Lo más destacado de la Bienal de Venecia 2017: 10 obras a las que prestar atención

La quincuagésima séptima edición de la Bienal de Venecia, comisariada por Christine Macel, abrirá sus puertas al público mañana, sábado 13 de mayo de 2017, y este año lleva por título “Viva arte viva”. Hemos echado un vistazo y te ofrecemos diez obras a las que creemos que debes prestar atención.

Avance de prensa de la Bienal 2017. Ph. Crédito: Federica Forti

1. Liliana Porter, El hombre con el hacha y otras situaciones breves
La artista argentina Liliana Porter (Buenos Aires, 1941) llega a la Bienal 2017 con una nueva edición de una instalación que data de 2014, titulada El hombre con el hacha y otras situaciones breves, y que puede verse en los espacios del Arsenale. Un hombre diminuto blandiendo un hacha se coloca al final de una serie de objetos rotos: libros, sillas, tazas y cerámicas, juguetes, maquetas de barcos, incluso la carcasa de un piano. Todo ello sin que se respeten las proporciones reales: un expediente para inducir al observador a reflexionar sobre la relación entre la realidad y su representación (uno de los temas de la investigación de Liliana Porter), o simplemente para hacer aún más alienante una obra deliberadamente ambigua. No sabemos, en efecto, si el hombrecillo del hacha es el responsable de la destrucción o si quiere destrozar aún más los jirones de un pasado que permanece impreso como memoria pero que ha sido barrido por el paso del tiempo. A esta sensación de extrañeza se añaden otras figurillas que se encuentran a lo largo del “camino” trazado por estos escombros del pasado: músicos, soldados de juguete, simples transeúntes deambulan entre las ruinas, incitándonos a reflexionar aún más sobre el sentido de la obra en general y de sus detalles individuales. Probablemente sea una obra que nos habla sobre todo del tiempo, concepto que ha inspirado a menudo las obras de Liliana Porter.

Liliana Porter, El hombre con el hacha y otras situaciones breves (2017; instalación de técnica mixta, 170 x 950 x 650 cm; 57. Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, Viva Arte Viva). Ph. Crédito: Federica Forti

2. Ernesto Neto, Un lugar sagrado
La gran instalación Um sagrado lugar (“Un lugar sagrado”) del brasileño Ernesto N eto (Río de Janeiro, 1964), un viejo conocido de la Bienal de Venecia, es una de las obras más interesantes expuestas en el Arsenale. Se trata de una especie de gran carpa decorada con motivos geométricos, en cuyo interior el artista ha dispuesto tierra, arena, libros y macetas de cerámica y la ha rodeado de macetas con plantas. Una obra en cuyo interior, además, los visitantes pueden sentarse y permanecer, convirtiéndose ellos mismos en parte de la instalación (la interacción entre público y obra es una característica típica de las obras de Ernesto Neto). La tienda está claramente inspirada en las tiendas de los pueblos indígenas de Brasil, en particular en las de la tribu Huni Kuin, que vive en la Amazonia, en la frontera con Perú: es precisamente la espiritualidad de su tierra natal a la que mira esta obra de arte, tanto más importante si pensamos en las tristes vicisitudes que siguen sufriendo los pueblos indígenas (estos días asistimos a una escalada de violencia contra los pueblos indígenas, que reclaman más consideración y protección por parte del gobierno). Además, Ernesto Neto ha traído consigo a Venecia a algunos miembros de la tribu Huni Kuin que, también a través de performances, participarán en la inauguración de la Bienal.

Ernesto Neto, Um sagrado lugar (2017; algodón de ganchillo, guata, voile, lienzo, yute, nudos de voile, madera, contrachapado, filtro de agua, tierra, arena, herramientas, macetas de cerámica, plantas, fotografía, dibujo Huni Kuin, textiles, cantos, libro Una Isi Kayawa, libro de tela; dimensiones variables; 57 €. Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, Viva Arte Viva). Ph. Crédito: Andrea Avezzù. Cortesía de La Biennale di Venezia.

