Lo mejor de Artissima: he aquí una selección de las mejores obras, con precios

Mientras la edición 2019 de Artissima, la exposición-mercado de arte contemporáneo que, como cada año, se celebra en Turín, está en pleno apogeo, después de haberos propuesto nuestros comentarios con la galería de las obras más fuertes, interesantes e irreverentes, hoy os ofrecemos un best of con una selección de obras en las que hemos decidido profundizar (por su temática, calidad, currículum de los autores, originalidad, valor estético) y que os presentamos con todos los precios solicitados por las galerías.

Chris Johanson, Open session all welcome (2003), presentada por Georg Kargl Fine Arts. Solicitud: 42.000 euros.

Chris Johanson (San José, 1968), artista californiano afincado en San Francisco, que comenzó como artista callejero, está fuertemente interesado en temas relacionados con la realidad urbana y, dada también su formación, su obra es una suma de graffiti, cómic y street art. Su lenguaje abarca desde el dibujo a la pintura sobre tabla, aunque Johanson prefiere formatos poco convencionales, como se puede apreciar en esta Open session all welcome que presenta Georg Kargl Fine Arts. La obra es una visión de una ciudad distópica impregnada de sarcasmo dirigido a la política, las costumbres sociales, el consumismo y la vida en las ciudades estadounidenses. El resultado es una obra que, aunque colorista, también parece grotesca, donde todo se entrelaza y se cruza a la perfección, donde el control se ejerce sobre los habitantes, donde los ciudadanos se permiten comentarios poco felices sobre su condición.

Chris Johanson, Open session all welcome (2003; acrílico sobre panel, 170 x 252 cm), presentada por Georg Kargl Fine Arts. Precio: 42.000 euros.

Annette Lemieux, Excerpt-2 (2019), presentada por Mazzoli. Solicitud: 25.000 euros.

Excerpt-2, junto con su homóloga Excerpt-3, es una obra de la artista estadounidense Annette Lemieux (Norfolk, Virginia, 1957) que reflexiona sobre el control en la sociedad contemporánea. Para realizarla, Lemieux utilizó algunas portadas de la novela 1984 de George Orwell, y las yuxtapuso con detalles de ojos tomados de cuadros de la historia del arte (Odilon Redon, Philip Guston y otros). El resultado es un conjunto de ojos que miran fijamente al espectador y razonan que la censura siempre ha estado presente desde la antigüedad (época a la que se refieren los ojos de los pintores antiguos) y, a través de los medios tecnológicos modernos, está entrando ahora en el mundo actual.

Annette Lemieux, Excerpt-2 (2019; impresión sobre panel, 81,3 x 50,8 cm), presentada por Mazzoli. Solicitud: 25.000 €.

IRWIN (Andrej Savski), Curiosity (2007), presentado por Gregor Podnar. Solicitud: 24 mil euros.

IRWIN es un histórico colectivo de artistas eslovenos, formado por Dušan Mandič, Miran Mohar, Andrej Savski, Roman Uranjek y Borut Vogelnik, perteneciente al importante movimiento Neue Slowenische Kunst (NSK), uno de los principales fenómenos culturales surgidos en la antigua Yugoslavia (sus orígenes se remontan a 1984, cuando Eslovenia aún no era independiente). Mientras los célebres Laibach formaban el ala “musical” del NSK, IRWIN encarnaba la vertiente visual. Su obra combina elementos del Romanticismo, el Modernismo y el Suprematismo: normalmente, IRWIN parten de símbolos (políticos, religiosos o populares, como en este caso: un proverbio) para examinar su función y significados. Para descubrir esto, según los IRWIN, es necesario encontrar los orígenes del símbolo, y la reconstrucción sólo puede hacerse si se deconstruye el símbolo volviendo a los elementos que lo originaron. Pero de este modo también se da una nueva connotación a los símbolos, que a menudo adquieren tintes humorísticos. Curiosity es una obra de 2007 de Andrej Savski que encarna bien este proceso: el proverbio Curiosity killed the cat (“la curiosidad mató al gato”, dicho para advertir a alguien de los peligros a los que se arriesga cuando se enfrenta a lo desconocido) se deconstruye en sus elementos básicos, a saber, el signo de interrogación y el gatito de peluche que no sabe lo que se va a encontrar. El resultado es una obra de contornos inquietantes, como es típico en la obra de IRWIN.

