¿Cuánto cuestan las obras de Artissima 2023? Nuestra selección de 15 obras, con precios

La 30ª edición de Artissima está a punto de arrancar: del 2 al 5 de noviembre, la feria de arte contemporáneo de Turín atraerá a miles de visitantes a la ciudad. El tema de este año es Relaciones de cuidado, concepto desarrollado en un reciente ensayo del antropólogo brasileño Renzo Taddei, profesor de Antropología en la Universidad Federal de São Paulo (Brasil), dedicado a formular una hipótesis para superar las crisis de nuestro tiempo, inspirándose en el pensamiento indígena amazónico. Cuatro secciones de la feria(Main Section, New Entries, Monologue/Dialogue y Art Spaces & Editions), tres secciones comisariadas(Drawings, Present Future y Back to the Future), 181 galerías, cientos de obras.

El objetivo último de toda feria de arte es, obviamente, vender, reunir a galeristas y coleccionistas. Artissima es una de las pocas ferias que dispone de un catálogo en línea donde se pueden ver los precios de las obras, aunque no de todas (de hecho, para la mayoría de las obras el precio es “bajo pedido”). Hemos recorrido las galerías seleccionando algunas obras interesantes, muchas de las cuales tienen un precio bajo pedido, y por ello proponemos una selección para cada rango de precios, reuniendo piezas de galerías que nos han permitido publicar pedidos (de hecho, hay artistas y galerías a los que no les gusta que se publiquen los precios de sus obras). He aquí, pues, nuestra selección de quince obras, cada una con su precio (o rango de precios).

1. Camille Benarab-Lopez, Signes (2023). Presentado por la Galerie Chloe Salgado. Precio: 900 euros

Nacida en París en 1989, Camille Benarab-Lopez es una de las artistas más... económicas de la feria. Escultora, crea obras que mezclan figurativismo y abstracción, dando forma a piezas que surgen directamente de su imaginación. “Camille Benarab-Lopez”, escribió la crítica Margaux Bonopera, “no produce imágenes, sino que utiliza las de otros más por fascinación que por facilidad. Así, acumula diversos documentos cuyas distintas fuentes confieren a sus obras un estatuto ambiguo. Ya sean esculturas o pinturas, sus obras intentan crear entidades funcionales y coherentes que, como la memoria, funcionan a través de fragmentos, reinterpretaciones y reescrituras”. Signes es una nueva serie de pequeñas obras que la artista presenta por primera vez en Artissima.

2. Shamilla Aasha, Indelible Marks 2 (2023). Presentada por la galería First Floor. Solicitud: 1.500 euros

Shamilla Aasha, nacida en Zimbabue en 1977, explora su origen multicultural como mujer shona e india que vive en la región de Matabeleland, en Zimbabue, desarrollando obras que abordan temas relacionados con la fusión de culturas y prácticas tradicionales y cómo afectan a la identidad, la espiritualidad y el estatus social de ella misma y de otras mujeres de su comunidad. Las obras de Aasha incorporan el tejido, el tapiz e interactúan con la idea y la historia de la pintura. Surgen como esculturas blandas, tapices hechos con objetos encontrados y bordados abstractos. Ella los describe como objetos sagrados, una metáfora adecuada para sus narraciones. Esta metáfora se amplía cuando la artista utiliza patrones de papel, tejidos y costuras. Además de su práctica artística, Shamilla sigue fomentando la creatividad a través de su Asha Children’s Trust, una organización dedicada a crear espacios seguros para que los jóvenes creativos crezcan y prosperen fuera del sector de la educación formal.

