15 obras para contar la historia de 2020 con arte, desde las salas de exposiciones de Art Basel

Como se sabe desde el pasado mes de junio, Art Basel, la feria de arte contemporáneo más importante del mundo, canceló su edición de 2020 debido a la preocupación por el contagio del Covid-19. Sin embargo,esto no ha impedido a la organización dirigida por Marc Spiegler (Director de Art Basel) y Alban Fischer (Director de Art Basel Digital) seguir adelante en la red, y este mismo fin de semana la feria ha lanzado el proyecto OVR:2020, una serie de salas de visionado temáticas sobre obras creadas en 2020: así, las 100 galerías participantes han traído seis obras cada una a la Art Basel virtual, con un hilo conductor, y es que siempre se trata de obras producidas este año. Hay artistas que han leído la actualidad, otros que en cambio se han volcado en reflexiones íntimas, están las últimas búsquedas estilísticas y formales: una especie de resumen de cómo ha comenzado el arte esta nueva década de los 2000. Hemos seleccionado quince obras que, en nuestra opinión, son bastante significativas y capaces de condensar la década de 2020, aquí contada a través del arte contemporáneo.

1. Lynn Hershman Leeson, Feeling Really Alone (2020; acuarela y tinta sobre papel; 45,7 x 35,6 cm)
Presentado por: Altman Siegel. Coste: 35.000 dólares

“La máscara siempre ha sido una forma de ocultar la propia vulnerabilidad. Hoy, las máscaras son interfaces que mutan por su capacidad de conectar, fusionando el pasado con el presente a través de su uso”, así se expresaba Lynn Hershman Leeson (Cleveland, 1941) en 2014. La galería Altman Siegel presenta en la edición virtual de Art Basel una única muestra de la artista estadounidense que aplica un ’filtro 2020’ a un tema recurrente en su arte, el de la mujer enmascarada. En este caso, Hershman Leeson se centra en la evolución de la importancia social concedida a las máscaras, con la que todos nos hemos familiarizado este año. Y en el caso concreto de esta obra, el título es en sí mismo elocuente para explicar la soledad de la mujer enmascarada y su mirada entristecida.

Lynn Hershman Leeson, Sentirse realmente solo

2. Ludovic Nkoth, 1pm in Montauk (2020; acuarela sobre papel; 50,8 x 40,6 cm)
Presenta: François Ghebaly. Coste: 5.000 dólares

El jovencísimo Ludovic Nkoth (Camerún, 1994), nacido en África pero criado en Nueva York, adonde se trasladó a los trece años, es la estrella de la exposición individual de François Ghebaly y trae a las salas de Art Basel retratos de amigos, parientes, personajes de ficción y de sí mismo: la idea de Nkoth, de 26 años, en esta serie de obras, es preguntarse qué es el “hogar”, qué sentimientos evoca el concepto de hogar, cómo se sabe cuándo se ha encontrado un hogar. Así, sus obras hablan de la búsqueda, del desplazamiento, de la felicidad del descubrimiento, pero también evocan recuerdos de infancia, tradiciones, viejas historias contadas por ancianos.

Ludovic Nkoth, 13h en Montauk

3. Rirkrit Tiravanija, untitled 2020 (2020; instalación, técnica mixta)
Presenta: neugerriemschneider. Coste: 100-250.000 dólares

El proyecto untitled 2020 (morgen ist die frage) de Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961) fue concebido especialmente para esta Art Basel virtual. El punto de partida es una frase, “Tomorrow is the question”, tomada del álbum homónimo del músico de jazz Ornette Coleman. Para este proyecto, Tiravanija imprimió la frase, en nueve idiomas diferentes (los de los países donde el artista ha vivido y trabajado: alemán, amárico, español, francés, inglés, italiano, japonés, portugués y tailandés), en un gran número de camisetas. El proceso de impresión (las camisetas se apilaban después para crear una escultura que recordaba al minimalismo de Donald Judd) se filmaba continuamente en una emisión en directo, en la que el público podía hacer preguntas, grabadas por Tiravanija y reproducidas en un gran lienzo creado a partir de periódicos repletos de noticias sobre acontecimientos sociales y políticos en plena pandemia de Covid-19. El objetivo, dice Tiravanija, es intentar comprender “cuál es el problema, si el problema es el mañana”.

