Miart 2024: ¿Cuánto cuestan las obras? Nuestra selección de 15 obras, con precios

Se ha inaugurado la 28ª edición de Miart, la feria internacional de arte moderno y contemporáneo de Milán organizada por Fiera Milano, y como viene siendo habitual desde hace algún tiempo, con motivo de las ferias de arte contemporáneo, hemos preguntado a algunas galerías por el precio de algunas obras interesantes que hemos seleccionado. Constatando una vez más cómo a algunas galerías no les gusta que se publiquen los precios de sus obras, he aquí nuestra selección de quince obras, cada una con su precio (o rango de precios).

1. Elena Ceretti Stein, Sin título (al khidir) (2024). Presentada por Ncontemporary. Solicitud: 3.500 euros + IVA

Elena Ceretti Stein (Milán, 1989) es una artista multidisciplinar italo-israelí que crea instalaciones en las que mezcla pintura, escultura y vídeo. Sus pinturas, como las aquí expuestas, que ella define como “objetos”, son también el resultado de un pensamiento instalativo y se caracterizan por una fuerte dimensión escultórica y material. Las pinturas expuestas fueron todas creadas en 2024, pero forman parte de un proyecto de investigación que comenzó en 2019: la artista empezó creando pinturas completas y luego cubriéndolas con una nueva pintura que solo deja entrever lo que hay debajo. A veces también repite el proceso una tercera vez con una imagen adicional. A continuación, Elena Ceretti Stein excava determinadas zonas del cuadro con la ayuda de un cuchillo y un cincel, de modo que pueda verse la imagen oculta debajo, que luego vuelve a emerger para que la vea el espectador. Esta serie de cuadros son espacios de espera, quietud, ausencia y silencio. La única que conoce los paisajes ocultos tras las capas de pintura es la artista, pero ella cree que incluso lo que no se ve se puede sentir, llenando el cuadro de energía. En la pintura, mezcla elementos orgánicos e inorgánicos, utilizando pigmentos de tierra cruda al óleo para crear capas de color. Detrás de cada cosa hay otra, en un interminable juego alquímico de símbolos y significados profundos que coexisten sin excluirse mutuamente.

2. Alexis Soul-Gray, Un lago helado: la aceptación (2024). Presentada por Bel Ami. Solicitud: 3.500 euros

El proceso artístico de Alexis Soul-Gray (Reino Unido, 1980), que combina pintura, dibujo y collage, permite al artista explorar cómo la imaginación puede iluminar un camino a través de la tristeza y la pérdida. A través de una profunda reflexión sobre imágenes de la pintura renacentista italiana y anuncios que idealizan la vida familiar encontrados en populares revistas británicas, Soul-Gray selecciona escenas de mujeres y niños, optando por aquellas con una cualidad artificial, “donde la familia es a menudo fingida pero de alguna manera sentida”. Sus obras toman forma a medida que dibuja momentos inquietantes que parecen reales, como una mirada melancólica o un gesto juguetón. Para ir más allá de la superficie de estas composiciones escénicas y estilizadas, Soul-Gray borra la fachada frotando, raspando o incluso utilizando productos químicos cáusticos como la lejía. Pinta o crea collages sobre las figuras en un intento de dotarlas de una humanidad no estudiada y penetrante. Sus obras se convierten así en una inmersión en el mundo interior, revelando capas de emociones y recuerdos.

3. Robert Brambora, Awrazepam (Robin) (2024). Presentada por Sans titre. Solicitud: 4.000 euros

Robert Brambora (Halle, 1984) vive y trabaja en Berlín. Durante el último año, el artista ha estado trabajando en una serie de paisajes urbanos contemporáneos inspirados en la novela de Italo Calvino Las ciudades invisibles. Son paisajes que evocan sentimientos de soledad y aburrimiento experimentados por los habitantes de las ciudades capitalistas contemporáneas. En estas obras, Brambora representa escenas de ciudades cubiertas de smog para evocar los efectos del cambio climático; incendios, lluvias torrenciales y escenas apocalípticas crean una atmósfera de ciencia ficción y surrealismo. Sobre algunos de estos paisajes pintados flotan fragmentos de datos dispersos y anuncios futuristas generados por inteligencia artificial. Estos textos se aplican mediante técnicas de impresión UV, creando un efecto visualmente impresionante que une al hombre y la máquina.