3. Giulia Poppi, Iridescent Compenetration (2023). Presentado por Fuocherello. Solicitud: 4.000 euros

Título de la obra tomado de Giacomo Balla para la escultura de la artista modenesa Giulia Poppi, nacida en 1992. La presenta Fuocherello, galería que debuta en Artissima en la sección Nuevas Entradas presentando nuevas obras de Andrea di Lorenzo y, precisamente, de Giulia Poppi. Las obras de Giulia Poppi pretenden actuar sobre la percepción del espacio circundante trabajando con formas escultóricas que a menudo se extienden más allá de los límites físicos del propio objeto. En Artissima, Poppi presenta una serie de esculturas, WEICHWEISSWEICH, creadas en Carrara, y formadas bajo las violentas presiones del agua y los quintales de mármol en su ciclo de uso en la cantera, donde la artista las recupera. En contraste con su naturaleza violenta y testigo de profundos cambios y cicatrices paisajísticas, a pesar de ser de hierro, parecen formas ligeras, suaves y familiares. Además de ser una referencia explícita a la industria del automóvil, tan relevante en el contexto de la ciudad de Turín y de la realidad industrial que es la cuna de la galería, su colorido pretende confundir todo el proceso robando la librea... a los escarabajos.

4. Coady, Bauhaus 1 (2023). Presentado por Sandwich. Solicitud: 4.850 euros

Coady es un artista que vive y trabaja en Melbourne, Australia, y que explora cuestiones socio-psicológicas, cuestionando nuestra autopercepción y la precariedad de nuestra estructura mental moderna. La exploración del estado de ánimo y de las oscilaciones entre estados mentales maníacos y concentrados es fundamental en la práctica de Coady. Su obra cuestiona cuestiones como nuestra dependencia de las drogas y la complejidad de entendernos a nosotros mismos en tiempo real. Técnicamente complejas y detalladas, las “esculturas píldora” de Coady reflejan un estado mental controlado y tranquilo y nos hablan de la frontera entre el control y la pérdida de control, la realidad y la ficción, el bienestar y la mala salud. Obras de gran precisión técnica, pretenden señalar de inmediato lo que antes podría habérsenos pasado por alto, pues a pesar de la presencia habitual de pastillas en nuestras vidas para atajar rápidamente todo tipo de dolores y molestias, la sutil elegancia de su diseño podría habérsenos escapado inadvertidamente hasta que toda su funcionalidad ha sido magnificada y sometida a cierto grado de parodia.

5. Andrea Sala, Manta del Parque Nacional (2023). Presentada por Federica Schiavo. Solicitud: 6.000 euros

El dibujo siempre ha sido una parte fundamental de la práctica artística de Andrea Sala, entendido como la principal herramienta para explorar las formas que componen la realidad pero también las posibilidades de abstracción y comprensión de aquellos elementos que por su propia naturaleza no son aptos para la escultura. National Park Blanket es la última serie de dibujos realizada por Sala: la artista parte del estudio de mantas pertenecientes a la historia de pueblos de diferentes orígenes. “Me intrigaba”, dice la artista, “el papel social que aún se puede atribuir a las mantas y empecé a imaginarlas como un despliegue capaz de catalizar acciones, pensamientos y objetos que pertenecen a la vida cotidiana y que se convierte en paisaje entendido como un sistema dinámico que ha actuado en el tiempo y actúa en el presente y lleva todas sus huellas”.

6. Marius Steiger, Naturaleza muerta (Juguetes, Frutas, Flores, Corazones, Mariposa y Esferas) (2023). Presentada por Blue Velvet Projects. Solicitud: 12.000 euros

Nacido en 1999, el artista suizo Marius Steiger es uno de los jóvenes artistas más interesantes presentados en Artissima. Actualmente estudia pintura en el Royal College of Art. Su obra explora cuestiones de identidad, autenticidad, artificialidad, consumismo y la relación del ser humano con la tecnología moderna. Crea obras que combinan narraciones reales con ficción en un lenguaje visual austero pero romántico, cuestionando irónicamente la búsqueda de la perfección. La estética general de sus particulares bodegones... deconstruidos, que recuerda en cierto modo a las obras del estadounidense Wayne Thiebaud, transmite el mundo digital remitiendo a la pantalla a través de la iluminación de los motivos y la fisicidad de la superficie. Los precios varían mucho: el gran bodegón de dos metros que mostramos aquí es la obra más exigente, mientras que los formatos más pequeños (30 x 25) pueden llevarse a casa por 1.800 euros.

