Miart 2025, las 15 obras más representativas de la feria (con precios)

Del 4 al 6 de abril de 2025, Milán vuelve al centro de la escenadel arte contemporáneo con la 29ª edición de miart, la feria internacional que reúne a artistas, galeristas, coleccionistas y aficionados de todo el mundo. Celebrada en elAllianz MiCo, la cita se confirma como uno de los eventos más importantes del sector, con la participación de 179 galerías de 31 países y cinco continentes. La edición de este año se distingue por el tema Entre amigos, inspirado en el centenario del nacimiento de Robert Rauschenberg, famoso por su visión artística centrada en la colaboración y el diálogo entre distintas disciplinas y culturas.

La feria, dirigida de nuevo este año por Nicola Ricciardi, se divide en tres secciones principales: Established, dedicada a los grandes nombres del siglo XX y a los artistas contemporáneos consagrados; Emergent, que pone el foco en las galerías más jóvenes y en las voces emergentes del panorama internacional; y Portal, una sección experimental que explora proyectos innovadores capaces de trascender las fronteras geográficas y disciplinares.

Identificar las obras más representativas de miart no es tarea fácil, pero hemos seleccionado para usted 15 obras que podrá contemplar detenidamente y que, a nuestro juicio, encarnan el espíritu y las tendencias más interesantes de esta edición. Una ventana privilegiada a los rumbos del arte contemporáneo. Siguiendo la tradición de Ventanas al Arte, obras publicadas con precio.

1. Julian Schnabel, Perro blanco + Perro pequeño. Propuesta por: Enzo Sperone. Precio: 300.000 euros

Las dos obras de Julian Schnabel (Nueva York, 1951) que Enzo Sperone trae a miart (la otra es Sin título - Pintura china, expuesta junto a ésta) ocupan por sí solas toda una pared y se cuentan entre las más caras que se pueden encontrar en la feria (ambas cuestan 300.000 euros, a pesar de la diferencia de tamaño: Pintura china, de 2005, es en realidad una obra de tres metros y medio de altura). Forman parte de una serie, las “Pinturas de lona”, que el artista lleva realizando desde los años 70: es una de las principales líneas de investigación del gran director-pintor, que crea estas obras monumentales sobre lonas encontradas, que vuelven a la vida con marcas, manchas, pinturas, inserciones de otros objetos. El arte de Julian Schnabel es expresivo, matérico y monumental, y sus Pinturas sobre lonas son un claro ejemplo de ello. El artista estadounidense se distingue por el uso de materiales poco convencionales, como cerámica triturada,lonas industriales(tarp), terciopelos y superficies recicladas, que transforman el propio soporte en parte integrante de la obra. Schnabel es un artista que desafía las convenciones pictóricas, combinando elementos figurativos y abstractos en un estilo gestual e impulsivo, cercano al expresionismo abstracto y al neoexpresionismo. Sus obras transmiten a menudo una sensación de grandeza y decadencia, evocando emociones a través de materiales inusuales, pinceladas enérgicas y un uso audaz del color.

2. Max Ernst, La ville entière. Propuesta por: Umberto Verolino. Precio: 280.000 euros

Laciudad entera (La ville entière) es una obra de Max Ernst (Brühl, 1891 - París, 1976) perteneciente a una serie de 12 pinturas realizadas entre 1933 y 1937, caracterizada por un paisaje surrealista que refleja el creciente pesimismo del artista debido a la situación política de Alemania en esos años. La obra original elegida como modelo para un tapiz, el presentado en miart por Umberto Verolino, se conserva hoy en la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, uno de los museos de arte europeo y americano del siglo XX más importantes de Italia. El tapiz en cuestión fue tejido a mano por Yvette Cauquil-Prince (1928-2005), una reputada tejedora belga que fundó su taller en París en la década de 1950 y más tarde se trasladó a Córcega. Fue famosa por sus colaboraciones con importantes artistas del siglo XX, en particular con Marc Chagall, con quien realizó 40 tapices. El gran tapiz de Verolino también se expuso en la edición de 2018 de Arte Fiera en Bolonia.

