Artissima, las 15 mejores obras: 5 artistas consagrados, 5 nuevos talentos, 5 obras que no hay que perderse

Hoy se ha abierto al público la edición 2017 de Artissima(aquí tienes los detalles y la información práctica): han acudido 206 galerías de 31 países, que han traído alOval Lingotto de Turín más de dos mil obras de setecientos artistas diferentes. Es difícil hacer una selección rápida y concisa: conscientes de que cualquier “resumen”, sobre todo si es tan breve, nunca será suficientemente completo, hemos intentado daros una idea, y os proponemos la selección de las quince obras más destacadas según Finestre sull’ Arte (media partner en especie de Artissima 2017). La hemos dividido en tres categorías: cinco obras de artistas ya consagrados y conocidos por el público, cinco obras de jóvenes talentos que darán que hablar en el futuro y cinco obras que no debes perderte en absoluto. No hemos tenido en cuenta las obras del actual Depósito de Arte Italiano, porque dedicaremos a este proyecto un enfoque aparte. Para ver el catálogo completo, le sugerimos que consulte www.artissima.it.

Artistas consagrados

1. Jan Fabre, Adelaarsboom (Gritos silenciosos, sueños difíciles) (1992; vidrio veneciano, tela, bolígrafo bic, metal y madera). Propuesta por: Mario Mauroner Contemporary Art - Salzburgo / Viena, Austria.

Adelaarsboom, en neerlandés, significa literalmente “Árbol de las Águilas”. Se trata de una obra perteneciente a una serie titulada Gritos silenciosos, sueños difíciles, en la que Jan Fabre (Amberes, 1958) pone en escena extraños teatrillos poblados por inquietantes figuras (en este caso las protagonistas son tres águilas una encima de otra) extraídas del mundo imaginario de una niña, Helena, una mujer que Fabre conoció realmente y que vivía en un mundo propio lleno de referencias simbólicas. Gritos silenciosos, sueños difíciles comenzó como una obra que formaba parte de una trilogía(Las mentes de Helena Troubleyn) dedicada precisamente a esta extraña figura femenina.

2. Maurizio Nannucci, Look (2005; neón, cristal de Murano rojo, 200 x 400 x 1,5 cm). Propuesta por: Enrico Astuni - Bolonia, Italia.

El gran letrero de neón de Maurizio Nannucci (Florencia, 1939) figura ya entre las obras más fotografiadas de la 24ª edición de Artissima. El neón es el medio típico del artista toscano, que lo utiliza para reflexionar sobre el lenguaje y su relación con el espacio en el que se inserta. “El neón”, afirma el artista, “me da la posibilidad de plasmar y transformar el espacio en sensaciones y conceptos que se acercan mucho al grado cero de la representación, al tiempo que abre nuevas perspectivas y horizontes de percepción e interacción con la realidad”. Y esta Mirada puede verse como una ... ¡invitación a mirar profundamente en las obras de Artissima!

3. Antony Gormley, Desmayo abierto (2015; escultura de hierro). Propuesta por: Galleria Continua - San Gimignano, Italia.

Tema típico del lenguaje del escultor inglés Antony Gormley (Londres, 1950), el hombre descompuesto en formas geométricas no tiene una identidad reconocible: podríamos decir que ese hombre nos representa a todos, y las diferentes formas que adopta pueden simbolizar las diversas situaciones a las que tenemos que enfrentarnos, los estados de ánimo que sentimos, las experiencias que vivimos a lo largo de nuestra existencia. “El arte”, dice Gormley, “es el medio a través del cual damos a conocer lo que se siente al estar vivo”. Y esto también se aplica al OpenSwoon (literalmente “desvanecimiento abierto”) que Continua ha traído a Artissima.

4. Mario Schifano, Nenúfares (1983). Propuesta por: Galleria de’ Foscherari - Bolonia, Italia

En Artissima también hay espacio para artistas ya historiados: entre ellos se encuentra uno de los máximos exponentes del pop art italiano, Mario Schifano (Homs, 1934 - Roma, 1998), de quien podemos encontrar entre sus cuadros estos Nenúfares, tema sobre el que el artista volvió varias veces. Una obra que se inspira en la historia del arte, y en particular en los Nenúfares de Monet, que en la obra de Schifano se transforman en flores de colores fuertes, casi violentos, como si aquellos nenúfares fueran testigos de los cambios históricos que han tenido lugar en los cien años que los separan de sus homólogos impresionistas.