4. Flaminia Veronesi, Immensa madremamma grande immensa (2023). Presentado por Simondi. Solicitud: 5.000 euros

Flaminia Veronesi (Milán, 1986) ofrece una visión de la presencia femenina en su universo artístico. Su visión no se limita a una simple reflexión sobre la mujer, ni se reduce a una investigación estrictamente feminista, sino que se centra en el emblema de un sentimiento de “maternidad social”, concepto introducido por Maria Montessori. Las figuras dibujadas por la artista encarnan criaturas mutantes que, si bien conservan los rasgos del género femenino en su apariencia sexual, son permeables a una fluctuación metamórfica que incorpora una concepción ampliada del ser humano. Veronesi apuesta así por redefinir la idea de “madre” y superar los estereotipos que la relegan exclusivamente al ámbito femenino. Su universo artístico está impregnado de referencias visuales, teóricas y conceptuales que oscilan entre lo real y lo fantástico, el pasado, el presente y el futuro. La artista mezcla teorías feministas, referencias a la historia del arte e intuiciones personales, gracias a su sensibilidad de “chamana moderna”, según su propia definición, haciéndose pasar por una especie de mensajera de la Pacha Mama, el alma mater de la Tierra. Los costes de Flaminia Veronesi oscilan entre los 2.000 euros de las acuarelas más pequeñas (56 por 38) y los 7.200 euros de la escultura de cerámica Madre Tierra.

5. Anaïs Horn, Las ventanas (2022-2024). Presentada por MLZ Art Dep. Solicitud: 6.800 euros

Las peculiares obras... con cortinas constituyen el nuevo proyecto en solitario de la artista austriaca Anaïs Horn (nacida en Graz, vive y trabaja en París), titulado The Windows, que se originó durante su residencia en el International Studio & Curatorial Program de Nueva York en 2022 y se desarrolló en París. Las obras expuestas adoptan la forma de ventanas, que aquí se convierten en lugares de la imaginación y en el límite entre lo público y lo privado, entre el espacio interior y el exterior. Basándose en imágenes de drones, las imágenes se transfirieron a cristal acrílico transparente y se enmarcaron con marcos de aluminio; a continuación se cubrieron con cortinas de seda pintadas a mano y montadas en barras de cortina de aluminio. Adornadas con piedras preciosas y borlas, actúan como protección contra la malevolencia exterior. Horn crea escenarios íntimos, a menudo específicos del lugar, en los que relatos autobiográficos u otras narraciones femeninas pretenden desencadenar reflexiones sobre el presente y cómo los recuerdos personales conectan con los objetos y los espacios. La obra de Anaïs Horn está dedicada a Josephine Hopper, esposa del célebre artista estadounidense: la combinación de puntos de vista poco convencionales y tejidos delicados transmite una sensación de soledad, eco de la melancolía de los paisajes urbanos de Hopper.

6. Amélie Peace, Will you fit in (2023). Presentada por C+ N Gallery CANEPANERI. Solicitud: 10.000 euros

La artista francesa Amélie Peace (París, 1997) se centra en sus pinturas de diversos tamaños en la experiencia del tacto y la necesidad humana de conexión física, representando momentos que pretenden situarse en la frontera entre la ternura y la crueldad. Los suyos son diálogos psicofísicos que pretenden explorar experiencias emocionales, sexuales y de género. Sus personajes, a menudo entrelazados, dan una sensación de dependencia física, como si sus figuras compartieran un cuerpo, subrayando cómo cada intercambio con otra persona altera el sentido del propio yo físico. Los motivos recurrentes son las manos que guían al espectador a través de las intrincadas narraciones que representan sus obras. A estos temas se añade la intensidad del color que caracteriza todos sus cuadros: lo que significa hablar sin palabras y el poder que puede encontrarse en el lenguaje silencioso de los gestos. Peace representa esencialmente la complejidad de las emociones humanas.