3. Karel Appel, Flamme Riante. Ofrecido por: Matteo Lampertico Fine Art. Precio: 260.000 euros

Karel Appel (Ámsterdam, 1921 - Zúrich, 2006) es uno de los grandes nombres del arte del siglo XX. Pintor, escultor y poeta holandés, conocido como uno de los fundadores del movimiento artístico CoBrA, se distinguió por un arte que hacía un uso audaz del color y empleaba pinceladas enérgicas y formas expresivas, a veces grotescas. Sus obras suelen representar figuras humanas y animales de forma abstracta y lúdica, y reflejan un interés por el arte espontáneo y poco convencional. La obra Flamme riante presentada en miart por Matteo Lampertico ejemplifica uno de los mejores momentos de la carrera de Appel.

4. Mario Schifano, Vista nocturna con figuras. Ofrecido por: Artemisia Fine Art. Precio: 150.000 euros

Las obras de Mario Schifano (Homs, 1934 - Roma, 1998) son una presencia bastante habitual en las ferias de arte, ya que Schifano sigue siendo uno de los artistas más cotizados del mercado. Sin embargo, ver una de sus pinturas monumentales, como esta Vista nocturna con figuras de dos por tres metros de largo, siempre es agradable: es una de las obras más grandes de esta edición de miart.

5. Alex Katz, Yvonne y Carmen. Propuesta por: Mónica de Cárdenas. Precio: 85.000 euros

Una interesante novedad para las ferias italianas. Mónica de Cárdenas lleva a miart dos grandes caricaturas de Alex Katz (Nueva York, 1927): la otra, de menor tamaño, cuesta 62.000 euros. Conocido como uno de los principales maestros del realismo contemporáneo estadounidense, Katz es famoso por sus representaciones a gran escala de paisajes, flores y retratos, que se distinguen por su aplanamiento de formas y detalles. A menudo utilizaba para sus lienzos, como los presentados por Mónica de Cárdenas, tableros de empolvado, una técnica ancestral que también fue objeto de una exposición que la galería milanesa ofreció al público entre noviembre de 2024 y febrero de 2025. Era la primera vez que el público italiano podía ver las caricaturas del artista estadounidense.

6. Atanasio Soldati, Composición. Propuesta por: Cardelli y Fontana. Precio: 50.000 euros

Atanasio Soldati (Parma, 1896 - 1953) está considerado uno de los pioneros del abstraccionismo italiano, con obras caracterizadas por las formas geométricas, los colores vivos y un lirismo metafísico. Nacido en Parma en 1896, se licenció en arquitectura en 1920 y se trasladó a Milán en 1925. A partir de 1931 entró en contacto con artistas abstraccionistas y comenzó a exponer en la galería Il Milione, enfrentándose al cubismo de Léger y Picasso e influenciado por Klee, Kandinsky y Mondrian. Tras una fase neometafísica, desarrolló un estilo autónomo después de la guerra, cerca de Osvaldo Licini y Fausto Melotti. Expuso en la Cuadrienal de Roma (1936) y en las Bienales de Venecia (1948, 1950, 1952). La obra presentada por Cardelli y Fontana es uno de los ejemplos más claros de la poética de Soldati, en particular su meditación sobre las obras de Mondrian.

7. Greta Schödl, Assemic Gold. Propuesta por: Richard Saltoun. Precio: 20-30.000 euros

Recién llegada de la Bienal de Venecia, en la que participó en 2024, la artista austriaca Greta Schödl (Hollabrunn, 1929) es una poeta visual que crea pinturas que imitan la escritura para captar su progresión, ritmo y variaciones. Sobre fondos de pigmentos puros, Schödl aplica con pan de oro su particular escritura. Se trata de una escritura en la que no hay palabras distinguibles: el significado se borra y se reescribe simultáneamente, para simbolizar que el lenguaje no es más que una construcción social que puede ser representada o interpretada de diversas maneras.