5. Nanni Balestrini, Quindici (1969; collage sobre papel, 26,5 x 27 cm). Propuesto por: Frittelli Arte Contemporanea - Florencia, Italia

Nanni Balestrini (Milán, 1935) fue uno de los máximos exponentes del Gruppo 63 y encontrará en Artissima sus collages con los que reflexionaba sobre el futurismo, proponiéndose como una nueva vanguardia (sucediendo, además: y fue quizás la del Gruppo 63 la última verdadera vanguardia en la historia del arte italiano), junto con las obras de todos los artistas que participaron en aquel clima cultural (Lamberto Pignotti, Ketty La Rocca, Lucia Marcucci), traídas a Turín por Frittelli, es una espléndida manera de redescubrir una época fecunda de nuestra cultura. También porque muchas de las obras, incluidos los collages de la serie Quindici, pertenecen a ese periodo.

Nuevos talentos

1. Trigo de verano, Coreena (2016; pan de oro, resina y pintura acrílica, 175,2 x 121,9 cm). Propuesta por: Braverman Gallery - Tel Aviv, Israel.

La artista estadounidense Summer Wheat (Oklahoma City, 1977) no es ciertamente su primera aparición en escenarios importantes, pero es sin embargo una artista cuya carrera está en ascenso. Coreena, su obra llegada a Artissima, contiene todos los rasgos característicos de su estilo. Sin duda, el arte de Summer Wheat no es de una belleza clásica, pero contiene una gran energía, está impregnado de un erotismo casi chamánico, se caracteriza por una fuerza expresiva abrumadora y bebe en gran medida del arte tribal. En definitiva, de sus obras emana un arte intenso y sensual, y Coreena no es una excepción.

2. Simone Monsi, Transparent word banner (this website is so boring) (2016; perspex, steel, MDF; 135 x 200 x 12 cm). Propuesta por: Placentia Arte - Piacenza, Italia.

Uno de los artistas más jóvenes de Artissima, Simone Monsi (Piacenza, 1988) se presenta con una obra de la serie Transparent word banners: son frases extraídas de Tumblr, elegidas entre las más simples y banales pero al mismo tiempo más exitosas, luego descontextualizadas y traducidas en pequeñas letras de plexiglás. Un arte capaz de sumergirse inteligentemente en los problemas de la sociedad actual, y Monsi (este año, además, Placentia Arte organizó su primera exposición individual) se revela como un observador agudo, atento e inteligente.

3. Cosimo Veneziano, Días de un futuro pasado (2017; carboncillo sobre lienzo, 100 x 200 cm). Propuesta por: Alberto Peola - Turín, Italia.

Days of a Future Past es una de las últimas obras de Cosimo Veneziano (Moncalieri, 1983), presentada por primera vez este año en su segunda exposición individual, organizada por la galería Alberto Peola de Turín. El artista relee las imágenes propagandísticas del siglo XX para reflexionar sobre cómo la propia propaganda hace hincapié en la destrucción que presuponen los cambios que se producen en la historia: un proceso que encierra contradicciones (la que existe entre destrucción y novedad no es más que una: el artista reflexiona también sobre el desencuentro entre la magniloquencia de las representaciones, que pretenden celebrar un momento histórico, y al mismo tiempo la censura que caracteriza la actuación de muchos políticos). Veneziano, además, también fue seleccionado para el Deposito d’arte italiana presente.

4. Catherine Parsonage, Campari Spring (2017; lápiz, pastel y acuarela sobre papel Fabriano, 111 x 66 cm). Propuesta por: House of Egorn - Berlín, Alemania.

La joven artista Catherine Parsonage (Wirral, 1989), inglesa de nacimiento pero residente en Italia, ejecuta retratos que casi siempre tienen como tema principal el cuerpo femenino. “La práctica de la artista”, se lee en el catálogo de la sección Present future de Artissima, para la que Catherine Parsonage fue seleccionada, “cuestiona las nociones de género e identidad a través de un personal enfoque representativo de la corporeidad, deconstruido y basado en el uso del color. El cuerpo se expresa como una entidad en construcción [...]. Estos etéreos retratos evocan las actuales fricciones surgidas del giro digital, y sus delicados rasgos se hacen eco de la fragmentación de los cuerpos y sus imágenes como consecuencia de la ampliación de las posibilidades de reproducción, manipulación y circulación de las imágenes”.

5. Joanna Piotrowska, Sin título (2017; impresión en gelatina de plata, 120 x 95 cm). Propuesta por: Madragoa - Lisboa, Portugal.