7. Katlego Tlabela, C.R.E.A.M I (2022). Presentado por OSART GALLERY. Solicitud: 11.000 euros

Katlego Tlabela (Pretoria, 1993) siempre ha dedicado su atención a procesos técnicos y creativos multidisciplinares, explorando la pintura, el sonido, la fotografía y las instalaciones escultóricas, encontrando formas innovadoras de integrar elementos relacionados con la impresión en cada una de sus disciplinas. Sus intereses artísticos abarcan desde la compleja dinámica social y política de la Sudáfrica posterior al apartheid hasta el paisaje africano y los Estados Unidos de América. Sus obras abordan temas de resistencia, protesta, diálogo sobre la raza y formas positivas de representar el cuerpo y la experiencia negros, a menudo reinterpretando la historia y conectándola con acontecimientos contemporáneos. Desde 2020, su práctica artística se ha centrado exclusivamente en la pintura, retratando escenas ficticias pero realistas que tienen como sujeto a la élite negra. En sus obras, Tlabela suele homenajear a artistas negros históricamente significativos, creando así un diálogo entre el pasado y el presente.

8. Thandiwe Muriu, Un ciclo de alegría (2024). Presentada por 193 Gallery. Solicitud: obras de la serie CAMO de 13.000 a 17.000 euros

El artista keniano Thandiwe Muriu (Nairobi, 1990) nos lleva a un profundo viaje por el mundo de la mujer en el África contemporánea, reinterpretando el retrato africano. Sus obras, inspiradas en las portadas de las principales revistas de moda y en la rica historia cultural de Kenia, pretenden ser un canto a la belleza natural de las mujeres con las que se identifica. Utilizando telas llamativas e intrincadamente estampadas, que a menudo evocan los tejidos tradicionales de distintas culturas africanas, Muriu fotografía a sus sujetos, haciéndolos emerger de fondos vibrantes que crean ilusiones hipnóticas. A través de su serie CAMO (a la que también pertenece la obra A cicle of joy), Thandiwe quiere celebrar su herencia africana y aborda temas cruciales como la identidad y la autopercepción. Sus obras abogan por la aceptación y el amor a la vida cotidiana de los habitantes de Nairobi y, en general, de toda África.

9. Mauro Reggiani, Composición (1955). Presentado por Cardelli & Fontana. Solicitud: 16.000 euros + IVA

Cardelli & Fontana llevó a Miart a varios de los principales artistas contemporáneos de la galería, como Beatrice Meoni y Mirko Baricchi, así como una selección del abstraccionismo geométrico italiano de los años 50 y 60, sector en el que la galería de Sarzana está especializada. Entre las obras expuestas en el stand figura una composición de mediano formato de Mauro Reggiani (Nonantola, 1897 - Milán, 1980), uno de los primeros abstraccionistas italianos, firmante, en los años treinta, del primer manifiesto del Abstraccionismo. La obra presentada por Cardelli & Fontana se remonta a 1955: justo al año siguiente, la Bienal de Venecia dedicaría una sala personal a Reggiani. La galería fue una de las pocas en mostrar públicamente los precios de las obras en su stand.

