Reportaje de Modenantiquaria 2025: nuestra selección de las obras más interesantes (con precios)

Modenantiquaria es una de las citas más importantes del panorama italiano e internacional de las antigüedades, y la edición de 2025, que se celebrará del 8 al 16 de febrero, no defraudará las expectativas de los aficionados y expertos del sector. La feria, que se celebra todos los años en Modena Fiere, ha contado este año con una asistencia de obras de arte y objetos de colección como siempre de gran valor. Para los amantes del arte y las antigüedades, Modenantiquaria representa una importante oportunidad para admirar y adquirir objetos que cuentan la historia de nuestra cultura, desde pintura a escultura, pasando por muebles de época y objetos de diseño. Pero no es sólo la belleza estética lo que capta la atención: la feria es también una ventana privilegiada para descubrir lo variado y fascinante que puede ser el mercado de antigüedades, que cada año ofrece obras de maestros desconocidos, pero también verdaderas rarezas que corren el riesgo de escapar a la memoria histórica si no se conservan con cuidado.

En esta edición, hemos seleccionado algunas de las obras más interesantes, con especial atención a aquellas que cuentan el alma y la historia de Emilia. El arte de Emilia, foco de Modenantiquaria, es de hecho un universo rico en tradiciones e influencias artísticas que van del Renacimiento al Barroco, pero también de las técnicas modernas al arte contemporáneo. Cada obra presentada en la feria tiene su propia historia y fascinación. La selección de Finestre sull’ Arte pretende destacar no sólo la importancia histórica de las obras, sino también la variedad y riqueza de las piezas. He aquí, pues, nuestra selección, siempre, como es nuestra tradición, con los precios de las obras.

1. Giovanni Antonio Bazzi, Virgen con el Niño y santos conocida como Pala Tacoli (hacia 1490; temple sobre lienzo, 224 x 138 cm). Precio: 800.000 euros. Presentado por: Cantore Antique Gallery

La obra probablemente más cara de la feria, presentada por Cantore Galleria Antiquaria, es una de las piezas más importantes de la Emilia del siglo XV aún en manos privadas: se trata del Retablo Tacoli (o Retablo Grossi) de Giovanni Antonio Bazzi (documentado en Bolonia, Parma y Reggio Emilia de 1487 a 1518), pintor emiliano con el mismo nombre que el más famoso pintor renacentista piamontés apodado “il Sodoma”. El cuadro procede del destruido Oratorio de la Concepción de la Santísima Virgen de Reggio Emilia: Se conoce como “Retablo Grossi” porque en su día fue propiedad de la familia del mismo nombre que lo adquirió en 1960, pero es más correcto llamarlo “Retablo Tacoli” ya que se cree que el encargado fue el noble de Reggio Emilia Ludovico Tacoli, que ostentaba el patronato de la iglesia de San Giacomo, también destruida, cercana al Oratorio de la Concepción. La obra es uno de los raros testimonios de este escurridizo pintor que revela claras deudas con la pintura de Ferrara de Ercole de’ Roberti y Francesco del Cossa. La obra fue atribuida definitivamente a Bazzi en 2014 por el estudioso Antonio Buitoni, que comparó el Retablo de Tacoli con dos frescos de San Giovanni Evangelista de Parma que llevan la firma del artista.

2. Ludovico Carracci, Susana y los viejos (óleo sobre cobre, 34 x 24 cm). Solicitud: 160.000 euros. Presentado por: Las Dos Torres

