10 artistas jóvenes a buen precio en Artissima

¿Quién dijo que hay que gastarse fortunas para comprar arte? Incluso en las ferias más blasonadas es posible encontrar obras de jóvenes interesantes que no cuestan mucho dinero. Puede que no lleguen a ser artistas que revolucionen la historia del arte, pero son nombres que ya se han presentado en escenarios internacionales, tienen buenos currículos y presentan obras convincentes. Hemos elegido a diez de ellos, todos presentes en la feria con obras que oscilan entre los 2.000 y los 8.000 euros para obras pequeñas y medianas (aunque algunos de los artistas que aparecen a continuación también venden por menos). He aquí cuáles son.

1. David Moses (Bonn, 1983). Presentado por la Galerie Russi Klenner

El artista alemán David Moses ha estudiado cómo transcribir el movimiento y el tiempo en sus pinturas, a menudo utilizando material cinematográfico como punto de parenza. Desde 2017, su práctica ha hecho uso de imágenes fijas de la serie Happy Symphonies de Walt Disney (1929-1939), que forman la base de sus pinturas. Según Moses, estas películas son las que mejor explican el cambio de percepción desde la evolución de los medios de comunicación de masas hasta la actualidad: a menudo se basan en mitos clásicos que ilustran antiguas cuestiones éticas. Moses se centra en las figuras, las acciones y la mímica más que en el contenido, y su pintura avanza hacia una forma de abstracción que recurre al dibujo, la fragmentación y la superposición. Moses se centra en el movimiento: capas de dibujos al pastel van seguidas de capas de acrílicos que ayudan al proceso de disección de la imagen, y a su vez componen capas que forman la base de nuevas capas. La idea de Moses es que a través de este medio se comunican la velocidad, la potencia visual y las extravagancias de las películas de Walt Disney tras un “telón” abstracto.

2. Isabel Simões (Lisboa, 1981). Presentada por Bruno Murias

La obra de Isabel Simões utiliza diferentes medios, desde la pintura a la escultura pasando por el dibujo, y parte de espacios y objetos cotidianos que se convierten en pretextos para examinar el tema de la percepción y la relación con lo visible como campo intuitivo de acción. En Artissima, el artista portugués presenta algunas obras de la serie Vistas para o avesso do mar, que analiza las diferentes posibilidades de interpretación que ofrece una imagen. A través de la pintura, pero también del dibujo, Isabel Simões busca ampliar las posibles lecturas y significados de un objeto. En este caso el punto de partida es el mar, visto como un elemento reconocible y significativo, capaz de ofrecer diferentes niveles de interpretación en función de la relación que el observador establezca con el mar. Los cuadros de la serie, instalados a diferentes alturas, reflejan la conexión entre el observador y la superficie del mar y proponen una especie de “inmersión” en el agua. La luz y el color transforman la forma, la densidad y la transparencia del agua y dan expresividad al mar, lo hacen reconocible pero al mismo tiempo lo alejan de formas inmediatas de categorización.

3. Vicky Uslé (Santander, 1981). Presentada por Alexander Levy

Las obras más recientes de la artista española Vicky Uslé reflejan la soledad en la que ha elegido vivir, en la región de Cantabria, donde nació: la contemplación y la admiración de su jardín y de los fenómenos naturales inspiran así su trabajo. En la obra de Uslé, la representación de la naturaleza y del jardín no es meramente ilustrativa, sino una transposición de un momento de percepción, de lo que se ve, de la experiencia física que se genera y de las connotaciones sociales y colectivas existentes intrínsecas al tema. Uslé quiere invitarnos a preguntarnos qué parte del jardín estamos mirando, a centrarnos en las sensaciones que nos transmite observar la naturaleza. Por ello, sus obras recientes recurren a una mezcla de líneas y formas luminosas realzadas por fondos oscuros que pretenden evocar imágenes percibidas por la retina, convirtiéndose así casi en “escenas abstractas de contemplaciones meditativas de la naturaleza” (Lydia Korndörfer).

