derechos de los trabajadores en todo el mundo. Sin embargo, a pesar de los avances logrados a lo largo de los años, siguen existiendo muchos retos para los trabajadores de todo el mundo. La inseguridad económica, la precariedad laboral y la falta de protección social son sólo algunas de las cuestiones que siguen estando en el centro del debate sobre el futuro del trabajo. Además, con la llegada de la globalización y las nuevas tecnologías, están surgiendo nuevos retos y oportunidades para los trabajadores. La creciente automatización y digitalización del trabajo plantea interrogantes sobre la pérdida de puestos de trabajo, pero también sobre la necesidad de nuevas políticas y estrategias que garanticen una evolución justa e integradora hacia una economía digital.

Con motivo del 1 de mayo, he aquí una colección de diez obras de arte que exploran el tema de los oficios y el trabajo, desde el antiguo Egipto hasta el siglo XX. La selección ofrece una mirada a las diferentes facetas del mundo del trabajo a través de los siglos, destacando tanto la importancia práctica como el significado simbólico que el trabajo ha tenido en la historia del arte.

1. Arte egipcio, artesanos, de la tumba de Nebamun e Ipuky (copia de Norman de Garis Davies)

En estos frescos de tumbas del siglo XIV a.C. enel Antiguo Egipto, los artesanos colaboran estrechamente, creando cerámicas ornamentales, esculturas, jeroglíficos y joyas para adornar las tumbas de faraones y dignatarios. El acto compartido de crear arte queda inmortalizado en el entorno que acoge los frutos de su trabajo, a pesar de que sus mecenas de clase alta no veían a los artesanos con el respeto que se merecían. Los artesanos del antiguo Egipto fueron los precursores de la huelga en la historia del trabajo, hecho atestiguado en una necrópolis real cercana a su asentamiento de Deir el-Medina. Aunque no existen representaciones visuales de la huelga, un documento en papiro, probablemente escrito por el escriba Amennakht, recoge las palabras de los artesanos: “La amenaza del hambre y la sed nos llevó a esto”.

2. Arte italiota, artista trabajando

Las representaciones de artistas trabajando son raras en las obras de arte antiguas, pero la cerámica ofrece una visión de un oficio a menudo descuidado. La crátera columnar de Apulia de alrededor del año 350 a.C., conservada en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, forma parte de la cerámica ital iota de figuras rojas y está hecha de arcilla purificada modelada en torno de alfarero. En la escena principal del vaso observamos, en el interior de un templo (lo sabemos por la columna y el phiale, un vaso ritual que los antiguos griegos colgaban en los templos), a un escultor trabajando en una escultura colocada sobre un alto plinto que representa a un héroe vestido con una piel de león (vemos al artista ajustando los detalles de la melena, ayudado por uno de sus ayudantes), con algunas divinidades observando desde arriba. Así, Zeus, el rey de los dioses, y Nike, la diosa de la victoria, reconocible por sus grandes alas. En la parte inferior derecha, el propio Heracles, joven e imberbe, aparece detrás del artista (lo reconocemos por su garrote). El semidiós se detiene y contempla atónito la creación de la estatua, ya que la efigie... es él mismo: la escultura, armada con garrote, arco y piel de león, es de hecho identificable como una estatua de Heracles.

3. Pompeya, los 36 graffiti del Lupanare

El Lupanare, descubierto en Pompeya en 1862, se presenta como un edificio compuesto por tres entradas y dos pisos distintos. El piso inferior albergaba cinco pequeñas celdas con camas de mampostería y una letrina, mientras que el piso superior contenía habitaciones adicionales accesibles a través de una escalera que daba al callejón. Las habitaciones estaban divididas por cortinas y adornadas con pinturas eróticas. Los 36 graffiti encontrados en las paredes del piso inferior atestiguan el uso del edificio como lugar de prostitución: las mujeres que trabajaban en este burdel eran predominantemente esclavas de origen griego y oriental, y el precio de sus servicios, según los hallazgos de los estudiosos del Parque Arqueológico de Pompeya, oscilaba entre dos y ocho ases (en tiempos de Augusto, es decir, unas décadas antes de que Pompeya fuera destruida, dos ases permitían comprar un litro de vino o un kilo de pan, mientras que una túnica podía costar doce sestercios, o cuarenta y ocho ases). El término “Lupanare” deriva de “lupa”, la palabra latina para prostituta. Los grafitis eróticos de las paredes representan a las prostitutas de la época. Su situación social y jurídica estaba marcada por una marginación generalizada.