Se trata de una réplica a escala del gran lienzo de Ludovico Carracci (Bolonia, 1555 - 1619) actualmente en la colección de BPER Banca. Este último fue atribuido a Carracci por Carlo Volpe: según el erudito, es el cuadro que Carlo Cesare Malvasia, en su Felsina pittrice, declaró haber visto en 1678 “en Venecia, en la casa Vidman”. El cuadro, que representa la historia bíblica de Susana, estaba destinado desde el principio a la devoción privada, y se caracteriza por un fuerte dramatismo y sensualidad. La escena, que representa la insidia de los dos viejos hacia Susana en el jardín, está ejecutada con un realismo que subraya la sensualidad del cuerpo de la joven, objeto de la lujuria de los dos viejos, pero también contrasta con su vergüenza y su dolor. La posición de Susanna, con su desnudez expuesta y su gesto defensivo, acentúa el conflicto entre el deseo de los dos viejos y la resistencia de la muchacha. Sin embargo, la intención moralizante es evidente en la elección de acentuar el aspecto violento de la escena para subrayar la lección de virtud que transmite la historia de Susanna, un mensaje que también se refuerza con la presencia del ángel que llora. Además, la referencia a la pose de Miguel Ángel para Susana, similar a la de Eva en la Capilla Sixtina, muestra un claro préstamo estilístico de Miguel Ángel.

3. Carlo Bononi, El genio de las artes (1621-1622; óleo sobre lienzo, 120,5 x 101 cm). Petición: 150.000 euros. Presenta: Goldfinch Fine Arts

Entre las obras más importantes de la producción de Carlo Bononi (Ferrara, 1569 - 1632), El genio de las artes, también colocada en la portada de la gran exposición sobre el artista de Ferrara celebrada en 2018 en el Palazzo dei Diamanti, está representada con la imagen de un joven alado con la cabeza coronada de laurel que coloca otra corona de laurel sobre varios objetos, a saber, un instrumento de cuerda (probablemente una viola), un libro, la cabeza de un busto, una paleta, un laúd, un trombón, un libro de música, una escuadra y un compás. Todos los elementos que permiten identificar la figura como el Genio de las Artes que protege y exalta las artes mecánicas y liberales. Atribuido a Bononi ya en los años sesenta por Hermann Voss, muestra claras influencias caravaggescas y puede fecharse, por tanto, en un periodo posterior a la presunta estancia de Bononi en Roma. “Una obra maestra”, la ha descrito Giovanni Sassu, “digna de rivalizar en sensualidad con las otras derivaciones conocidas del prototipo de Caravaggio”, a saber, el Amor vincit omnia, actualmente en la Gemäldegalerie de Berlín.

4. Michelangelo Anselmi, Virgen con el Niño, Santa Catalina y Santa Clara (c. 1530; óleo sobre tabla, 39,8 x 35,7 cm). Precio: 150.000 euros. Presenta: Galería Carlo Orsi

Michelangelo Anselmi (Parma, 1492 - Lucca, 1554) fue uno de los artistas más refinados y distinguidos de la Parma de principios del siglo XVI. Su obra se caracteriza por una fusión de estilos, influida inicialmente por Correggio y la pintura romana, y enriquecida más tarde por su contacto con Parmigianino. En el periodo posterior a principios de la década de 1920, en el que el lenguaje pictórico de Anselmi se hizo más complejo, se encuentra la pequeña tabla traída a Modenantiquaria por Carlo Orsi, que atestigua su paso a una fase más madura y sofisticada de su arte, especialmente tras el regreso de Parmigianino a Emilia tras el saqueo de Roma. El cuadro en cuestión está documentado desde mediados del siglo XIX, cuando se supo que pertenecía a la colección de sir Francis Baring, primer barón de Northbrook, miembro de la célebre dinastía bancaria inglesa. En esta etapa, la pintura de Anselmi se caracteriza por una gracia y un refinamiento estilístico que lo sitúan entre los principales exponentes del Renacimiento emiliano, junto a Correggio y Parmigianino. Su arte refleja la elegancia y la delicadeza de las más altas tendencias artísticas de la época, al tiempo que mantiene una fuerte conexión con la tradición local y su evolución.

