El arte abstracto como forma de resistencia: el libro del artista Roberto Floreani

¿Qué esla abstracción en el arte? Es ese “ámbito expresivo orientado hacia el análisis, la búsqueda interior, incluso la espiritualidad, consagrado, por su propia naturaleza, al más alto índice de libertadsituándose sin reservas en la presencia del espectador y en su intimidad”, con la convicción de queel arte abstracto, como escribió Peter Halley, “debe orientarse hacia una dimensión intelectual [...] y la obra no debe ser para todos”. Esta es la definición deabstraccionismo según Roberto Floreani, pintor y uno de los principales abstraccionistas italianos contemporáneos: se encuentra en su libro más reciente, Abstraction as Resistance, publicado por De Piante (380 páginas, 25 euros, ISBN 9791280362124), que tiene básicamente dos objetivos: por un lado, trazar una historia de la abstracción desde sus orígenes hasta nuestros días, y por otro, esbozar un estado de la cuestión analizando el panorama de la abstracción contemporánea, teniendo en cuenta que hoy el arte en general queda al margen del debate público.

Podríamos empezar desde abajo, empezando por el título: ¿por qué es la abstracción una forma de resistencia según Floreani? En una sociedad tan compleja y problemática como la actual, y tan superficial y materialista al mismo tiempo, en la que la gente vive a menudo en la incertidumbre y la ausencia de puntos de referencia, inundada de información, la abstracción adquiere las dimensiones de una búsqueda interior que puede expandirse desde el arte para investir otras esferas. “En un período histórico identificado como recesivo en sus contenidos más profundos y de abandono al materialismo más cínico, donde es el precio el que determina el valor”, escribe Floreani, “la abstracción, caracterizada por una constante búsqueda de interioridad, ya declarada en las intenciones de sus más ilustres protagonistas, puede considerarse, aún hoy, como un medio de expresión de las formas artísticas más importantes, un medio de expresión que puede considerarse como un medio de expresión de las formas artísticas más importantes. ilustres protagonistas, puede considerarse, aún hoy, un auténtico terraplén de resistencia espiritual, un ámbito en el que la obra puede transmitir un mensaje igualmente significativo, de la misma naturaleza” (un capítulo entero del libro, titulado “La desespiritualización de lo contemporáneo y la Abstracción”, analiza detalladamente esta situación). La de Floreani es también una crítica de lo que él denomina “Post-Arte”, es decir, todas aquellas investigaciones de artistas, ya sean pintores, escultores, fotógrafos o artistas que trabajan con los medios de la instalación, la performance , etc., basadas “más en la imagen que en el significado”. Post-Arte que, según Floreani, tiene su pionero en la figura de Marcel Duchamp, cuya función desacralizadora respecto al arte de su tiempo es sin embargo alabada: hoy, para el autor del libro, los papeles se han invertido y el arte, incluso el más obtusamente provocador y menos lleno de sentido, goza sin embargo de una gran disponibilidad de recursos económicos así como de eficaces sistemas de comunicación. De hecho, en el libro no falta una parte relevante dedicada a la crítica del sistema del arte contemporáneo, partiendo de la base de que el Post-Arte dominante en la actualidad "curiosamente no recoge la distancia indignada de quienes no pueden entenderlo, precisamente porque provocador, según la lección ya conocida de las vanguardias, sino un aparente consenso de masas acrítico, inmediato, generalizado, automático, impulsado por la comunicación, desencadenado ad hoc con gran disponibilidad económica y, por tanto, según el modelo televisivo, persuasivo“. La novedad con respecto al pasado es que se ha producido lo que el autor denomina la ”vanguardia del consenso", una situación que no se había producido nunca antes en la historia, "donde lo que es incomprensible para la mayoría se convierte automáticamente en evidente para todos, donde no hayauténtico deseo de hacer preguntas, sino el ansia inagotable de estar presente, la ambición de ’estar ahí’, presumiendo de una ’inteligibilidad de lo incomprensible’ que en realidad es ficticia, complaciendo esos, ya abusados, 15 minutos de fama, aunque reflexivamente, anunciados por Andy Warhol". Es un panorama de aceptación acrítica, donde también falta el debate, donde muy pocas personalidades mantienen un discurso crítico (Floreani enumera a todos los que, en su opinión, lo hacen).

En todo esto, Floreani reconoce que laabstracción contemporánea, en comparación con otros tipos de arte, goza de menos atención y se mueve en cauces más subterráneos, sin dejar de disfrutar de una continuidad coherente con las investigaciones de los abstraccionistas históricos. Entre los contemporáneos más originales, el estadounidense Peter Halley, que inició su carrera en los años ochenta, es mencionado por Floreani como una figura impulsora, al igual que su compatriota Philip Taafe, cuyas investigaciones combinan la abstracción y la figuración injertándolas en técnicas típicas del Pop Art como la serigrafía o el collage: dos artistas, escribe Floreani, que exploraron dos tendencias diferentes de la abstracción: si en Halley “predomina una especie de desapego meditativo con resultados espirituales”, en Taafe hay una "fuerte implicación emocional: vivo constantemente en el cuadro mientras lo pinto, como tendrá ocasión de declarar, describiendo así un estado hipnótico, una condición de incorporeidad, manteniendo siempre un control técnico de la más alta calidad pictórico-compositiva".