IRWIN (Andrej Savski), Curiosidad (2007; óleo sobre panel, 66 x 100,5 cm), presentada por Gregor Podnar. Solicitud: 24 mil euros.

Thomas Braida, Siesta del sol, siesta per tutti (2019), presentada por Monitor. Solicitud: 22.000 euros.

Thomas Braida (Gorizia, 1982), uno de los pintores emergentes más interesantes del panorama italiano, es un pintor figurativo acostumbrado a trabajar en grandes formatos, como en esta Siesta del sol, siesta per tutti, una gran obra sobre lienzo de casi cinco metros de ancho que representa un tramo de playa junto al mar, donde aparecen una pléyade de personajes dispares: chicas en topless y bañadores a la brasileña, esqueletos, caballos, animales varios, armaduras, cabezas desprendidas. Con citas de la historia del arte (arriba, por ejemplo, una clara referencia a laPesadilla de Füssli). Todo a vista de pájaro: prácticamente la versión perversa (y por tanto más interesante) del Pabellón de Lituania en la Bienal de Venecia.

Thomas Braida, Siesta del sol, siesta per tutti (2019; óleo sobre lienzo, 280 x 480 cm), presentado por Monitor. Precio: 22.000 euros.

Frances Goodman, Romancing the mirror (2018), presentada por Smac. Solicitud: 17-19 mil euros.

La galería sudafricana Smac trae a Artissima varias obras de la artista Frances Goodman (Johannesburgo, 1975), entre ellas Romancing the mirror, parte de un núcleo de obras realizadas con lentejuelas que capturan a mujeres en momentos de intimidad o descanso: por ejemplo, en el baño, mientras se miran al espejo (como en este caso), mientras se toman un selfie, etcétera. Las lentejuelas hacen que la obra se parezca a una imagen digital hecha de píxeles, pero este material inusual, en las intenciones de la autora, debe reflejar y al mismo tiempo cambiar la forma en que miramos la imagen. Es decir, necesitamos mirar la imagen desde diferentes puntos de vista para verla bien y entenderla plenamente, y esto nos asemeja a voyeurs que invaden fuertemente la intimidad de las chicas representadas, con lo que las obras de la artista sudafricana se convierten también en un símbolo de la forma en que miramos la intimidad de las mujeres (especialmente a través de las redes sociales: la imagen hecha de lentejuelas, como se ha mencionado, pretende recordar a las imágenes digitales). Para crear sus obras, Frances Goodman parte de fotografías y luego aplica las lentejuelas al lienzo a mano.

Frances Goodman, Romancing the mirror (2018; lentejuelas sobre lienzo, 160 x 115 cm), presentada por Smac. Solicitud: 17-19 mil euros.

Rezi van Lankveld, Doble (2019), presentada por la galería Annet Gelink. Solicitud: 17.500 euros.

La artista holandesa Rezi van Lankveld (Amlelo, 1973) se encuentra entre los nombres más representativos de la escena artística de su país. Se formó en la academia Jan van Eyck y en la Gerrit Rietveld Academie y ha expuesto por todo el mundo (también en Italia: en el Centro Pecci de Prato en 2013). Su método es muy particular y laborioso (tanto que apenas produce más de diez cuadros al año): extiende los colores en varias capas sobre el soporte y luego los ordena haciéndolos moverse (y no siempre con el pincel). Este método es una especie de juego entre “permiso y prohibición”, como le gusta pensar a la artista, ya que el movimiento de los colores se controla continuamente en un proceso que es más intuitivo que racional, y se sitúa en algún lugar entre el azar y la intención. El resultado son obras que, como ésta, se sitúan entre la abstracción y la figuración.