7. Simone Forti, Animación de noticias (2012). Presentada por Raffaella Cortese. Solicitud: 13.000 euros

Nacida en Florencia en 1935, Forti es una de las grandes protagonistas de la performance contemporánea de los últimos cincuenta años. Artista, coreógrafa, bailarina y escritora, Forti se ha dedicado a la búsqueda de una conciencia kinestésica, siempre comprometida con la experimentación y la improvisación. Investigando la relación entre objeto y cuerpo, a través de estudios de animales, apunto de “animación de noticias” y retratos de paisajes, ha reconfigurado el concepto de espectáculo y danza. Raffaella Cortese trae varias “animaciones de noticias” de Simone Forti, que representan su forma de ver las noticias y las cuestiones sociopolíticas-mundiales en general, que se convierten en un pretexto para explorar el lenguaje y sus intersecciones con la danza, las imágenes y la música.

8. Alessandro Piangiamore, Yesterday Ikebana 080320191 (2019). Presentado por Magazzino. Solicitud: 16.000 euros

YesterdayIkebana de Alessandro Piangiamore es una serie, iniciada en 2018, de esculturas realizadas vertiendo hormigón sobre un arreglo de flores frescas desechadas en los mercados de la ciudad y en las calles. El resultado final, siempre impredecible, pretende enfatizar el contraste entre la elusiva fragilidad de las flores y la dureza del hormigón, cristalizando lo efímero en una especie de naturaleza muerta grabada. La naturaleza escultórica de la obra se reinterpreta a continuación a través de una representación pictórica, ya que los “Ikebana Yesterdays” se cuelgan verticalmente en una pared.

9. Marco Cingolani, Maison Nicolas Flamen (2022). Presentado por Thomas Brambilla. Solicitud: 20.000 euros

Thomas Brambilla presenta en Artissima las nuevas obras de Marco Cingolani, protagonista absoluto de la pintura italiana desde los años 90 hasta hoy. Para estas nuevas obras, Cingolani parte de una cita de las Metamorfosis de Ovidio para describir la Edad de Oro: “La Edad de Oro fue la primera, entonces no había ni dolor ni tristeza [...] Los primeros hombres, creados por los dioses, vivieron en la época de Krónos. Era la edad de oro, y el mundo estaba acunado en una eterna primavera. La tierra producía espontáneamente sus frutos, sin necesidad de ser tocada por el rastrillo, ni desgarrada por las rejas del arado. Los céfiros acariciaban las flores nacidas sin semilla, las cosechas y los campos estaban siempre amarillos de espigas, y ríos de leche y néctar fluían sobre la tierra”. La Edad de Oro se describe como una época en la que no existían el sufrimiento ni el trabajo, en la que nunca faltaba el alimento y en la que todos podían vivir en armonía con la naturaleza, y sólo terminó cuando Zeus destronó a Crono, provocando así un lento declive de la Humanidad. La obra de Ovidio retomó este tema para promover el reinado del emperador Augusto y difundir la idea de un retorno al antiguo esplendor tras el periodo de terribles guerras civiles del final de la República. A lo largo de los siglos, muchos artistas, siguiendo el ejemplo de Ovidio, retomaron este tema en sentido alegórico y simbólico y, sobre todo en pintura, fue reinterpretado de diferentes maneras y adaptado según concepciones espirituales y sociales. Marco Cingolani, en esta nueva serie de cuadros compuestos por calcos de pigmentos dorados y trazos de color, ha querido hacer precisamente eso: a partir del relato de Ovidio, ha retomado y reinterpretado la Edad de Oro y nos presenta ahora un nuevo comienzo. De hecho, Cingolani se ha alejado del figurativismo inicial que le hizo tan famoso en los años ochenta y noventa, aunque sigue siendo claramente reconocible el mismo dominio del color y la presencia de las siluetas apenas perceptibles que siempre han aparecido en sus obras.