3. Maria Lai, Libros cosidos
La Bienal 2017 rinde homenaje a Maria Lai (Ulassai, 1919 - Cardedu, 2013) exponiendo algunas de sus obras ejecutadas entre 1981 y 2008. Entre ellas se incluyen algunos de sus Libri cuciti: libros en los que las palabras están “escritas” mediante hilos dispuestos en su superficie. Maria Lai es conocida por su arte que reinterpreta la antigua tradición del tejido y crea obras hechas de hilos, telas y telares que adquieren significados simbólicos siempre cambiantes. El hilo sobre el que escribe en su libro es una metáfora del hilo de la historia, por ejemplo, pero también es una referencia a las antiguas actividades artesanales de las mujeres de Cerdeña, para quienes tejer representaba un momento de socialización y de intercambio cultural.

Algunos de los libros cosidos de Maria Lai. Foto Crédito: Italo Rondinella. Cortesía de La Biennale di Venezia.

4. Katherine Nuñez & Issay Rodriguez, Entre líneas 2.0
Los dos artistas más jóvenes de la quincuagésimo séptima edición de la Bienal de Venecia proceden de Filipinas: son Katherine Nuñez (Manila, 1992) e Issay Rodriguez (Manila, 1991) que, también con la ayuda de hilos de lana y ganchillo (y no es la única obra en la que el entrelazado de hilos tiene un peso nada desdeñable), recrean una especie de pupitre de estudiante, de niño. El título es Entre líneas 2.0 y se encuentra en el pabellón central de los Giardini. También aquí vuelven los temas de la educación y la artesanía (así como la educación para la artesanía), y la imagen lúdica que surge, una de las más positivas de la Bienal, sorprende y reconforta: vemos lápices y bolígrafos hechos de hilos tejidos, cuadernos y libros, almohadas para descansar. Los niños, al fin y al cabo, son “seres poderosos”, como reza el título de una obra de Katherine Nuñez de 2014.

Katherine Nuñez e Issay Rodríguez, In between the lines 2.0 (2015-2017; ganchillo, bordado, labores de costura; 57 €. Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, Viva Arte Viva). Ph. Crédito: Francesco Galli. Cortesía de La Biennale di Venezia.

5. Hassan Sharif, Estudio Hassan Sharif (Supermercado)
La Bienal rinde homenaje al artista emiratí Hassan Sharif (Dubái, 1951 - 2016) trayendo a los Giardini su Studio, una obra que es el resultado de veintiséis años de trabajo y que sin duda destaca como una de las más escenográficas de la Bienal 2017. Se trata de una especie de pasillo de supermercado en cuyas estanterías se amontonan (aunque en riguroso orden) montones de chatarra y residuos reciclados: una crítica no demasiado velada a la sociedad de consumo, pero quizá también una acusación al sistemadel arte contemporáneo, fuertemente orientado al mercado y al comercio.

Hassan Sharif, Estudio Hassan Sharif (Supermercado) (1990-2016; objetos, sacos, libros, cajas; dimensiones variables; 57. Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, Viva Arte Viva). Ph. Crédito: Andrea Avezzù. Cortesía de La Biennale di Venezia.

6. Frances Stark, ¡Contemplad al hombre!
¡La obra que Frances Stark (Newport Beach, 1967) trae a la exposición (ubicada en los Giardini) se titula Behold man! (¡Contemplad al hombre!) y es una especie de autorretrato en el que la artista se representa a sí misma, con un simple contorno negro y en la más total bidimensionalidad, tumbada en un sofá contra una pared que encierra un suelo a cuadros visto en perspectiva. La mujer mira hacia delante, y podemos saber lo que está mirando si nos fijamos en el espejo que cuelga más arriba: vemos a algunas personas reflejadas, entre ellas un hombre desnudo, de pie frente a ella. Esparcidos por el suelo y colgados de la pared vemos papeles, revistas, fotografías. Evidentes referencias eróticas, ni siquiera demasiado veladas: también está presente, sobre la mesita frente al sofá, un gallo (en inglés “cock” significa “gallo”, pero también es un término que hace referencia al órgano genital masculino).

Frances Stark, ¡Contemplad al hombre! (2013; técnica mixta, impresión en tinta y pintura, 191,8 x 244,2 x 3 cm; 57. Exposición Internacional de Arte - La Biennale di Venezia, Viva Arte Viva). Ph. Fotografía: Francesco Galli. Cortesía de La Biennale di Venezia.