5. Giovanni Baglione, La Trinidad corona a la Virgen en presencia de ángeles, santos y figuras del limbo (óleo sobre lienzo, 95 x 135 cm). Petición: 120.000 euros. Presenta: Giusti Antichità

La galería Giusti Antichità de Formigine presenta en Modenantiquaria una interesante obra inédita de Giovanni Baglione. Se trata de un modelo al óleo que anticipa un fresco absidal, probablemente destinado a una iglesia importante. La escena, simétrica y solemne, representa a la Virgen coronada por Cristo, con el Padre Eterno bendiciendo el acto. Varias figuras pueblan la obra: aparecen, por ejemplo, Adán y Eva en primer plano, Noé levantando el arca, su mujer Naamán, en fin, varios personajes del Antiguo y del Nuevo Testamento, con la Virgen actuando de intermediaria entre los dos tiempos del mundo. Según el erudito Massimo Pulini, que ha estudiado el cuadro, “este despliegue de presencias será útil para encontrar el destino original de este modelo, que creo fue ejecutado, e inventado hábilmente, por Giovanni Baglione, importante artista romano, rival de Caravaggio (al menos en el famoso pleito que entabló contra Merisi en 1603) y biógrafo de muchos artistas que trabajaban como él en Roma a principios del siglo XVII”. En su opinión, “nos encontramos ante un generoso derroche de ideas que nos permite comprender la importancia del encargo y la obra contiene, admirablemente, veinte cuadros en un solo lienzo, sin duda fruto de numerosos dibujos y estudios individuales que permitieron al autor abordar la tarea con gran elegancia y profesionalidad”. En la lista de obras desaparecidas o destruidas junto con el edificio que las albergaba no se menciona este tema, pero sabemos que Baglione realizó retablos con un tema similar o con una historia con una Inmaculada Concepción como protagonista". La obra puede fecharse a finales de la década de 1720 y está relacionada con otras creaciones similares del artista, como las pinturas de los Museos Capitolinos, el palacio Sorbello de Perusa y Gravedona. El número de inventario visible en el lienzo sugiere una procedencia de una prestigiosa colección romana, tal vez Barberini o Colonna. La atribución ha sido confirmada por el estudioso del Baglione Michele Nicolaci.

6. Giuseppe Molteni, Retrato de una noble (1835-1840; óleo sobre lienzo, 234 x 172 cm). Petición: 100-150.000 euros. Presentado por: Fallavena

Este retrato, reconocido como obra de Giuseppe Molteni (uno de los más grandes retratistas del siglo XIX) por estudiosos como Fernando Mazzocca y Fabio Massaccesi, representa a una mujer elegantemente retratada en el salón de su casa. La luz, que se filtra por una ventana parcialmente oculta por una pesada cortina con reflejos dorados e irisados, la ilumina con un efecto teatral, casi como si estuviera en un escenario. La dama está cómodamente sentada en un sofá cubierto de brocado dorado, adornado con borlas verdes, mientras que con la mano izquierda, cubierta por un guante, se cepilla la barbilla y apoya el codo con naturalidad sobre una pequeña mesa ovalada de madera. Esta última, caracterizada por un tablero de mármol y un pie decorado al estilo Imperio con cariátides femeninas, festones y cabezas de león de latón, alberga también una lámpara y un jarrón de flores, entre las que destacan delicadas campanillas azules. Sobre él se ha dejado descuidadamente un lujoso manto de piel. Con el rostro ladeado y una expresión sonriente, la mujer dirige su mirada directamente al espectador, mostrándose perfectamente a gusto en la íntima elegancia de su residencia burguesa, refinada pero sin ostentación. La obra presentada por Fallavena tiene un sesgo monumental, pero ello no impide que Molteni se detenga en la meticulosa representación de materiales y objetos -desde muebles hasta tejidos y flores-, dando ejemplo de la destreza técnica perfeccionada durante años de estudio académico. Un detalle distintivo es el turbante que lleva la protagonista, un accesorio exótico que Molteni utiliza en muchas de sus obras, como en el Retrato de Eugenia Attendolo Bolognini Vimercati Sanseverino (Sant’Angelo Lodigiano, Castillo Attendolo Bolognini), la bíblica Rebeca (Milán, Museo Poldi Pezzoli) y la más evocadora Esclava en el harén (colección privada). La datación del cuadro puede situarse en torno a la década de 1830, lo que, según Fabio Massaccesi, se desprende de las comparaciones con obras como el Retrato de medio cuerpo de Maria Luigia (colección particular) y el Retrato de Rosina Poldi Pezzoli (Milán, colección Trivulzio).