Rirkrit Tiravanija, sin título 2020

4. Elisabeth Neudörfl, Five (2020; fotografía en c-print, 51 x 76 cm)
Presenta: Barbara Wien. Coste: menos de 10.000 dólares

La fotógrafa alemana Elisabeth Neudörfl (Darmstadt, 1968) viajó a Hong Kong en plena epidemia de coronavirus (entre el 25 de febrero y el 5 de marzo de 2020) para fotografiar el proyecto Five, cuyo título hace referencia a las cinco cuestiones clave planteadas por el movimiento de protesta contra el gobierno chino. En la semana en la que Neudörfl realizó las 96 tomas que componen el proyecto, las calles de Hong Kong estaban desiertas debido al bloqueo impuesto por el gobierno, y para entonces las huellas dejadas por la protesta (por ejemplo, las pintadas) ya habían sido eliminadas en su mayor parte.

Elisabeth Neudörfl, Cinco

5. Alicja Kwade, MatterMotion (2020; acero lacado y piedra, 600 x 518,2 x 94,8 cm)
Presenta: kamel mennour. Coste: 250-500.000 dólares

MatterMotion es una escultura de la artista polaco-alemana Alicja Kwade (Katowice, 1979) que pretende reflexionar sobre el tiempo, la percepción y la investigación científica. La obra, impregnada de poesía, consiste en una estructura de acero, ordenada y geométrica, que sostiene unas piedras informes en precario equilibrio: se pueden leer en ella intentos de ordenar el mundo, que, sin embargo, siempre queda supeditado a las leyes del universo y a la incertidumbre, a la exploración de la duda, a la posibilidad de comprender si existen formas alternativas de medir los fenómenos naturales. Con sus obras, Kwade quiere subrayar el misterio y el absurdo de la condición humana para estimular nuestra capacidad de reflexionar sobre nosotros mismos.

Alicja Kwade, MatterMotion

6. Mitch Epstein, Robert E. Lee Memorial / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginia, 2020 (2020; fotografía, impresión cromogénica, 147,3 x 114,3 cm)
Presenta: Yancey Richardson Gallery. Coste: 25.000 $.

El monumento a Robert E. Lee en Richmond, la capital de Virginia, se hizo mundialmente famoso durante las protestas Black Lives Matter y se ha convertido en objeto de innumerables fotografías, entre ellas esta del estadounidense Mitch Epstein (Holyoke, 1952), que ha retratado el monumento cubierto de pintadas y carteles dejados por las personas que se reunieron aquí para manifestarse y protestar, pero también para recordar, rezar, estudiar y bailar, en un momento de participación colectiva en un momento de significativo significado histórico. La obra forma parte de una serie titulada Property Rights en la que Epstein investiga los Estados Unidos entendidos como lugar y como idea: la narración se centra así en determinados aspectos como la ciudadanía, los derechos, las libertades fundamentales y la relación con el territorio.

Mitch Epstein, Monumento a Robert E. Lee / Marcus David Peters Circle, Richmond, Virginia, 2020

7. Etal Adnan, Satélites 14 (2020; óleo sobre lienzo, 22 x 33 cm)
Presenta: Galerie Lelong & Co. Coste: 50-100.000 dólares

La Galerie Lelong & Co., con sede en París, se presenta en las salas de exposiciones de otoño de Art Basel con un proyecto titulado Cosmic Dancer, que toma su nombre de una famosa canción de T. Rex de Marc Bolan: hay una línea que dice “el miedo que habita dentro de un hombre / lo que es estar solo”. Las obras de la pequeña exposición se centran, pues, en la pareja miedo-optimismo. Y en este sentido debe leerse también la obra del gran poeta y artista libanés Etel Adnan (Beirut, 1925), que a sus 95 años no deja de producir obras llenas de lirismo. Sus “satélites”, en su estilo típicamente radiante y colorista, creados en su casa de París, representan un nuevo tema en su producción, y remiten a una dimensión onírica, a recuerdos de tiempos pasados, cuando el artista veía las luces de las estrellas y la luna en el desierto de Oriente Próximo.

