La oveja de Damien Hirst. Reflexión sobre el sentido del arte

La noticia de que el inglés Damien Hirst expondrá una de sus ovejas en form ol en Icastica, una exposición que se celebrará en Arezzo dentro de un par de semanas, ha causado un gran revuelo. Seamos claros: la operación de Hirst, acostumbrado a colocar animales muertos bajo vitrinas llenas de formol, no es en absoluto nueva. Desde hace años, Hirst ha acostumbrado al público a obras de este tipo. Sin embargo, a pesar de la no novedad de la operación, Hirst sigue suscitando polémica: nuestro post en Facebook con el que relanzamos ayer la noticia, recibió casi trescientos comentarios, divididos entre los indignados, los indiferentes, los que consideran a Hirst un genio y los que lo consideran un vacilón.

Más allá de los juicios personales, estas operaciones nos ayudan en realidad a reflexionar sobre el sentido del arte. Empezando por cómo debe valorarse una obra para que pueda no sólo definirse como arte, sino pasar a formar parte de la propia historia del arte. Hirst no es un artista innovador: sigue una tendencia, la delarte conceptual, de la que no es más que uno de los últimos exponentes. Desde Piero Manzoni en adelante (aunque Manzoni no puede clasificarse estrictamente como artista conceptual, si bien fue un precursor de tales tendencias), la provocación ha sido uno de los aspectos que han caracterizado gran parte del arte conceptual. Si se quiere, la oveja de Hirst ya habría sido una obra superada en 1973, porque el año anterior, Gino de Dominicis “expuso” en la Bienal de Venecia a un niño con síndrome de Down que observaba, sentado, unas obras (y, por cierto: hoy probablemente sólo los aficionados al arte contemporáneo recuerden a De Dominicis, aunque sólo hayan pasado cuarenta y dos años desde el suceso y dieciséis desde la muerte del artista). Por eso también parece disparatada la comparación que muchos hacen entre artistas como Hirst y Cattelan con otros como Caravaggio y Monet: muchos los ponen al mismo nivel. Sin embargo, una de las características que distinguen a los genios de los que no lo son (por desagradable y comercial que resulte el término “genio”, pero dado su uso generalizado, es imposible no abordar el tema), es laoriginalidad: por eso Caravaggio y Monet eran genios. Porque fueron los primeros en inventar un lenguaje y en romper ciertos esquemas. Duchamp fue un genio, nos guste o no su arte, porque fue quizás el artista que demostró, con una obra que suscitó infinitas polémicas (y sigue haciéndolo cien años después), uno de los supuestos en los que se basa el arte, a saber, laoriginalidad de la idea.

Junto a ellos, hay un grupo más amplio de artistas que han pasado a la historia del arte por haber sido capaces de reelaborar las realizaciones de los grandes maestros adaptándolas o fusionándolas con sugerencias diferentes para crear su propio camino personal. Y en este sentido, los nombres abundan. ¿Pueden los artistas conceptuales de hoy entrar en esta categoría? ¿Hasta qué punto la provocación puede definirse como arte? Sería interesante introducir otro elemento de reflexión, el del mensaje de la obra. Lo que quizás distingue a un artista de un buen vendedor (al fin y al cabo, hay una gran parte del marketing que se basa precisamente en la provocación que pretende que se hable de un producto para que adquiera valor) es la capacidad de conseguir que la provocación sirva para estimular la reflexión sobre un contenido, sobre un mensaje, más que sobre la propia provocación y su forma. Casi nadie cuestiona el mensaje de las obras de Hirst, Cattelan, Vanessa Beecroft o similares, precisamente porque la provocación llevada al extremo prima sobre cualquier contenido y genera debate no sobre el fondo, sino sobre la forma. ¿Es esto también una forma de arte? Probablemente. Pero entonces, si esta es la hipótesis, los publicistas que inventaron la imagen del David de Miguel Ángel armado con un fusil también son artistas. Fue el propio Duchamp quien enseñó, en contra de las apariencias, que no basta con tomar cualquier objeto y llamarlo “obra de arte” para crear una obra de arte. De lo contrario, todos seríamos artistas. Hay quien dice que cuando Hirst, Cattelan u otros suscitan mucha polémica, consiguen su objetivo. Y nosotros les hacemos el juego. Pero la pregunta es: ¿cuál es su objetivo? ¿A qué juegan? Probablemente, hacer que la gente hable de sí misma, ya que casi nunca hablan del significado de sus obras. Entonces, si el objetivo de sus operaciones es hacer que la gente hable de ellos, ¿cuál es la línea que separa el arte del marketing?

Hay otro punto sobre el que reflexionar. En su ensayo (en forma de diálogo) El crítico como artista, Oscar Wilde atribuía una mayor capacidad creativa al crítico de arte que al propio artista. Un mensaje más actual que nunca: basta pensar en cómo nació la Transavanguardia, un movimiento creado prácticamente sobre la mesa de dibujo en los años ochenta por uno de los críticos más influyentes de la época (y de la actualidad), Achille Bonito Oliva. Tanto es así que a menudo se considera que el verdadero protagonista de la Transavanguardia, que reúne en gran medida a artistas sin formación artística propiamente dicha, es el crítico de arte que dio origen al movimiento. Un movimiento que, sin su engorroso crítico de arte, probablemente ni siquiera habría existido. Para los artistas actuales, el argumento no cambia: son aclamados y promovidos por los críticos y sin los críticos probablemente ni siquiera existirían. Aquello de lo que hablaba Wilde a finales del siglo XIX sigue siendo hoy una realidad cotidiana, y hoy la crítica tiene probablemente un poder mucho mayor que el arte. La historia, sin embargo, nos ha demostrado cómo la crítica y la historia del arte no van de la mano. Basta pensar en Lorenzo Lotto, que al final de su carrera se vio obligado a retirarse a un convento porque no tenía suficiente para vivir, ya que su arte no era comprendido y el artista siempre tenía que trabajar en centros periféricos, a veces sin poder ganar lo suficiente para una subsistencia digna. Hoy, sin embargo, Lorenzo Lotto es reconocido como uno de los grandes nombres de la historia del arte.

Por último, una nota de carácter más “práctico”, si se me permite el adjetivo. Arezzo cuenta con un espléndido Museo de Arte Medieval y Moderno, totalmente infravalorado (¡ni siquiera tiene página web propia!), y sin embargo rico en importantes obras de grandes artistas locales y no locales (sólo entre los artistas locales podríamos citar a Luca Signorelli, Bartolomeo della Gatta y Giorgio Vasari). La última exposición digna de mención, de las organizadas en sus locales, es quizá la gran exposición sobre Piero della Francesca en 2007, que en Finestre sull’ Arte también habíamos visitado (aunque el sitio nacería sólo dos años después). Fue una de las mejores exposiciones de los últimos diez años, y podría haber sido un trampolín para lanzar el museo y la propia ciudad, convirtiéndola en una especie de Forlì de la Toscana, en lo que a promoción del arte y exposiciones se refiere. En lugar de eso, prefirieron centrarse en elarte contemporáneo, pero no basta con provocar con operaciones fáciles como las de Hirst para poder llamarse contemporáneo. También porque se puede ser contemporáneo realzando lo antiguo: todo el mundo recuerda la exposición sobre Piero della Francesca, siete años después. Casi nadie se acuerda de la última (y primera) edición de Icastica. Y las cifras hablan por sí solas: la exposición sobre Piero registró 160.000 visitas, la última edición de Icastica poco más de 20.000. Así que, si un modelo funciona, ¿por qué no replicarlo y mejorarlo?

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