8. Emanuele Cavalli, Figura con María Letizia. Propuesta por: Carlo Virgilio & C. Precio: 26.000 euros

Figura central en los acontecimientos de la Escuela Romana, Emanuele Cavalli (Lucera, 1904 - Florencia, 1981) centró desde el principio sus investigaciones en el estudio del color. Autor, junto con Giuseppe Capogrossi y Roberto Melli, del Manifiesto del Primordialismo Plástico de 1933, llegó a una visión totalmente personal de la pintura en el periodo de entreguerras, en la que el concepto de “tono” adquiere un papel fundador y está cargado de una doble función: evocar resonancias musicales y articular formas, volúmenes y profundidad. La obra presentada en Miart fue titulada por el propio Cavalli con el título genérico Figura con Maria Letizia. La modelo es en realidad su hija Maria Letizia Cavalli (Anticoli Corrado, 1936 - Pietrasanta, 2021), modelo predilecta tanto en pintura como en fotografía. El cuadro, dominado por el contraste entre las modulaciones de púrpura del sombrero y el fondo, el drapeado que se vuelve rojo y el verde brillante del loro, pertenece a un núcleo de obras creadas entre finales de los años sesenta y principios de los setenta, unidas por la presencia de la figura femenina flanqueada por una pequeña mascota. La ejecución del cuadro está bien documentada en el diario del artista, conservado en el “Fondo Emanuele Cavalli” del Archivo de la Galería Nacional de Arte Moderno, que se recibió en 2020 gracias a una donación de su hija. La obra se inició el 3 de mayo de 1968: en cuatro días, tras “muchas horas de trabajo continuo”, se completó a plena satisfacción del autor. Las anotaciones del diario, transcritas aquí en su totalidad, ofrecen valiosas pruebas de lo central que era la elaboración del acorde tonal en el proceso creativo de Cavalli.

9. Luca Bertolo, Sin título 17#06. Propuesta por: SpazioA. Precio: de 9.000 a 22.000 euros

El stand de la galería SpazioA, con sede en Pistoia, propone varias obras de Luca Bertolo (Milán, 1968), con precios que oscilan entre los 9.000 y los 22.000 euros. Bertolo, uno de los principales pintores italianos contemporáneos, es conocido por su versatilidad estilística y su profunda reflexión sobre los géneros pictóricos. Su estilo se caracteriza por una continua exploración del potencial y los límites de la imagen pintada, oscilando entre la figuración y la abstracción, la naturaleza muerta y el paisaje. Así lo ilustran estos paisajes sin título, que adoptan la forma de reflexiones sobre el propio paisaje y la forma en que lo vemos, porque las imágenes de la naturaleza parecen filtradas a través de un cristal sobre el que se depositan gotas y manchas de pintura. Se trata de una investigación que Bertolo lleva a cabo desde hace varios años.

10. Aldo Fiozzi, Pissing Man. Propuesta por: ED Gallery. Precio: 20.000 euros

Aldo Fiozzi (Mantua, 1894 - Milán, 1941) es uno de los escasísimos dadaístas italianos: en 1921, junto a Julius Evola y Gino Cantarelli, participó en la primera exposición del Grupo Dadá italiano celebrada en la Casa d’Arte Bragaglia de Roma. Podemos decir, por tanto, que Fiozzi tuvo muy poca compañía. La obra presentada por la Galería ED, de temática anticlásica e irreverente, es un ejemplo típico de la poética dadaísta, que pretendía romper todas las convenciones. Fiozzi no rehuyó esta intención: además del tema, las formas geométricas y angulosas, afines a las de los cubistas, también eran nuevas en el arte italiano de la época. Una auténtica rareza. La última vez que el público italiano pudo ver esta obra fue en 2009, con motivo de una exposición dedicada a la relación entre futurismo y dadaísmo celebrada en Mantua, en la Casa del Mantegna.

11. Carlo Prada, Autorretrato. Propuesto por: Aleandri. Precio: 20.000 euros

Carlo Prada (Milán, 1884 - Santa Margherita Ligure, 1960) es uno de los nombres menos conocidos, pero no por ello menos interesantes, del Divisionismo italiano. Nacido en el seno de una familia milanesa, eligió la carrera artística en contra de los deseos de su padre e ingresó en la Academia de Brera en 1902. Debutó en 1904 y en 1906 el marchante Alberto Grubicy se fijó en su talento y le incluyó en su galería. Participó en importantes exposiciones en Italia y en el extranjero, incluidas muestras en París en 1912 y 1921, desarrollando un Divisionismo refinado y personal. Tras la Primera Guerra Mundial, durante la cual estuvo encarcelado en Alemania, su arte experimentó una evolución: en 1922, la Galleria Pesaro de Milán le dedicó una exposición que marcó el final de su etapa divisionista. En los años veinte se acercó al movimiento Novecento y, en los treinta, al Chiarismo. Durante la Segunda Guerra Mundial se refugió en Santa Margherita Ligure, regresando a Milán en 1946. Expuso regularmente en la Bienal de Venecia (1924-1948) y en la Cuadrienal de Roma (hasta 1960), recibiendo numerosos premios y galardones. Este autorretrato de marcado sabor nórdico, en el que el pintor se retrata con una perspectiva audaz, sobre un paisaje nevado y con singular realismo, es una rareza en su producción.