7. Olafur Eliasson, Luz verde. Un taller artístico
Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) es uno de los grandes nombres de la Bienal 2017 y trae a Venecia el proyecto Green light. Un taller artístico, que el artista danés dedica a los migrantes y refugiados, dándoles una metafórica luz verde de esperanza. El proyecto prevé la participación de ochenta solicitantes de asilo alojados en instalaciones de Venecia, que participarán en su taller artístico para crear las lámparas verdes y, por tanto, abarrotarán los Giardini durante toda la Bienal. Las lámparas que produzcan se venderán con una puja mínima de 250 euros y la recaudación se donará a proyectos de organizaciones no gubernamentales. “El movimiento de masas y la migración”, afirmó el artista, declarándose honrado de participar en la Bienal, “son los grandes retos del mundo actual: afectan a millones de personas de todo el planeta”. Luz verde pretende ser una modesta estrategia para canalizar los retos y responsabilidades que se derivan de la situación actual y poner de relieve el valor del trabajo y el pensamiento colaborativos".

Olafur Eliassion, Luz verde . Un taller artístico. Foto Fotografía: Francesco Galli. Cortesía de La Biennale di Venezia.

8. Roberto Cuoghi, Imitación de Cristo
Tres artistas han sido seleccionados para el Pabellón de Italia de este año (para el que se ha elegido el título Il mondo magico (El mundo mágico), comisariado por Cecilia Alemani): entre ellos se encuentra el emiliano Roberto Cuoghi (Módena, 1973), que regresa a la Bienal exponiendo la sombría instalación Imitazione di Cristo (Imitación de Cristo). Inspirándose en el texto medieval del mismo nombre, que invitaba al espectador a abandonar las cosas mundanas y seguir una vida inspirada en el camino de Jesús, Roberto Cuoghi propone una serie de “figuras devocionales” que resultan de un proceso de transformación de la materia y que se sitúan en un espacio que recuerda a un taller en el que se crean estas figuras. Un laboratorio en el que los trabajadores están continuamente creando estas extrañas esculturas, cuerpos que primero son modelados y después sometidos a un proceso que pretende lograr su descomposición. Un ciclo continuo de nacimiento, muerte y regeneración que crea imágenes que nunca son las mismas (“produciendo una disociación que parece concernir a nuestro presente”, explica el comisario) pero sobre todo de fuerte impacto, como las que pretendían inspirar sentimientos místicos a los observadores del pasado.

Roberto Cuoghi, Imitación de Cristo (2017). Ph. Crédito: Federica Forti.

9. Mark Bradford, Mañana será otro día
La instalación de Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) para el Pabellón de Estados Unidos (comisariado por Christopher Bedford y Katy Siegel) se titula Tomorrow is another day (Mañana será otro día) y transforma el pabellón en una especie de cueva que muestra, como explica el artista, su “interés por la gente marginada, su vulnerabilidad y resistencia, y el continuo ciclo de amenaza-esperanza de las promesas sociales incumplidas de Estados Unidos”. Una obra que llega en un momento muy delicado de la historia de Estados Unidos y que habla de “ruina, violencia, acción, posibilidad, ambición”, pero también de “fe en la capacidad del arte para involucrarnos en conversaciones urgentes y profundas y quizá incluso en acciones”. Esta narración toma la forma de una angustiosa instalación abstracta que asalta el espacio del Pabellón de EE.UU., arruinándolo y deteriorándolo, y continúa con las obras, a veces sombrías y a veces abiertas a un hilo de esperanza, con las que Bradford prosigue su exposición.

Mark Bradford, Mañana será otro día (2017). Ph. Crédito: Francesco Galli. Cortesía de La Biennale di Venezia.

10. Xavier Veilhan, Estudio de Venecia
Encargado a uno de los artistas franceses contemporáneos más interesantes, Xavier Veilhan (Lyon, 1963), el Pabellón de Francia se ha transformado por completo en unaobra de arte inmersiva, titulada Studio Venezia. A través de elementos geométricos de madera y planos que se entrecruzan, típicos de su firma estilística, Veilhan crea un entorno de atmósfera onírica, vagamente surrealista pero también dadaísta (la referencia más inmediata es el Merzbau de Kurt Schwitters, según ha explicado el propio artista), que durante toda la Bienal será una especie de estudio de grabación, ya que acogerá a músicos de todo el mundo que se alternarán con instrumentos musicales, haciendo de Studio Venezia un entorno sonoro capaz de fusionar diferentes formas de arte: escultura, arquitectura, pintura, música.

Xavier Veilhan, Estudio Venecia (2017). Ph. Crédito: Francesco Galli. Cortesía de La Biennale di Venezia.

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