7. Artista de la zona adriática, Losa con pequeños arcos y animales (finales del siglo XIII; piedra de Istria). Precio: unos 100.000 euros Presentado por: Santa Barbara Art Gallery

Recientemente reaparecida en el mercado, y por tanto aún por estudiar, es esta losa con arcos y animales, procedente de la zona del Adriático, realizada en piedra de Istria. La decoración de esta losa (probablemente colocada originalmente para decorar una pila bautismal o una transena en el interior de un edificio de culto) es, en efecto, compatible con las producciones de Dalmacia, Istria y el Alto Adriático en general en el siglo XIII. Debajo de las palmas, se enfrentan parejas de pavos reales, animales que aluden a la resurrección de Cristo y que se repiten con frecuencia en las decoraciones altomedievales: en efecto, era antigua la creencia de que la carne del pavo real era incorruptible. La representación de parejas enfrentadas mientras beben de una copa, la copa de la inmortalidad, es otro elemento común en este tipo de objetos.

8. Simone Cantarini, San Juan Bautista (óleo sobre lienzo, 70 x 52 cm). Solicitud: 95.000 euros. Presentado por: Altomani & Sons

El San Juan Bautista de Simone Cantarini (Pesaro, 1612 - Verona, 1648) presentado por Altomani & Sons ha sido objeto en el pasado de estudios por parte de Massimo Pulini, quien rastreó la obra hasta la actividad del pintor de Pesaro. El cuadro también se expuso en una muestra en Rímini en 2013 (la obra también se reprodujo en la portada del catálogo). El Joven Bautista fue un tema muy frecuentado por Simone Cantarini: también se conserva un dibujo preparatorio a lápiz de la obra en la Gallerie dell’Accademia de Venecia. El cuadro se atribuyó en su día al toscano Ottavio Vannini: “La claridad de las superficies y la textura epidérmica de San Juan Bautista se prestan, en efecto, a confundirse con el naturalismo atemperado del pintor toscano”, escribió Pulini, “pero ese sereno clasicismo que encierra tiene un aire boloñés y dialoga más estrechamente con la cuadratura formal de las obras de Michele Desubleo. Cuando se escucha del natural, la obra entona una de las voces más límpidas utilizadas por Cantarini, pulida y cortés, casi de tenor, pero si no bastara la elocuencia del rostro pictórico superpuesto al gráfico, búsquese el eco insistente, entre las imágenes de Simone, de la pose del Bautista. Son muchos los casos en los que el artista utiliza el mismo brazo, la misma mano que sujeta el pulgar en la articulación del dedo índice”.

9. Bastiano da Sangallo conocido como Aristotile, Sagrada Familia con San Juan (óleo sobre tabla, 70 x 101 cm). Solicitud: 34.000 euros. Presentado por: Ars Antiqua

Este cuadro, presentado por Ars Antiqua, es un regalo de Alessandro Delpriori a Bastiano da Sangallo, también conocido como Aristotile (Florencia, 1481 - 1551). Hasta esta nueva percepción, la obra se atribuía a un maestro florentino anónimo, llamado “Maestro de la Lamentación de Scandicci”, por su afinidad con obras como la Lamentación sobre Cristo muerto de la iglesia de San Bartolomeo de Scandicci. Bastiano da Sangallo, nieto de los célebres Giuliano y Antonio da Sangallo, es conocido por su polifacética carrera como arquitecto, escenógrafo y pintor. Fue alumno de Perugino y Miguel Ángel, y su carrera le llevó a Roma y después a Florencia, donde tuvo una gran repercusión en la escena teatral y arquitectónica, como su trabajo en la Rocca Paolina de Perugia y en las obras del palacio Pandolfini de Florencia. Su pintura, sin embargo, mostró una viva participación en las tendencias artísticas florentinas de la época, incluidas las influencias de Rafael y Andrea del Sarto. En el cuadro, que muestra a la Virgen con el Niño y a San Juan Bautista de niño, sigue siendo evidente la delicadeza de formas típica de finales del siglo XV, pero se enriquece con una relación más compleja entre las figuras y el espacio, influida por los primeros trabajos de Miguel Ángel y Rafael. El uso de la sombra en los rostros, que anuncia la Pasión, y la atención prestada al retrato, confieren a las figuras una profundidad emocional y una dimensión simbólica que son signos de la madurez estilística del artista.