12. Romina Bassu, Transfert. Propuesta por: Studio Sales. Precio: de 3.500 a 11.000 euros

El precio indicado se refiere a todas las obras de Romina Bassu (Roma, 1982) presentadas en el stand de Studio Sales: la artista romana es, de hecho, la única que expone en el stand, que domina la sección Portal, el nuevo experimento de Miart. Obras de diferentes tamaños, todas creadas especialmente para esta ocasión. Las nuevas obras continúan su investigación artística centrada principalmente en la representación de los estereotipos femeninos, analizando cómo la cultura patriarcal y la sociedad de consumo han modelado la imagen de la mujer. A través de acuarelas y acrílicos sobre lienzo, Bassu explora figuras femeninas inspiradas en imágenes de época, a menudo carentes de rasgos distintivos, transformándolas en símbolos de una experiencia colectiva y universal.

13. Francesca Banchelli, Hoguera. Propuesta por: Vistamare. Precios: de 2.000 a 10.000 euros.

El stand de Vistamare presenta cuatro obras de Francesca Banchelli (Montevarchi, 1981), con precios que oscilan entre los 2.000 euros de las obras más pequeñas y los 10.000 euros de Bonfire, la mayor de las nuevas obras de la artista toscana. Conocida por sus pinturas, pero también por sus performances y exposiciones que mezclan estos dos medios expresivos de forma siempre sorprendente e inesperada, Banchelli destaca por su expresionismo onírico que mezcla elementos reales y surrealistas. Sus obras presentan encuentros entre figuras humanas, animales y elementos naturales, creando paisajes visionarios que desafían las convenciones temporales y espaciales. Esta fusión de realidad e imaginación invita al espectador a explorar profundas dimensiones emocionales y psicológicas.

14. Cecilie Norgaard, El tamaño importa 1. Solicitud: 3.600 euros. Propuesta por: Matteo Cantarella y Shahin Zarinbal

Cecilie Norgaard (Aarhus, 1991) fusiona abstracción y figuración en cuadros que utilizan técnicas pictóricas tradicionales y exploran las implicaciones entre estética, producción artística y condiciones de vida socioeconómicas. En su práctica, el artista danés construye un vocabulario de signos e imágenes recurrentes. Norgaard aborda la pintura como una disciplina estructural, un sistema que se refleja exclusivamente a través de sí mismo. Existe una compostura irónica, ya que, en lugar de tematizar su obra, cuestiona las condiciones del medio y sus implicaciones semánticas a través de sus propios formatos convencionales.

15. Edward Kay, Red Delicious. Propuesta por: Roland Rosso. Precio: 3.500 euros

El stand de la galería Roland Ross de Margate, Reino Unido, destaca en la sección Emergentes con las obras de Edward Kay (Chester, 1980), que trae a Milán una serie de diez pinturas de manzanas (parecen idénticas, pero son diez variedades diferentes de manzanas). Para Kay, la repetición simboliza un proceso en ciernes, ya que cada iteración de su manzana no es una simple copia, sino algo nuevo que reconfigura el espacio de interpretación. Para Kay, el cuadro existe como objeto discreto, como parte de un flujo en el que el significado se renegocia continuamente a través de la interacción de las diferencias. Y de nuevo, el artista británico quiere dar a entender, a través de estas frutas, que no existe una única verdad, sino un campo abierto de percepción: el cuadro se convierte así también en una herramienta crítica, un medio por el que el artista manifiesta su propio compromiso. Para sus manzanas, Kay se inspira en la pintura renacentista, pero también en la serialidad de gran parte del arte contemporáneo.

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