Bienal de Venecia 2024, los 10 mejores pabellones nacionales en nuestra opinión

La Bienal de Venecia se prepara para abrir al público su 60ª Exposición Internacional de Arte, titulada Stranieri Ovunque - Extranjeros por todas partes, comisariada por Adriano Pedrosa y producida por la Biennale di Venezia. El evento tendrá lugar desde los Giardini hasta el Arsenale, abierto al público del 20 de abril al 24 de noviembre de 2024. La entrega de premios y la ceremonia de inauguración tendrán lugar mañana sábado 20 de abril de 2024, tras la tradicional preapertura de tres días, del 17 al 19 de abril. Rica, como siempre, la oferta de los pabellones nacionales. Y después de tres días de visitas y comparaciones entre colegas, ¿cuáles son los mejores pabellones? He aquí la lista de los que nos han parecido más interesantes: los 10 mejores pabellones de la Bienal 2024 según Finestre sull’Arte.

10. Azerbaiyán

El pabellón de Azerbaiyán está situado justo enfrente del Arsenale y presenta un proyecto, comisariado por Anna Melikova y Luca Beatrice, con obras de tres artistas: los expertos Irina Eldarova y Rashad Alakbarov y la joven Vusala Agharaziyeva. Eldarova presenta una serie de obras protagonizadas por Marilyn Monroe atrapada en una serie de escenas con un obrero azerbaiyano, casi como si narrara una historia de amor imposible, Agharaziyeva nos lleva al “Planeta Rosa” que da título al proyecto(From Caspian to Pink PLanet: I am Here), mientras que Alakbarov firma el tercer momento(I am here) con una instalación que sorprende en el final. El recorrido habla de temas como la identidad y la migración, y conduce al “Planeta Rosa”, una especie de destino final que nos hace sentir extraños dentro de nuestras propias existencias. Buenas pinturas, excelente narración, las obras de los tres artistas combinan muy bien.

9. Turquía

Un mundo en peligro, los vestigios de una civilización afectada por guerras, catástrofes naturales, peligros y calamidades varias. Este es el que narra Gülsün Karamustafa en el Pabellón de Turquía, compuesto por obras escultóricas, una película y una gran instalación sonora. El proyecto se titula Hollow and Broken: A State of the World. Lo más llamativo son las grandes columnas, signos de un mundo en ruinas. Columnas que, si se observan más de cerca, son en realidad moldes de plástico: la elección del material se hizo para sugerir al público una idea contraria a la que suele asociarse con la gloria y el poder. Elementos espaciados, ambiente en penumbra, sonido sombrío: un proyecto que consigue sus objetivos evocando las sensaciones que se propone.

8. Albania

En una Bienal en la que se ve muy poca pintura occidental (de hecho, la pintura está casi ausente de los pabellones nacionales: sin embargo, siempre es el medio preferido de los coleccionistas...), uno de los raros casos es el de Iva Lulashi. ), uno de los raros casos es el de Iva Lulashi, un nombre bien conocido en nuestras latitudes, ya que vive en Italia desde su infancia y aquí se formó artísticamente. Desde hace años en escena, llega a Venecia con un corpus de obras (algunas ya presentadas en el pasado, otras pintadas ex novo) dedicadas al sexo y al deseo femenino dentro de un pabellón que se ha montado recreando las dimensiones cúbicas de su estudio, para aumentar la sensación de intimidad que las obras quieren evocar (el título del proyecto es El amor como un vaso de agua, comisariado por Antonio Grulli). Nacida en 1988, Lulashi es una de las mejores pintoras italianas de su generación, y el Pabellón de su país natal es una especie de consagración de su apreciada obra: habrá que ver en el futuro si su arte, ya de excelente nivel, consigue abrirse camino.

7. Croacia

Croacia se presenta con un romántico proyecto de Vlatka Horvat, titulado By the means at hand, comisariado por Antonia Majaca. La artista croata ha creado una exposición de artistas que viven “como extranjeros”, siguiendo así el tema principal de la edición 2024 de la Bienal. Pidió a cada uno de ellos, amigos y colegas, una obra, para enviarla a Venecia a través de un mensajero especialmente elegido (es decir, no a través de mensajería o medios modernos de envío). De hecho, las obras se llevan a mano, y Horvat pidió a cada artista que hiciera una foto del momento de la entrega al improvisado mensajero, captando sólo sus manos. A cambio, Horvat ofrece a cada uno de los participantes su propia obra con temática veneciana. El proyecto, por tanto, insiste no sólo en el tema de sentirse “extranjeros en todas partes”, sino también en el valor del encuentro y el intercambio. El montaje es excelente, ligero y delicado, y la exposición brinda la oportunidad de ver muchas facetas del tema de la Bienal.