10. Giosetta Fioroni, Lux calme et volupté (1996). Presentado por Marcorossi artecontemporanea. Solicitud 25.000 euros

Giosetta Fioroni (Roma, 1932), una de las más grandes artistas vivas de la segunda mitad del siglo XX, no necesita presentación. Nacida en el seno de una familia de artistas, Giosetta Fioroni es una de las artistas más eclécticas: a lo largo de su carrera ha pasado de la platería a los lienzos y dibujos, a los experimentos con la fotografía y la cerámica. Fue en la década de 1990 cuando la artista conoció la cerámica cuando, gracias a Davide Servadei, heredero de la histórica Bottega Gatti de Faenza, empezó a crear ciclos de obras: los Teatrini, los Case, las Scatole magiche, las Formelle, los Steli, los Cani, los 100 alberi expuestos en la Galleria Comunale d’Arte Moderna de Roma, y los Abiti. Definidas por ella misma como obras hiperpictóricas por su elección de mezclar engobes con mayólicas iridiscentes y esmaltes de tercera cocción, las cerámicas de Giosetta muestran una íntima cohesión entre forma y color y en ellas conviven el sueño, el cuento de hadas y el atractivo literario. Las cerámicas que aquí se presentan en una exposición individual fueron realizadas por la artista en la Bottega Gatti y son obras raras que la galería ha ido coleccionando a lo largo del tiempo. Este Teatrino se inspira en una obra homónima de Matisse.

11. Fabrizio Plessi, Fuoco, T125 (2020). Presentado por Tornabuoni Arte. Solicitud: 30.000 euros

Fabrizio Plessi (Reggio Emili, 1940), es un artista interesado en la interacción entre la tecnología y la materia, tratando a esta última como lo haría un escultor con el mármol. Es una figura destacada del videoarte italiano, que se distingue por ser el primero en transformar el monitor de televisión en un verdadero medio artístico, por el que fluyen imparables chorros de agua y fuego digital desde 1974, cuando creó su primera videoinstalación. En sus proyectos, el vídeo se funde con la arquitectura y materiales primarios como el carbón, la madera, el mármol, el travertino y el hierro. A través de sus obras, Plessi explora la fluidez del agua, su poder que trasciende los límites tangibles de la obra de arte, el resplandor del relámpago que atraviesa la oscuridad de la noche y la incandescencia del fuego. Especialmente relevantes son sus instalaciones site-specific, concebidas para espacios antiguos, góticos, renacentistas y monumentales como la Plaza de San Marcos de Venecia, el Valle de los Templos de Agrigento y la Sala dei Giganti del Palazzo Te de Mantua, prueba de su profundo respeto por el clasicismo, confirmado también por las escenografías electrónicas que ha creado.

12. David Tremlett, Forma y ritmo (2015) y Grafito#6 (2024). Presentada por la Galería Antonio Verolino. Precio: Form and rhythm 50.000 euros, Graphite#6 28.000 euros.

Originario de Cornualles, David Tremlett (Dartford, 1945) es un artista que trabaja con diferentes medios: ha creado instalaciones, esculturas, dibujos; es conocida su intervención permanente en las Langhe, en la capilla de Barolo. Pero también ha realizado tapices y alfombras, como las que se exponen aquí. “El proyecto para la Galería Antonio Verolino comenzó a principios de 2015 con una propuesta para un tapiz, a la que siguió una propuesta para una alfombra. El tapiz se realizaría en Felletin, Aubuson, Francia, fundada en 1867, que a lo largo de los años ha trabajado con artistas como Pablo Picasso, Le Corbusier, Alexander Calder, Victor Vasarely, Fernand Legér, Sonia y Robert Delaunay, Josef Albers, y más recientemente con Fernando Botero, Etel Adnan y Beatriz Milhazes. La alfombra, por su parte, fue anudada a mano en Pakistán. Pasé los meses siguientes trazando una idea tras otra sobre el papel, hasta completar cuatro diseños de tapices y cuatro de alfombras”, explicó el artista.

13. Etel Adnan, Hovering 3 (2020). Presentado por Galerie Lelong & Co. Solicitud: 140.000 euros

Gran ensayista, poeta y artista visual, Etel Adnan (Beirut, 1925 - París, 2021) abarcó una amplia gama de medios a lo largo de su carrera artística, incluyendo pintura, dibujo, tapices, cine, cerámica y libros de artista. Lo que inspiró su escritura y más tarde su obra de arte fue el paisaje, su historia y su respuesta emocional y física ante él. Para Adnan, el paisaje se mezcla con la memoria, especialmente con la sensación que se tiene de un traslado. Nacida y criada en Líbano, ha vivido, estudiado y trabajado en Francia y California toda su vida. La obra expuesta es una composición abstracta formada por cuadrados de diferentes colores que el artista ha creado aplicando directamente el material pictórico sobre el lienzo.