4. La Biblia de Maciejowski, la Torre de Babel

La Biblia de Maciejowski, un manuscrito medieval iluminado, consta de 46 folios y fue hábilmente decorada por artistas franceses del norte de Europa hacia 1250. La tercera hoja del texto representa la historia del pueblo de Babel, empeñado en construir una ciudad colosal y una torre que desafía los cielos. El Señor, indignado por su desmesurado orgullo, confunde la lengua del pueblo, interrumpiendo así sus ambiciosos planes. La discordia se extiende, el trabajo se detiene y los constructores se dispersan por los cuatro puntos cardinales. En esta miniatura vemos un ejemplo de cómo se construía en la Edad Media. Podemos ver ingeniosos sistemas de elevación, como poleas, maniobrados por hombres dentro de ruedas de madera. A los pies de la torre, los obreros se afanan en preparar los bloques de piedra, transportados en una especie de litera provista de correas para repartir el peso. Un albañil, de pie sobre una escalera, lleva un recipiente de cal a la espalda, mientras que otro emplea un martillo más pequeño para colocar las piedras con precisión. Esta representación ofrece una visión de las técnicas y herramientas utilizadas en la construcción de obras arquitectónicas monumentales. Tras la caída del Imperio Romano de Occidente en el siglo V d.C., la construcción sufrió un declive, que sólo resurgió a partir del siglo IX. El apogeo de este renacimiento se produjo entre los siglos XII y XVI, la edad de oro de los maestros albañiles. Muchos de ellos aprendieron el arte sobre el terreno: sin embargo, a partir del siglo XIII se generalizó la costumbre de tomar aprendices, formalizando así el proceso de formación. Mientras que los rudimentos del oficio se aprendían directamente en las canteras, las técnicas más refinadas se transmitían directamente en la obra, dando fe de la destreza del gremio.

5. Maestro de Parral, San Jerónimo en su estudio

Entre 1480 y 1490, el Maestro de Parral pintó una vívida imagen de la vida monástica en su obra que representa a San Jerónimo trabajando en su traducción de la Vulgata, rodeado de sus devotos discípulos, dentro del scriptorium de un monasterio. Los monjes, figuras que reflejan el concepto “ora et labora” de la orden benedictina, aparecen absortos en su trabajo, combinando la oración y el trabajo manual. La obra se conserva en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid. Los monasterios disponían de espacios dedicados a la valiosa actividad de transcribir manuscritos. En ellos, los monjes amanuenses se dedicaban a copiar textos sagrados y los clásicos de la antigüedad. Cada copista podía ser asignado a transcribir un manuscrito entero o partes de él, siguiendo los dictados del armarius o bibliotecario. En el arte de la copia existía una división del trabajo: los copistas dejaban espacios en blanco para iniciales, títulos e ilustraciones, que luego completaban los miniaturistas e iluminadores. Estos últimos enriquecían las miniaturas con pinceladas de oro, dándoles un brillo especial. En los cuadros que los representan, los copistas aparecen a menudo con herramientas como navajas, utilizadas para afilar las plumas o corregir errores en el pergamino. La preparación de las plumas, herramientas esenciales para la escritura, era un proceso minucioso. Primero se humedecían las plumas de ave, luego se endurecían bajo la arena caliente y después se afilaban cuidadosamente. Estos detalles ofrecen una vívida imagen de las prácticas y herramientas utilizadas en el arte de la escritura medieval y ponen de relieve la paciencia necesaria para crear los manuscritos de la época.

6. August Wilhelm Julius Ahlborn, Un vistazo a la Edad de Oro de Grecia

En 1836, August Wilhelm Julius Ahlborn (Hannover, 1796 - Roma, 1857) pintó Una vista de la Edad de Oro de Grecia, copiado en 1836 del original de 1825 de Karl Friedrich Schinkel. El cuadro representa un idílico paisaje urbano griego en el que unos héroes desnudos construyen un templo jónico con una doble hilera de columnas. La procesión en el friso del templo recuerda al Partenón, captando el momento en que se coloca con gran esfuerzo el último bloque de mármol. El diseño de las columnas se inspira en la Antigüedad, cuando los obreros se detienen para observar a los soldados que regresan de la guerra. Schinkel veía la construcción de un templo como la culminación de una sociedad ordenada y el símbolo de un orden mundial mejorado. Su diseño arquitectónico para una nueva Atenas en Berlín reflejaba esta visión. En sus planos para la sala de columnas del museo del Lustgarten, empleó el mismo estilo que este templo. El monumento central recuerda al León de combate de Albert Wolff y a laAmazona de August Kiß en las escaleras del Altes Museum. La versión original del cuadro de Schinkel se perdió, pero fue conservada por Wilhelm Ahlborn, quien realizó dos copias en 1826 y 1836. Hoy se expone en la Nationalgalerie, Staatliche Museen de Berlín.

7. Jean-François Millet, Las espigadoras

Tratando uno de los temas favoritos de Jean-François Millet (Gréville-Hague, 1814 - Barbizon, 1875), la vida campesina, el cuadro de 1857 expuesto en el museo de Orsay de París es la culminación de una década de investigación sobre el tema de las Espigadoras. Estas mujeres representan a la clase trabajadora rural, y se las podía encontrar mientras recorrían rápidamente los campos al atardecer para recoger, una a una, las espigas dejadas por los segadores. El pintor las representa en primer plano: son tres figuras que ilustran las tres fases de la dura y repetitiva tarea: agacharse, recoger las espigas y volver a levantarse. Su sencillez contrasta con la abundante cosecha del fondo: pajares, gavillas de trigo, un carro y una multitud de laboriosos segadores. La luz del sol poniente acentúa los volúmenes del primer plano, dando a los espigadores un aspecto escultural y resaltando detalles como sus manos, cuellos, hombros y espaldas, así como los vivos colores de sus ropas. El solitario hombre a caballo de la derecha es probablemente el encargado de supervisar el trabajo de la finca y de hacer cumplir las normas a los espigadores. Su presencia subraya la distancia social y evoca a los terratenientes a los que representa. Sin recurrir a detalles pintorescos, Millet confiere a estos espigadores, sin duda pobres pero igualmente dignos, un valor emblemático, desprovisto de toda retórica.