Se cita en particular a los artistas norteamericanos porque, según Floreani, Estados Unidos dedica a la abstracción una atención difícil de encontrar en otros lugares. En Italia, por ejemplo, existe, en su opinión, una marginación que tiene raíces bien definidas, es decir, se debe a la escasa atención que las instituciones italianas han dedicado a lo que Floreani denomina “la manera italiana de abstracción”.pero también a los mismos críticos italianos posteriores a la Segunda Guerra Mundial, que alternaron nombres abiertamente hostiles al futurismo y que “evitando una reconstrucción objetiva de aquel periodo, distorsionando tanto sus intenciones como su significado, dificultaron la interpretación de sus influencias”. La revalorización de la abstracción italiana es, por tanto, un hecho reciente, y Floreani menciona los nombres de quienes, virtuosamente, han comenzado a compensar décadas de desatención y marginación: destaca, en particular, el nombre del galerista Gian Enzo Sperone, instigador de una serie de importantes exposiciones que han contribuido a la revalorización de los abstraccionistas italianos.

No menos interesantes que las secciones del libro dedicadas al arte contemporáneo son, por tanto, aquellas en las que Floreani reconstruye la historia de la abstracción, no exenta de novedades significativas, muy discutidas desde la aparición de Abstraction as Resistance , a finales de 2021. Floreani, restando importancia al papel de Vasily Kandinsky, al que siempre se ha considerado el primer pintor abstracto (para el autor, las cosas son distintas, y también cree que la influencia de otras figuras de la época, empezando por Kazimir Malevič, han sido más significativas a la hora de establecer, por ejemplo, “lo que el arte, y en particular la abstracción, era capaz de concebir en su relación con ’otra parte’”), remonta los orígenes de la abstracción a ciertos artistas que trabajaron a finales del siglo XIX, y en particular a Mikalojus Konstantinas Čiurlionis, Hilma af Klint y Marianne von Werefkin, protoabstraccionistas que pasaron del arte simbolista al abstraccionismo, y subraya también el papel decisivo de ciertos movimientos de finales del siglo XIX, como el movimiento teosófico, al que atribuye el mérito de haber puesto de relieve los “poderes latentes del hombre” y de haber contribuido a que elhombre“ y de haber contribuido a desplazar el interés de los artistas hacia la interioridad más que hacia los fenómenos observables (”en la abstracción, desde sus orígenes“, escribe Floreani, ”se han resumido y superpuesto el papel del artista y el del crítico-observador"). Una figura como Hilma af Klint pertenece a este grupo de artistas condicionados por la Teosofía: recientes investigaciones han demostrado que la artista sueca puede ser considerada la precursora y primera protagonista del abstraccionismo, por delante de Kandinsky (cuyos primeros ensayos abstractos son trasladados por Floreani a 1913, y no a 1910 como comúnmente se cree, ya que su primera acuarela abstracta de 1910 era en realidad el esbozo de un paisaje, según admitió el propio Kandinsky): en la serie Destinados al templo de Hilma af Klint, obras estrictamente abstractas, “todas las intenciones artístico-espirituales que más tarde preconizaría Kandinsky ya están presentes”, escribe el autor, “pero elevadas a la enésima potencia y realizadas al menos cuatro años antes (con toda probabilidad seis o siete)”.

El camino italiano de la abstracción comienza con Giacomo Balla y sus Compenetraciones iridiscentes de 1912, de nuevo una obra que anticipa a Kandinsky, como ya había sido también fue reconocido por Raffaele Carrieri, quien escribió que “sus pinturas posteriores a 1912 preceden al propio Kandinsky” y que “a diferencia de Boccioni, las síntesis abstractas de Balla son ritmos coordinados fuera del objeto: el movimiento en sí mismo, sin que el objeto lo determine”. Es una abstracción que difiere tanto de la de Hilma af Klint y Kandinsky, que busca una forma de expresar un sentimiento interior, como de la de Malevič y el Suprematismo, que es una abstracción puramente racional: La abstracción de Balla es “científica”, por así decirlo, y se centra en fenómenos como el movimiento, la velocidad, la iridiscencia, investigados sin embargo según una lógica “regida por sensaciones interiores”.

Si, por tanto, Hilma af Klint puede considerarse la progenitora delabstraccionismo expresionista, del que derivarán las investigaciones de Klimt y, posteriormente, también las del expresionismo abstracto de Pollock y sus compañeros, Balla es el fundador delabstraccionismo formal. Una primogenitura que hizo que muchos abstraccionistas italianos de la época, como Balla, Severini, Dudreville, Evola, Magnelli, Prampolini y otros ya no sufrieran "complejos de subalternidad respecto a los precursores Delaunay y Kupka y ni siquiera respecto a los maestros de la Bauhaus o a los protagonistas del rutilante mercado parisino dominado por Picasso".

El examen de Floreani prosigue después con la historia de la abstracción hasta nuestros días, revalorizando incluso experiencias hoy no tan conocidas, por ejemplo el grupo Kn que se reunía en torno al crítico Carlo Belli y la Galleria del Milione (contaba con artistas como Giuseppe Marchiori, Leonardo Sinisgalli y Dino Bonardi), o la del Art Club fundado en Roma en marzo de 1945, hasta situaciones en cambio mucho más consolidadas en la historiografía, como el MAC (Movimento Arte Concreta). El libro concluye con unas notas sobre el Cripto Arte y la NFT, en las que Floreani advierte al lector sobre la posibilidad de encontrarse ante un “sistema concebido para el beneficio”, un “fenómeno ligado al mercado financiero que, según admite, no tiene nada que ver con el arte”.

La abstracción como resistencia, con su sesgo histórico-crítico, su narrativa apremiante y la atención prestada sobre todo a las experiencias menos conocidas, o a las que hay que revalorizar, es por tanto un ensayo pertinente tanto para redescubrir y reconstruir con más precisión los orígenes del abstraccionismo, como para evaluar ciertas líneas del abstraccionismo contemporáneo. Un libro que, más de un año después de su publicación, sigue suscitando debate.

El arte abstracto como forma de resistencia: el libro del artista Roberto Floreani

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