4. Giulia Dall’Olio (Bolonia, 1983). Presentado por Studio G7

Presentada por Studio G7 en la sección Dibujos, Giulia Dall’Olio expone una serie de dibujos dedicados al tema de la naturaleza y su relación con el ser humano: aunque estas obras parecen muy precisas, no parten de fotografías, sino de recuerdos personales que la artista reelabora. “Quienes contemplan sus dibujos”, escribe Irina Zucca Alessandrelli en el texto que acompaña a la exposición, “son llevados a perderse en el signo entre la luz y la sombra”. De hecho, Dall’Olio trabaja sobre una base de carboncillo oscuro con borrones clínicos realizados con los más diversos tipos de gomas de borrar, más o menos suaves, que el artista esculpe según el tipo de naturaleza que desea representar. Su obra trata de representar idealmente fragmentos de naturaleza que el hombre, en su constante intervención en el medio ambiente, ha borrado literalmente“. La hoja de papel es para Giulia Dall’Olio un material vivo del que ”sustrae partes, rasgándolas limpiamente, casi como si estuvieran cinceladas. La parte sustraída se convierte en una obra nueva que nunca más podrá recomponerse en la unicidad de la que fue excluida para siempre. Estos fragmentos rescatados de la naturaleza en carboncillo luchan con el pastel coloreado y el acrílico que representan la intervención humana, casi en busca de un equilibrio esperado e inalcanzable".

5. Mia Chaplin (Ciudad del Cabo, 1990). Enviado por whatiftheworld

La sudafricana Mia Chaplin es pintora y escultora: la galería whatiftheworld le dedica un stand monográfico en el que se exponen pinturas y cerámicas. Estas últimas se basan en jarrones y urnas clásicos: la artista crea marcos a mano, que recubre con tela, papel y yeso, y luego termina con capas de pintura al óleo. Los temas hacen referencia al mundo femenino y a su sensualidad, “todo ello envuelto en un espíritu fuertemente feminista”, reza el texto de presentación. Las esculturas recuerdan a mujeres embarazadas, y los tonos y la densidad de las capas de pintura pretenden evocar la textura y los tonos de la piel. En las pinturas presentadas en Artissima, vemos cuerpos entrelazados que recuerdan a las odaliscas del siglo XIX y a las Venus del Renacimiento: el objetivo de Mia Chaplin es apropiarse “de los diferentes estilos de estas épocas clásicas para retratar sujetos femeninos poco convencionales, superponiéndolos a entornos y paisajes exuberantes”. Para Chaplin, la pintura es también un “proceso de fermentación”: a pesar de la apariencia familiar y aparentemente serena de sus cuadros, la artista pretende provocar sentimientos contradictorios en el observador, generando un estado de transformación dentro del proceso de observación.

6. Teresa Gargiulo (Vico Equense, 1996). Presentado por Tiziana Di Caro

Artista emergente, la napolitana Teresa Gargiulo saltó a la fama en el premio JaguArt 2020, organizado por Artissima y Jaguar Land Rover, y fue una de las finalistas que le valió una exposición de premio en la galería Tiziana Di Caro, que decidió entonces seguir trabajando con la joven. Su obra aborda la intimidad y lo privado y hace un uso abundante de las palabras: “Mi investigación”, dice Gargiulo, “considera el lenguaje y el poder evocador de las palabras como puntos de partida para investigar lo real que me rodea. La realidad se estudia a través de la lente de lo cotidiano y lo personal, elementos sublimados luego a la universalidad, pretextos para narrar la identidad y sus cambios en el espacio y el tiempo. Observar, analizar, descontextualizar, llegar a la estructura mínima de las cosas, son elementos de mi práctica que se desarrolla principalmente a través de la escritura, el dibujo, la documentación fotográfica y la escultura, a veces operando intervenciones mínimas sobre el material dado, a veces operando combinaciones inusuales de las que se origina una nueva forma”.