8. Vincent van Gogh, Los comedores de patatas

Terminado en 1885 tras un largo proceso de bocetos preliminares, Los comedores de patatas de Vincent van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), expuesto en el Museo Van Gogh de Ámsterdam, es un óleo sobre lienzo que representa una modesta choza en la que cinco campesinos disfrutan de una comida comedida a base de patatas y café negro. El ambiente es sombrío, apenas iluminado por una pequeña lámpara de aceite que cuelga en medio de la habitación. A pesar de la escasa iluminación, los ojos del espectador se fijan en los detalles que fascinaban especialmente a Van Gogh en aquella época. Las manos estropeadas por el trabajo en el campo y los rostros marcados por la fatiga son claramente visibles, prueba directa de las largas horas pasadas bajo el sol abrasador. La sensación de miseria y desolación se ve acentuada por la paleta casi monocromática utilizada por Vincent, compuesta principalmente por tonos terrosos como el ocre, el marrón, el negro y el verde. Al igual que su maestro Jean-François Millet, Van Gogh aspiraba a ser un auténtico pintor campesino. Esto significaba pintar sus temas con profundo realismo, sin caer en el sentimentalismo. Van Gogh describía a aquellos campesinos como personas que llevaban “un modo de vida completamente distinto al nuestro, al de la gente civilizada”, por lo que el artista holandés se esforzaba por captar la esencia de aquellos rostros, “el color de una buena patata polvorienta, sin pelar en su estado natural”, transmitiendo la idea de que aquellos individuos habían “utilizado las mismas manos con las que ahora cogen la comida del plato para cavar la tierra y ganarse honradamente la comida”.

9. Giuseppe Pellizza da Volpedo, El cuarto estado

El lienzo pintado por Giuseppe P ellizza da Volpedo (Volpedo, 1868 - 1907) entre 1868 y 1902, expuesto ahora en la Galleria d’Arte Moderna de Milán tras haber permanecido largo tiempo en el Museo del Novecento, es el resultado de un proceso creativo de diez años. La dignidad de los trabajadores se manifiesta a través de poses y gestos elocuentes, que recuerdan modelos renacentistas como los de Rafael y Miguel Ángel. El Cuarto Estado tiene la intención explícita de documentar las reivindicaciones de la Italia de finales del siglo XIX, tomando su nombre del término utilizado durante la Revolución Francesa para referirse a las capas populares subordinadas, el “cuarto estado”, junto a la burguesía (el tercer estado), adoptado posteriormente para representar a la clase obrera durante la Revolución Industrial. Pellizza da Volpedo discutió las teorías políticas socialistas y el puntillismo italiano con su amigo Angelo Morbelli para crear este cuadro. Esta obra universal es fundamental en la historia del arte italiano y mundial, adquiriendo una importancia creciente con el paso del tiempo, gracias también a su difusión en la cultura de masas, simbolizando las reivindicaciones proletarias. El avance de la procesión está representado de forma no violenta, con el deseo de Pellizza de retratar a una masa de trabajadores que avanza lentamente hacia la victoria. Las figuras de los campesinos están dispuestas horizontalmente, recordando a la vez el clasicismo del friso y una manifestación callejera realista, directamente inspirada en obras maestras como La Última Cena de Leonardo.

10. Charles C. Ebbets, Almuerzo en un rascacielos

Lunchatop a Skyscraper es una fotografía icónica tomada en 1932 durante la construcción del 30 Rockefeller Plaza en el Rockefeller Center de Nueva York. Aunque se atribuye a Charles C. Ebbets, en realidad hay incertidumbre entre los historiadores sobre el verdadero fotógrafo, ya que otros como William Leftwich y Thomas Kelley estaban presentes ese día y también pueden haber tomado la fotografía. La foto capta a once trabajadores sentados en una viga de acero a cientos de metros por encima de la ciudad. Tomada el 20 de septiembre de 1932, fue publicada por el New York Herald Tribune en su suplemento fotográfico dominical del 2 de octubre de 1932. Una foto posterior, Resting on a Girder, los muestra tumbados sobre la viga en el piso 69 del 30 de Rockefeller Plaza. Se desconoce su identidad, pero probablemente eran inmigrantes europeos, empleados a menudo en la construcción en aquella época. Estas imágenes, durante la Gran Depresión, con millones de parados, transmitían una visión optimista de una Nueva York en expansión, que traía esperanzas de renacimiento al país.

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