Etal Adnan, Satélites 14

8. Ramiro Gomez, Two people walking in front of The Abbey, June 9th, 2020, 10:30 a.m. (2020; acrílico sobre lienzo, 30,5 x 22,9 cm)
Presentado por: P.P.O.W. Coste: 10.000 dólares

“Siempre he pintado a personas que deberían ser el centro de atención, pero antes no lo eran. Y con mis últimas exposiciones me di cuenta de que debía mostrar más de mi identidad. Y eso complica las narrativas que presento. Soy el hijo marica de inmigrantes mexicanos, y no debo evitar decirlo por miedo a las reacciones”. Así se expresa el joven artista californiano Ramiro Gómez (San Bernardino, 1986), protagonista de la exposición individual de la galería P.P.O.W. con obras sobre los entornos en los que vive el propio Gómez y que, por tanto, narran su vida cotidiana, en particular la de los trabajadores hispanos: empleadas domésticas, basureros, sanitarios. Una muestra representativa de la comunidad mexicana en California en los meses de la pandemia.

Ramiro Gómez, Dos personas caminando frente a La Abadía, 9 de junio de 2020, 10:30 a.m.

9. Sam Durant, Remember in November (2020; cartel eléctrico con texto en vinilo, 193 x 241 x 20,3 cm).
Presenta: Blum & Poe. Coste: 65.000 dólares

El artista estadounidense Sam Durant (Seattle, 1961) creó esta obra, Remember in November, como monumento al momento de gran división que vive actualmente Estados Unidos y que se hará aún más patente cuando se celebren las próximas elecciones presidenciales, que convocarán a los estadounidenses a las urnas en noviembre de 2020. La obra forma parte de una serie de cajas de luz que fusionan este medio, típico de los rótulos de tiendas y centros comerciales, con el lenguaje de las pancartas de protesta (la rotulación está toda hecha a mano, con letras típicas de valla publicitaria), como símbolo del tenso periodo que vivimos actualmente.

Sam Durant, Recuerda en noviembre

10. Namsal Siedlecki, Deposición VIII (2020; cristales de calcita, yute, acero inoxidable, 51 x 36 x 5 cm).
Presenta: Warehouse. Coste: 9.000 $.

Esta obra del artista estadounidense, pero italiano de adopción, Namsal Siedlecki (Greenfield, 1986), que vive y trabaja en Seggiano, en la región de la Maremma de Grosseto, llega a las salas de Art Basel de la mano de una de las pocas galerías italianas presentes (la romana Magazzino) y es un interesante ejemplo de la compleja investigación técnica del artista, uno de los más prometedores del panorama internacional. La serie, que lleva por título Deposición, se realiza mediante un proceso de sedimentación de material calcáreo encontrado en el agua de una fuente de St. Nectaire, Francia: Siedlecki acumula el material dejándolo bajo el agua durante un periodo de cuatro a seis meses, durante el cual la calcita sufre una transformación convirtiéndose en una superficie cristalizada y brillante. El largo proceso necesario para la creación de la obra, que remite a las investigaciones sobre el material realizadas por varios artistas italianos a partir de los años 50 (por ejemplo, Alberto Burri), adquiere también aspectos simbólicos, suscitando una reflexión sobre el tiempo, la lentitud y la acción de los elementos.

Namsal Siedlecki, Deposición VIII

11. Mickalene Thomas, Jet Blue #14 (2020; fotografía en color, fragmentos de papel, pedrería y cristales Swarovski sobre papel, 123,2 x 92,1 cm)
Presentada por: Lévy Gorvy. Vendido

La obra de Mickalene Thomas (Camden, 1971) explora las identidades de las mujeres negras, al tiempo que evoca su historia. Esta obra, Jet Blue #14, forma parte de una serie creada a partir de imágenes de calendarios pin-up de los años 70, producidos por la revista Jet, y que ya entonces pretendían alejarse de los conceptos eurocéntricos de “belleza”. En esta obra, Thomas recontextualiza a las mujeres de Jet para dar a la modelo un aspecto escultórico resultante de la mezcla de materiales de que está compuesta la imagen y actualizarla. “Siempre he pensado en cómo, como mujer negra, crecí hasta convertirme en la mujer que soy, y cómo me veo en los demás”, dice la artista.