7. Vasilis Papageorgiou (Atenas, 1991). Presentado por A Gallery

Activo entre Atenas y Ámsterdam, Vasilis Papageorgiou, traído a Artissima por la galería Una de Piacenza, presenta en Turín su producción más reciente: obras en cerámica y acero inspiradas en la puesta de sol, el momento del día en que, libre de obligaciones laborales, se espera el anochecer. La mirada de Papageorgiou parte de un interior doméstico y se expande por la ventana, centrándose en estos momentos de tiempo libre y distracción en los que no hay obligación de pensar ni de actuar. Papageorgiou recrea las tonalidades del atardecer con arcilla, un material natural y terroso, que evoca la imagen de un planeta con el suelo agrietado o de tardes perezosas dedicadas a pensar. Los títulos de estas obras (por ejemplo, 20:11 o 19:53) indican la hora del atardecer del día en que se terminaron. En términos más generales, la práctica de Papageorgiou recorre lo cotidiano en busca de las fracturas y los momentos de pausa en los que pueden surgir nuevos escenarios y posibilidades: para el artista griego, es una especie de resistencia al statu quo, a una escansión tradicional del tiempo, estrictamente dividido entre tiempo de trabajo y tiempo libre, entre actividad productiva y pausa improductiva. Lo que Papageorgiou quiere poner de manifiesto es el valor del tiempo, de los materiales, del arte.

8. Keto Logua (Sujumi, 1988). Presentado por LC Queisser

La artista georgiana Keto Logua se formó entre su país natal y Alemania, donde trabaja: su obra parte de la investigación científica de fenómenos naturales, que se convierten en la base de sus esculturas y películas. “Utilizando descubrimientos científicos”, escriben Saim Demircan y Maurin Dietrich en el texto crítico, “Logua crea objetos aplicando procedimientos tecnológicos y artísticos a formas del pasado: por ejemplo, imprimiendo en 3D una flor primordial o haciendo un molde metálico de la columna vertebral de un estegosaurio”. Una “traducción material”, como la propia artista la ha definido, que se convierte en “emblema de su investigación en la que a menudo implica a científicos, estudiosos y botánicos, así como a arquitectos e ilustradores, que le ayudan a encontrar el lenguaje para visualizar sus obras”. Una búsqueda que, según admite la propia Keto Logua, lleva huellas infantiles, las del niño que sigue cuestionándose la escala de las cosas, desde la inmensidad del universo hasta la belleza del mundo del que formamos parte.

9. Kristin Wenzel (Gotha, 1983). Presentada por Suprainfinit

La alemana Kristin Wenzel es presentada por la galería rumana Suprainfinit con varias obras de cerámica. Las investigaciones recientes de Kristin Wenzel abordan el tema del espacio público, imaginando estructuras y formas alternativas de tratarlo (que ella suele acuñar como propuestas o modelos). Con instalaciones, esculturas e intervenciones, Wenzel aborda las implicaciones de la arquitectura pública como “espuma de memoria” (inscrita en su historia particular) y como estructura abierta que permite apartarse de su diseño original. Las cerámicas expuestas en Artissima, presentadas en 2021 en la exposición Amantes en la noche del Goethe-Institut de Bucarest, ven la naturaleza como un lugar de nostalgia y deseo: sus flores transmiten un ideal de “feminidad floral”, como ha escrito el crítico Frank Motz, que se camufla, engaña y transforma, al igual que las orquídeas en las que se inspiran estas composiciones. Un mundo de imágenes que despierta alegría y expectación, pero que también puede ser fuente de decepción.

10. Victoria Colmegna (Buenos Aires, 1989). Presentado por Weiss Falk

Pintura, collage pero también maquetas arquitectónicas son los medios que la argentina Victoria Colmegna utiliza en su práctica. Su obra, recuerdan Saim Demircan y Maurin Dietrich, “explora los estilos y las dinámicas comunitarias que definen grupos y subculturas”. Por ejemplo, sus últimos cuadros y objetos escultóricos están basados en el libro de Emma Cline, The Girls, cuya protagonista es una adolescente californiana que se une a una secta al estilo de la Familia Manson en los años sesenta. El artista reimagina el aspecto de la época a través de los ojos de un personaje ficticio. A lo largo de su práctica, el arte se utiliza para ser copiado o producido por los aficionados y a menudo se trata como una forma maleable que se adapta al estado de ánimo del artista".

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