10. Itamar Gov, Amado refugio de todos los extraños (2023). Presentado por Zilberman. Solicitud: 25.000 euros

La instalación de Itamar Gov, artista israelí nacido en 1989, retoma las palabras del historiador bizantino Niketa Choniates, que arremetió contra la devastación de Constantinopla por los cruzados durante la Cuarta Cruzada en 1204: “Oh Ciudad Imperial, Ciudad Fortificada, Ciudad del Gran Rey, tabernáculo del Altísimo, alabanza y canción de sus siervos y refugio amado de los extranjeros, reina de las reinas de las ciudades, canción de canciones y esplendor de esplendores, y de la más rara visión de las raras maravillas del mundo, ¿quién es el que nos ha arrancado de ti como a hijos queridos de su madre adoradora? ¿Qué será de nosotros?”. La instalación monta las palabras de Choniates sobre un andamio, que recuerda los letreros de los tejados de los viejos hoteles. El letrero, sin embargo, pretende mantener una ambigüedad subyacente: su colocación -desvinculada de cualquier función pragmática y situada en una habitación cerrada en lugar de brillar en un tejado alto- atestigua un cierto fracaso, un compromiso que no puede realizarse plenamente, señalando el abismo entre la promesa de un refugio para todos los extranjeros y la realidad concreta que espera a esos extranjeros, lejos de lo que solía ser su hogar. Al abordar las intrincadas relaciones entre historia, ideología y estética, la práctica de Itamar Gov se centra en instalaciones escultóricas y espaciales junto con obras gráficas y de vídeo, y se comunica con diversas formas de memoria personal, colectiva e institucional. Al trabajar con un conjunto diverso de herramientas visuales y teóricas, el punto de partida de sus proyectos es un escepticismo investigador hacia las tradiciones culturales, las convenciones y los gestos que se consideran evidentes. Las obras de Gov se basan en una investigación continua y giran en torno a la intersección entre arte y política, poniendo de relieve la tensión entre lo conocido y lo supuesto y desafiando una frontera clara entre realidad y falsedad, memoria e imaginación.

11. Massimo Bartolini, Rocío (2022). Presentado por Magazzino. Solicitud: 30.000 euros

En esta selección de obras de Artissima no podía faltar el artista que representará a Italia en la próxima Bienal de Venecia: Massimo Bartolini. Uno de los raros “grandes nombres” cuyos precios se publican en el catálogo de Artissima: mérito de Magazzino que es una de las pocas galerías (así como una de las muy raras que proponen artistas consagrados) que apuesta por esta estrategia. En Magazzino se ofrecen varias obras: una de las más recientes es Rugiada, obra de 2022 realizada con esmalte sobre aluminio, pero perteneciente a una serie en la que Bartolini lleva trabajando varios años y que también expuso recientemente en la gran muestra individual Hagoromo celebrada el año pasado en el Centro Pecci de Prato. Rugiada es una serie de pinturas en las que una lámina de aluminio se cubre con un color iridiscente y luego con una emulsión artificial que simula el rocío. “Aunque puedan parecer formas abstractas, estos monocromos remiten a uno de los temas principales de la obra de Bartolini: el paisaje natural”, explica el comisario Luca Cerizza en el texto de Hagoromo. Como sugiere el título, los “rocíos” pueden leerse como ventanas en las que se ha depositado el rocío y desde las que se ve un paisaje cambiante, al igual que el color de los cuadros cambia con el movimiento del espectador. Estas obras ponen en escena una tensión entre la bidimensionalidad de la pintura y la tridimensionalidad de la escultura, entre el fondo (el paisaje) y el primer plano (el rocío), entre el movimiento y la inmovilidad".