10. Alfonso Lombardi, San Jerónimo penitente (1522-1525; terracota, 48 x 33 x 20 cm). Petición: 90.000 euros. Presenta: Ossimoro Galleria d’Arte

La bella terracota de Alfonso Lombardi (Ferrara, 1497 - Bolonia, 1537) presentada en el stand de Ossimoro es definida por el estudioso David Lucidi como un “testimonio inédito y precioso de un paréntesis de trabajo del célebre escultor emiliano en el territorio de Faenza entre 1520 y 1530”. La obra procede de la colección de la villa de los condes Morsiani en Bagnara di Romagna, una de las familias nobles más antiguas de la región. La escultura guarda un gran parecido con un San Jerónimo similar del castillo boloñés y presenta un corte regular en la base del vientre, una técnica típica utilizada en la estatuaria de arcilla para facilitar la cocción y el montaje. Esto sugiere que la obra formaba parte originalmente de una estatua de cuerpo entero, probablemente colocada en un nicho o insertada en un retablo. La escultura no fue concebida para una visión completa de cada lado, como demuestra la espalda hueca modelada en altorrelieve. La técnica de ejecución empleada, con el uso de un núcleo efímero y orificios para la cocción, es típica del Renacimiento y está descrita por Baldinucci. Algunas partes más delicadas, como el brazo izquierdo que hoy falta, pueden haber sido modeladas por separado y añadidas posteriormente. La obra muestra rasgos distintivos del estilo de Alfonso Lombardi, conocido por reutilizar modelos fisonómicos y anatómicos en varias obras. En efecto, el rostro de San Jerónimo presenta fuertes similitudes con otras figuras suyas, como el Apóstol del Tránsito de la Virgen y el San Rocco de Faenza. Esta práctica queda confirmada por el inventario del taller de Lombardi, que conservó varias cabezas de terracota a su muerte, probablemente prototipos destinados a ser replicados en diferentes composiciones.

11. Louis Dorigny, Dánae (óleo sobre lienzo, 151 x 236 cm). Solicitud: 40.000 euros. Presenta: Fondantico di Tiziana Sassoli

Louis Dorigny (París, 1654 - Verona, 1742), pintor francés activo entre los siglos XVII y XVIII, fue un gran protagonista de la decoración barroca, especialmente en la región del Véneto. Nacido en el seno de una familia de artistas, se formó en París en la Academia de Charles Le Brun antes de trasladarse a Roma en 1672, donde estudió los grandes ciclos barrocos, influido en particular por Giovan Battista Gaulli (Baciccio). Tras viajar entre Umbría y Romaña, se instaló en Venecia en 1677 y luego en Verona a partir de 1690, trabajando también en Padua, Vicenza, Treviso, Udine y Viena. Su estilo inicial estaba influido por la pintura oscura veneciana, pero pronto se orientó hacia un clasicismo elegante, evidente en sus obras de Verona para la capilla del Collegio dei Notai (como la Anunciación de 1697). En los primeros años del siglo XVIII, su pintura se volvió más abstracta y decorativa, como demuestra La cosecha de maná en el desierto (1704), pintada para la iglesia de San Luca de Verona. La Dánae presentada por Fondantico, comparable a la Cosecha, muestra la influencia de Tiziano, Miguel Ángel y Tintoretto. Según Pietro Di Natale, que estudió esta obra, la Dánae estaba probablemente destinada a una pared de un gran salón, y constituye una importante adición al catálogo de Dorigny, reconocido como uno de los mejores decoradores barrocos y el pintor francés más influyente en la Venecia de la época.