Rezi van Lankveld, Doble (2019; óleo sobre lienzo, 50 x 40 cm), presentado por Annet Gelink Gallery. Precio: 17.500 €.

Naiza Khan, Ciudad envuelta en una telaraña (2011), presentada por Rossi&Rossi. Solicitud: 6.000 dólares.

Naiza Khan (Bahawalpur, 1968), protagonista este año del Pabellón de Pakistán (su país de origen, también presente este año por primera vez en la Bienal) con su aclamada exposición Manora Field Notes, es una artista que trabaja en varios idiomas. Con sus vistas de las ciudades desde arriba, Khan investiga la forma en que el medio ambiente y, especialmente, los paisajes humanos cambian con el tiempo: desde 2010, la artista paquistaní ha centrado su atención en la relación entre el espacio, la arquitectura y la presencia humana. En su obra, sin embargo, las ciudades no sólo se transforman con el tiempo, sino también en el espacio, adquiriendo diferentes formas y significados: un ejemplo de esta poética suya (que la ha llevado en el pasado a comparar la ciudad con un cuerpo femenino, por ejemplo) es City wrapped in a web, donde no vemos la ciudad porque está oculta por una tela de araña, con todo lo que ello conlleva a nivel simbólico (censura, conexiones, ocultación, contaminación, etc.).

Naiza Khan, City wrapped in a web (2011; tinta y acuarela sobre papel, 36 x 51 cm), presentada por Rossi&Rossi. Solicitud: 6.000 dólares.

Anna Zacharoff, Camarón en persona y Camarón desnudo (2019), presentada por Issues. Solicitud: 3.200 euros cada una.

La galería sueca Issues, una de las nuevas incorporaciones a Artissima, trae a la feria turinesa las obras de la joven artista sueca Anna Zacharoff (Estocolmo, 1987), activa en Bruselas. Desde su debut, Zacharoff siempre ha mostrado un gran interés por la vida bajo el mar, y lo demuestra también en Artissima con una serie que representa, en siete cuadros diferentes, a una gamba más o menos vestida, hasta el desnudo integral (en Artissima hay dos obras de la serie: Gamba en persona y Gamba desnuda). Ya expuesta en la muestra individual Nudity now, se trata de una serie que cuenta una historia: la de una gamba de la que se abusa obligándola a desnudarse contra su voluntad. Una interesante metáfora plasmada con esencialidad por un joven artista.

Anna Zacharoff, Camarón en persona y Camarón desnudo (2019; óleo sobre lienzo, 40 x 30 cm), presentado por Issues. Precio: 3.200 € cada una.

Katarína Poliačiková, Mi habitación es un reloj de sol (2017), presentada por la Galería Jiri Svestka. Precio: 2.000 euros cada una.

Sentir el calor del sol sobre la piel desnuda", comenta Katarína Poliačiková (Myjava, 1982) sobre su obra My room is a sundial, un tríptico de grabados, “es uno de los sentimientos más humanos y más lujosos”. ¿Está de acuerdo? Y la luz y el alma de un espacio. Uno sabe que un lugar es su hogar cuando ha visto cómo cambia la luz a lo largo de las estaciones. [...] Mi piso orientado al sur, en la undécima planta, es a la vez un reloj de sol y una cámara. Como un autobús, se mueve, aunque con la lentitud del movimiento planetario, absorbiendo una secuencia de rayos de sol que iluminan cada habitación. El final del otoño es la estación en la que espero y observo la luz, la atrapo y luego observo sus sutiles cambios a medida que el día empieza a alargarse".

Katarína Poliačiková, My room is a sundial (2017; impresión sobre papel de algodón, 52,7 x 67,8 cm), presentada por Jiri Svestka Gallery. Precio: 2.000 euros cada una.

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