Mickalene Thomas, Jet Blue #14

12. Thomas Hirschhorn, Home (Chat-Poster) (2020; cartón, madera, grabados, rotulador, pegatinas, cristal, 240 x 125 cm)
Presenta: Galerie Chantal Crousel. Coste: 60.000 $.

El artista suizo Thomas Hirschhorn (Berna, 1957) reflexiona sobre la tecnología imaginando un chat en Whatsapp con una de las figuras destacadas del pensamiento del siglo XX, la escritora y filósofa Simone Weil. Un diálogo imposible que toma forma gracias al arte y trasciende el tiempo. “Me impactaron sus posturas, su valentía, su determinación, su compromiso, su estilo (crudo, directo, místico, lógico)”, afirma la artista. Me encanta el hecho de que fuera una soldado, una curandera, una santa laica, una extremista, una pensadora, una luz“. La filosofía de Simone Weil es verdaderamente artística, es plástica, es física, está en movimiento, es una nueva forma. Actuó como activista, en su obra y en su vida, y su capacidad de ser absoluta, que admiro, confiere belleza a su pensamiento”.

Thomas Hirschhorn, Inicio (Chat-Poster)

13. Mark Manders, Composición con dos colores (2005-2020; madera pintada e impresión sobre papel, 46,7 x 33,8 x 3,7 cm)
Presenta: Zeno X Gallery. Coste: 18.000 $.

Esta composición en dos colores del artista holandés Mark Manders (Volkel, 1968) es la última de una serie iniciada hace quince años, Notional Newspapers, creada a partir de periódicos que contienen palabras inglesas dispuestas en orden aleatorio. Es una reflexión sobre el lenguaje: el periódico contiene palabras que potencialmente implican infinitos significados, pero no hay palabras para describir los colores utilizados para los dos paneles de madera. Y como resultado, los colores superan al lenguaje: en una época caracterizada por los choques de identidades, Manders, en la sala de exposiciones de la galería flamenca Zeno X, muestra en cambio obras que han borrado cualquier referencia a la raza y el género, creando arquetipos en lugar de personajes o narraciones.

Mark Manders, Composición con dos colores

14. Paul Anthony Smith, Sin título (2020; picotage sobre impresión de tinta y pintura en aerosol sobre panel, 196,5 x 264,2 cm)
Presenta: Jack Shainman Gallery. Coste: 50-100.000 dólares

El joven Paul Anthony Smith (St. Ann’s Bay, 1988) presenta en Art Basel seis obras derivadas de su experiencia como inmigrante jamaicano en Estados Unidos, que dan como resultado obras centradas en la identidad cultural. La playa forma parte de la identidad cultural de Jamaica: “como vengo del Caribe”, dice el artista, “pienso a menudo en la playa: el olor del agua salada, el sol cálido, las palmeras, pasar momentos tranquilos en la arena, los establecimientos de baño, contemplar lo que podría ser el espacio personal de cada uno”. Esta obra habla de libertad: la libertad de la que disfruta la gente cuando está en la playa.

Paul Anthony Smith, Sin título

15. Sophie von Hellermann, Danza de hadas (2020; acrílico sobre lienzo, 140 x 160 cm)
Presenta: Pilar Corrias. Coste: entre 10 y 25.000 dólares

La artista alemana Sophie von Hellermann (Múnich, 1975) creó esta obra durante el encierro que pasó en Inglaterra, en el campo. Se trata de una danza de hadas, tomada de la imaginería shakesperiana de El sueño de una noche de verano: los cuadros de Sophie von Hellermann suelen incluir imágenes y personajes de su imaginación. Imaginación que, este año, adquiere un significado particular: la artista ha declarado que sentía la urgencia de pintar una escena así en una época de enfermedad y aislamiento globales, de incertidumbre y muerte. Un escenario al que oponer la alegría de la primavera y el verano, con una danza nacida de un sueño.

Sophie von Hellermann, Danza de las hadas

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