12. Marinella Senatore, Make it shine (2023). Presentado por Mazzoleni. Solicitud: 50.000 euros

Entre los nombres más reconocidos del arte contemporáneo italiano, Marinella Senatore está presente en el Mazzoleni con instalaciones y algunos polípticos como este Make it shine. Las interconexiones entre espacios dedicados al encuentro, como las plazas, y el poder transformador del compromiso social son algunas de las claves de la obra de Marinella Senatore, que basa su práctica creativa en la estética de la resistencia. Sus obras luminosas y de neón se centran en la comunidad y en el poder transformador del arte y la participación. Son obras que pretenden celebrar a los individuos y las comunidades a través del empoderamiento y el poder de la luz, como en el caso de sus lámparas de techo. El intento de capturar la energía de la luz también se plasma en los collages: partituras musicales, fotografías, bocetos y siluetas en movimiento se extrapolan de momentos de la Escuela de Danza Narrativa, su proyecto participativo más conocido puesto en marcha en 2012, en el que durante más de una década han participado 8 millones de personas en 23 países.

13. Gilberto Zorio, Memoria en pergamino (2021). Presentada por Lia Rumma. Petición: entre 120 y 150.000 euros

Lia Rumma trae, como siempre, a uno de sus artistas de referencia, Gilberto Zorio, gran exponente del Arte Povera. Gilberto Zorio crea obras de arte que plasman procesos químicos, transformaciones mecánicas e intercambios de energía alusivos a la evolución y a la existencia humana. Zorio utiliza un vocabulario visual específico y muy reconocible, el de las estrellas de cinco caras, que en su arte se convierten en símbolos de movimiento, energía y transformación. En consonancia con los principios del Arte Povera, utiliza en sus obras materiales tradicionalmente no artísticos, como metal de andamiaje, espuma y piel de vaca. Memoria en pergamino, en la que la ya clásica estrella de acero se fija sobre un fondo irregular de pergamino, es una de las obras más recientes del infatigable maestro piamontés, nacido en 1944.

14. 14. Leandro Erlich, La nube - Caballo (2023). Presentado por Galleria Continua. Precio: 175.000 euros.

También se expone este año en Artissima una de las ya famosas Nubes de Leandro Erlich, presente en la feria tras el éxito de la exposición de Milán. La serie Nubes “se ha ido modificando con el tiempo, cambiando y transformándose como lo hacen las nubes”, dice Erlich. “En aquel momento estaba trabajando en un proyecto para un edificio en Japón y necesitaba crear pantallas que detuvieran el viento. Mis primeros intentos dieron lugar a la primera Nube, un compuesto de varias láminas de vidrio que, vistas desde el ángulo adecuado, aparecen como una imagen tridimensional. Aunque a veces planifico una obra desde el principio y sé hacia dónde me dirijo mientras trabajo, esta serie fue una experiencia continua en la que surgió la nube. No creo que un enfoque sea superior al otro, el proceso intuitivo de creación frente al plan completo, pero hay algo en esta experiencia más nebulosa y fortuita que aprecio como artista. Como una idea, la nube es a la vez totalmente real e ilusoria. Las nubes atmosféricas siempre han sido una pantalla para la proyección humana, pero al mismo tiempo no son más que un acontecimiento momentáneo, lo que el escritor Jon Mooallem llama una ”conspiración de vapor“. Sin embargo, seguimos mirando al cielo en busca de signos, de señales. Vemos lo que imaginamos y sentimos conectado a nuestra interpretación, como el test de Rorschach o las intenciones de otras personas o tantas otras cosas de las que nos apropiamos con la mente”.

15. Lucio Fontana, Conceptos espaciales. Presentado por Tornabuoni Arte. Precio: entre 800.000 y 2.600.000 euros.

Terminemos con un nombre que no necesita presentación. Tornabuoni Arte trae gran arte del siglo XX a Artissima, y también hay tres espléndidas piezas de Lucio Fontana, todas colgadas juntas en la misma pared: tres Conceptos Espaciales, pertenecientes a las series de Cortes (le Attese) y Agujeros. Los precios son, obviamente, de los más altos de la feria.

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