6. Estados Unidos

Por primera vez, un artista nativo protagoniza un proyecto monográfico en el Pabellón de Estados Unidos(The space in which place me, comisariado por Abigail Winograd y Kathleen Ash-Milby). Se trata del cherokee Jeffrey Gibson, conocido por sus coloridas obras, que también ha traído a la Bienal para crear una narrativa que combata los estereotipos contra los nativos americanos, pero también contra la comunidad LGBTQ+. También pretende luchar contra la “cromofobia”, como él la llama, del arte contemporáneo a través de una explosión de colores que invade todos los espacios del pabellón, incluso el exterior: de hecho, la fachada está completamente cubierta. En el interior, altas esculturas, patos de colores e incluso una película sobre los temas del proyecto.

5. Uzbekistán

El pabellón uzbeko es muy poético, con el proyecto Don’t miss the cue, un monográfico de la artista Aziza Kadyri, que imagina las bambalinas de un teatro (el pabellón se encuentra de hecho en el Teatro delle Tese, en el Arsenale) para investigar las experiencias de las mujeres centroasiáticas y el modo en que piensan sobre su identidad durante el proceso migratorio. Así, el pabellón se concibe como un viaje a la identidad de la mujer uzbeka: el azul, color de la tradición, está omnipresente, al igual que el suzani, el bordado uzbeko. El final es impresionante, y la perspectiva del visitante cambia por completo.

4. Dinamarca

Rise of the sunken sun es el título del proyecto del pabellón danés, que por primera vez cuenta con un artista nativo de Groenlandia, el fotógrafo Inuuteq Storch. Comisariada por Louise Wolthers, se trata de una exposición en el sentido tradicional del término: muestra las fotografías que Storch lleva tiempo tomando en su tierra natal para explorar los paisajes, las gentes, la forma en que las comunidades locales se relacionan con Dinamarca, pero también el pasado colonial de esta tierra. Todo ello se complementa con una instalación, el “sol ahogado” que da título al pabellón, y que revela otros significados. También hay que señalar que la palabra “Dinamarca” de la fachada del pabellón se ha sustituido por “Kalaallit Nunaat”, que significa “Groenlandia” en la lengua local.

3. Suiza

Bienvenidos a la apoteosis de la estética camp: con su obra Civilizaciones Superiores, comisariada por Andrea Bellini, el director Guerreiro do Divino Amor se burla de todos los estereotipos que siempre han rodeado a Suiza. Entre esculturas kitsch, héroes mitológicos transportados a los Alpes, mundos de ensueño y hordas de transexuales convertidos en bizarros oficiantes, Guerreiro do Divino Amor invita al público a tomarse menos en serio el nacionalismo y los chovinismos varios con un cortometraje para ver de principio a fin, con la nariz hacia el cielo (la estructura es peculiar: una gran cúpula dentro del pabellón suizo, y la película se proyecta sobre la cúpula, como si fuera un gran fresco, exactamente igual que los que se pintaban hace siglos para celebrar y no para demoler, para deconstruir). Las cómodas tumbonas instaladas en el pabellón facilitan la operación.

2. España

Este año, el Pabellón de España se ha montado como un museo: el proyecto se llama Pinacoteca Migrante y presenta una distribución y división de salas similares a las de una galería de arte normal. Sólo que esta pinacoteca cuenta, con las obras de Sandra Gamarra Heshiki, el pasado colonial de España. Primero con paisajes que imitan las pinturas de los grandes museos españoles, luego con una especie de Wunderkammer formado por objetos que cuentan las historias de colonizadores y colonizados, después con una muestra de obras que intentan comprender cómo se originó el racismo, y luego obras sobre el tema de la migración y mucho más. Como en muchos museos, cada sala tiene un tema. Y, en medio del museo, hay también un jardín secreto especial. Ya se ha dicho que en esta Bienal se ve muy poca pintura, y la de Sandra Gamarra Heshiki está entre las mejores obras.

1. Francia

Le titre du projet est très long: Attila cataracte ta source aux pieds des pitons verts finira dans la grande mer gouffre bleu nous nous noyâmes dans les larmes marées de la lune. La obra es del parisino, nacido en Martinica, Julien Creuzet, y está comisariada por Céline Kopp y Cindy Sissokho. Es una obra de arte total: esculturas de cerámica y cuerda (como las que hemos visto en el pasado, pero que en conjunto funcionan muy bien aquí), vídeos, una instalación sonora que pone música al largo poema de Creuzet que da título al pabellón. Una experiencia envolvente e hipnótica para hablar de la descolonización (tema principal de esta Bienal) de una manera que no es ni pedante ni didáctica, sino poética. Descolonización, en esencia, como repensar en lugar de reparar, parece querer decir Creuzet. Ser visitado dejándose llevar por las olas del mar imaginado por Creuzet, un mar que baña tanto Martinica como Francia, tanto al colonizado como al colonizador.

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