12. Mario De Maria: La Luna batte sulle cancrene dei muri (1906; óleo sobre lienzo, 56 x 73,5 cm). Petición: 50.000 euros. Presenta: Fin de Siècle de Edoardo Battistini

Protagonista reciente de la exposición monográfica sobre Mario De Maria, alias “Marius Pictor” (Bolonia, 1852 - 1924), celebrada en el Museo Ottocento Bologna, La Luna batte sulle cancrene dei mur i es una de las mayores obras maestras de la producción de este singular artista enamorado de la luna, protagonista de muchas de sus composiciones más interesantes y reconocibles, y también enamorado de Venecia, donde se ambienta el lienzo (de hecho, la obra también se conoce como Serenata a Venezia). La obra está firmada y fechada “Venecia, 1906”.

13. Giacomo De Maria, Lamentación sobre Cristo muerto (década de 1890; terracota policromada, 65 x 100 x 55 cm). Precio: 38.000 euros. Presentado por: Antigüedades Iotti

Recientemente reaparecida en el mercado de antigüedades, esta Lamentación sobre Cristo muerto de Giacomo De Maria (Bolonia, 1762 - 1838), en excelente estado de conservación, singular escultura en terracota neoclásica, está compuesta en un solo bloque, formado por una plataforma de barro apoyada en una bandeja de madera, sobre la que se despliegan las seis figuras: Cristo muerto en el centro, José de Arimatea (o Nicodemo) que lo sostiene, la Virgen que llora a su hijo, María Magdalena, y dos quintos putti que sostienen dos instrumentos de la pasión, a saber, la esponja y la lanza. En la antigüedad, la obra pudo estar contenida en un escarabeo o vitrina y probablemente se encontraba en una residencia aristocrática, presumiblemente en una capilla doméstica o encima de un pequeño altar o nicho. Según Andrea Bacchi y Davide Lipari, que han estudiado la obra, esta Lamentación puede compararse con composiciones similares de las décadas de 1880 y 1890 halladas en el Santuario de la Santísima Virgen de San Luca de Bolonia y en la iglesia de San Bartolomeo de Bondanello, que Antonella Mampieri atribuyó al propio De Maria. La composición, escriben Bacchi y Lipari, está dominada por elementos como las “líneas perpendiculares, el control emocional de los personajes, el tratamiento anticuado de los peinados y las barbas”. Características todas ellas que “delatan la llegada del gusto neoclásico a Bolonia y atestiguan la experiencia formativa de De Maria en Roma entre septiembre de 1786 y agosto de 1787, gracias a la cual pudo entrar en contacto con la obra de Antonio Canova”.

14. Fabio Cipolla, Le modiste (1891; óleo sobre lienzo, 112 x 163 cm). Precio: 30.000 euros (vendido). Presentado por: Paolo Antonacci

El cuadro de Fabio Cipolla (Roma, 1852 - 1935) presentado por Paolo Antonacci (y ya vendido) es una obra típica de la producción de este artista de finales del siglo XIX que se especializó en la pintura de género, prefiriendo los temas cotidianos. La obra, fechada en 1891 y de la que recientemente ha aparecido un boceto firmado en el mercado de antigüedades romanas, representa a cinco mujeres jóvenes, retratadas en un ambiente interior, reunidas en torno a una mesa en un ambiente vivo y alegre. Las muchachas, sin duda sombrereras, se afanan en adornar sombreros de señora con plumas, lazos y flores, realizando su trabajo alegremente mientras conversan y sonríen en su taller. Con extraordinaria habilidad, el artista las ha representado en diferentes posturas: algunas sentadas, otras de pie, una vista de espaldas. En la parte derecha del cuadro se ven unas perchas altas en las que están dispuestos los sombreros terminados. La iluminación es sorprendente: la suave luz que se filtra por el ventanal de la derecha contrasta con el cálido resplandor de una lámpara que ilumina la escena principal. Las jóvenes, con el pelo recogido en la nuca, visten ropas típicas de la moda de finales del siglo XIX: largas faldas de tela oscura ceñidas a la cintura por cinturones y elegantes camisas de mangas anchas y cuellos altos.

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