14. Francis Alÿs, Sin título (Baños Ecuador, México, D.F.) (1990). Presentado por la Galerie Peter Kilchmann. Precio: a partir de 200.000 euros

Francis Alÿs (Amberes, 1959) aborda temas que se centran principalmente en las pautas de los emplazamientos urbanos y la dinámica política de las zonas de conflicto. A través de la narrativa poética, examina el modernismo en América Latina y las zonas fronterizas afectadas por tensiones políticas, cuestionando la pertinencia de los actos poéticos en contextos tan complejos. Alÿs parte de acciones sencillas realizadas por él mismo o por otros, documentándolas a través de diversos medios. Sus obras se asemejan a menudo a documentos o huellas de una práctica artística, utilizando el vídeo, el cine, las postales, la pintura y el dibujo. En la repetición y transmisión continua de sus obras, el artista intenta crear una narrativa más amplia, buscando materializar un episodio perdido o profundizar en el significado de lo creado. Lo que hace tan convincente la práctica del artista es su capacidad para abordar cuestiones políticas complejas a través de actos poéticos, transformando su arte en una forma de exploración y reflexión sobre la sociedad contemporánea.

15. Ai Weiwei, Conócete a ti mismo (2022). Presentado por Galleria Continua. Solicitud: 300.000 euros

Ai Weiwei (Pekín, 1957) vivió en Estados Unidos durante un periodo significativo a partir de 1981, estableciéndose finalmente en Nueva York durante diez años. Durante su estancia en Nueva York, quedó profundamente impresionado por las obras de artistas como Andy Warhol y Marcel Duchamp. A través de su arte, Ai Weiwei se ha convertido en portavoz de los derechos humanos y defensor de la libertad de expresión. Gracias a su instinto provocador, consigue navegar entre la política, el activismo y la investigación artística, erigiéndose en uno de los principales símbolos de la lucha por la libertad de expresión en China y en todo el mundo. Sus obras, que abarcan desde instalaciones a vídeos, pasando por fotografía y escultura, reflejan tanto la historia antigua de China como contextos modernos. A Ai Weiwei le gusta superponer lo contemporáneo a lo antiguo, el futuro al presente, utilizando técnicas, imágenes y metáforas tradicionales de la cultura china. Su principal objetivo es poner de relieve las contradicciones sociales entre el individuo y la comunidad en el mundo contemporáneo, ofreciendo una mirada crítica y profunda de la sociedad a través de su arte.

15+1: Lucio Fontana, Concepto espacial, Esperando (1963-1964). Presentado por Artemisia Fine Art. Precio: de 2.000.000 a 2.500.000 euros / 2.800.000 euros

He aquí la que quizá sea la obra más cara de la feria. Lucio Fontana (Rosario, 1899 - Comabbio, 1968) es el autor de una forma de arte basada en la fusión del tiempo y el espacio. Traspasando los límites tradicionales entre arquitectura, escultura y pintura, Fontana produjo obras que involucran al espectador en experiencias emocionales, abriendo nuevas vías de investigación en el arte contemporáneo. Concetto Spaziale, Attesa forma parte de la serie Tagli, un ciclo de obras que ocupa un lugar destacado en el corpus artístico de Fontana y coincide con su plena madurez artística. Realizados con una cizalla Stanley, los Tagli presentan hendiduras verticales que recorren la superficie de la obra, creando aberturas centrales únicas o secuencias rítmicas de cortes múltiples. Cada hendidura revela su propia identidad y puede variar en el grado de convexidad. Así pues, el enfoque de Fontana de la escultura y la pintura ha influido profundamente en las generaciones posteriores de artistas, contribuyendo a redefinir los límites de la expresión artística y a explorar la relación entre materia y vacío, forma y espacio.

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