La artista polaca Joanna Piotrowska (Varsovia, 1985) pidió a varias personas que construyeran una tienda de campaña, donde ellos quisieran, como las que hacían cuando eran niños para jugar, por ejemplo colocando una tela entre dos sillas. El resultado es una serie de fotografías, titulada simplemente Sin título y realizada entre 2016 y 2017, que pretende destacar, con el aspecto infantil que adquieren las imágenes, “las frágiles e íntimas contradicciones que subyacen a nuestra identidad” (así en el catálogo): la artista, en otras palabras, quiere subrayar cómo todos necesitamos siempre encontrar refugio o protección.

Obras que no hay que perderse

1. Nicola Samorì, La caída de los gigantes (2017; óleo sobre cobre, 70 x 50 cm). Propuesta por: Monitor - Roma, Italia.

Nicola Samorì (Forlì, 1977), uno de los artistas italianos contemporáneos más interesantes, ya presente en la Bienal de Venecia, propone un lenguaje que hunde sus raíces en el arte del siglo XVII (y también hace uso de técnicas tradicionales como el óleo sobre cobre) y lo reinterpreta (con figuraciones que no dejan de ser originales) sometiéndolo a goteos de materia, desgarros, quemaduras, como para poner de relieve el paso del tiempo y subrayar que una obra de arte, un icono que nos parece fijo en el tiempo, es en realidad un objeto que sufre un proceso normal de decadencia. Este año, sus contundentes y poderosas obras (y la galería Monitor ofrece una excelente selección en Artissima) se mostraron en una exposición individual en Pesaro.

2. Abdoulaye Konaté, Alep (2017; tapiz, 346 x 236 cm). Propuesta por: Primo Marella - Milán, Italia.

Un medio tradicional, el tapiz, para representar un drama contemporáneo: el artista maliense Abdoulaye Konaté (Diré, 1953) traduce la tragedia de Alepo en una obra textil. Cruces, estrellas y medias lunas como para decir que la violencia no hace descuentos a nadie, un rojo sangre que lo colorea todo (la tierra, los cuerpos tendidos en el suelo, los edificios), una especie de lluvia ardiente que cae del cielo. Es una de las obras más fuertes que encontramos en la edición 2017 de Artissima.

3. Giuseppe Penone, Piel de cedro. Hiedra (2007; cuero y bronce, 276 x 298 x 22 cm). Propuesta por: Tucci Russo Studio for Contemporary Art - Torre Pellice, Italia

Piel de cedro es una de las obras más famosas de Giuseppe Penone (Garessio, 1947), uno de los principales exponentes del Arte Povera. Es una reflexión sobre la naturaleza: se trata de un molde de una corteza de cedro hecho de piel. Animal y vegetal se convierten así en parte el uno del otro, implicándonos a nosotros, los espectadores de la obra, dando vida de nuevas formas a ese diálogo entre el hombre y la naturaleza que siempre ha distinguido el arte de Penone.

4. Jules de Balincourt, Truck stop blues (2016; óleo sobre panel, 61 x 50,8 cm). Propuesta por: Victoria Miro Gallery - Londres, Reino Unido.

Con el espíritu observador de un artista flamenco (y en cierta medida sus cuadros casi se parecen al arte flamenco tradicional), el francés Jules de Balincourt (París, 1972) mira la realidad con una mirada desencantada. No puedo pintar ramos de flores y fingir que todo es maravilloso. No me interesa", dice. Y su realidad se presenta en forma de pequeños paisajes cotidianos marcados por colores ácidos y violentos. Un poco como ocurre en este Truck stop blues, que casi nos transporta a una estación de servicio americana, de noche, con camiones entrando en el aparcamiento, a las notas melancólicas de Ry Cooder.

5. Jacqueline de Jong, La clique au bassin (Série Noire) (1981; óleo sobre lienzo, 86 x 105 cm). Propuesta por: Dürst Britt & Mayhew - La Haya, Países Bajos

Seleccionadas para la sección Regreso al futuro, las obras de Série Noire de Jacqueline de Jong (Hengelo, 1939) se inspiran en las películas de Fassbinder: obras, leemos en el catálogo de Artissima, “a la vez humorísticas y audaces, figurativas e iconográficas, violentas y formalmente impecables, surrealistas y cinematográficas”, que dan una idea del temperamento de una artista cosmopolita e independiente, pero también desobediente, hasta el punto de ser expulsada de la Internacional Situacionista por Guy Debord (y más tarde fundó una revista situacionista, The Situationist Times).

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