Venecia, en Ca' Pesaro, primera retrospectiva italiana de Arshile Gorky, gran exponente del expresionismo abstracto

La primera exposición retrospectiva italiana dedicada a Arshile G orky (Vostanik Manouig Adoian; Khorkom, 1904 - Sherman, 1948), el gran artista armenio nacionalizado estadounidense y uno de los máximos exponentes delexpresionismo abstracto, se celebra en Venecia, en Ca’ Pesaro - Galleria Internazionale d’Arte Moderna, del 8 de mayo al 22 de septiembre de 2019. La exposición lleva por título Arshile Gorky. 1904 - 1948 y exhibe ochenta obras que permiten explorar el arte de Gorky de forma exhaustiva. Desde su cuestionamiento de los maestros modernos en la década de 1920 hasta sus últimas pinturas en la década de 1940, siempre hay una visión particular en la obra de Gorky que lo distingue como una de las figuras fundamentales del arte estadounidense del siglo XX, junto a Willem de Kooning, Jackson Pollock y Mark Rothko. Gorky abandonó Armenia para refugiarse en Estados Unidos a la edad de quince años: tuvo que huir del genocidio armenio, y en Estados Unidos vivió entre Boston y Nueva York, donde su arte gozó de un gran éxito, que terminó con su suicidio en 1948, que cerró una vida llena de satisfacciones pero también de amargura y problemas personales.

La exposición está comisariada por Edith Devaney, conservadora de la Royal Academy of Arts de Londres, y se realiza en estrecha colaboración con la Fundación Arshile Gorky y miembros de su familia: gracias a estas colaboraciones, también se podrán admirar obras que rara vez se han expuesto en público. La exposición cuenta también con préstamos de prestigiosos museos: National Gallery of Art, Washington; Tate Modern, Londres; Centre Pompidou, París; Whitney Museum of American Art, Nueva York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington; Albright-Knox Art Gallery, Búfalo; Fundación Calouste Gulbenkian, Lisboa; Diócesis de la Iglesia Armenia Americana, Nueva York.

Gabriella Belli afirma: “La extraordinaria personalidad de Gorki, por primera vez en Italia con una exposición monográfica”, dice Gabriella Belli, directora de los Museos Cívicos de Venecia, “iluminará áreas aún ensombrecidas de la historia del arte de nuestro país, permitiéndonos explorar en profundidad la ósmosis de la pintura europea con la americana, de la que Gorki fue sin duda uno de los innovadores más importantes”.

“Las obras más importantes de la carrera de Gorky”, añade Edith Devaney, “se reunirán en una exposición que nos permitirá reafirmar el valor de su experiencia dentro del desarrollo y definición del Arte Americano del siglo XX, destacando cómo su influencia continúa hasta nuestros días.”

“Hace aproximadamente un siglo, el joven Arshile Gorky”, explica Saskia Spender, nieta del artista, “estuvo tan cerca de Venecia como nunca había estado en persona, cuando el barco que le llevaría a América hizo escala en Nápoles. En realidad, nunca estuvo lejos, al menos espiritualmente, del arte de Pompeya, Paolo Uccello y De Chirico, entre sus predecesores favoritos. Le gustaba trabajar tan rápido como el famoso Tintoretto porque, como dijo una vez, ”cuando estamos en sintonía con nuestro tiempo hacemos las cosas más fácilmente“. Esperamos que esta exposición haga que los visitantes aprecien el valor de la posición especial de Gorki y también su prolífica energía, y esperamos también que por primera vez en Italia podamos ver su obra a tal escala. Gorki era un hombre que rechazaba los límites y las etiquetas de todo tipo, desde su propio nombre hasta las categorías históricas del arte. La exposición de Venecia sólo puede confirmar que esa expresión individual sólo podía surgir en el Nueva York de mediados de siglo”.

Arshile Gorky. 1904 - 1948 sigue la evolución del vocabulario artístico característico de Gorky, derivado de su compromiso artístico e intelectual con los movimientos europeos, aunque autónomo de sus directrices. Gorky integró los paisajes de Paul Cézanne, la línea de Ingres, la composición de Paolo Uccello, la lógica de Picasso, incluso las formas vivas de Joan Miró. De hecho, Gorki, absorbiendo y reaccionando ante la obra de maestros del pasado y artistas modernos, fue capaz de desarrollar su propia visión e imaginación. Así pues, la exposición comienza con los primeros retratos del artista, periodo en el que mantuvo numerosos encuentros con artistas emergentes de la vanguardia neoyorquina, como Stuart Davis, John Graham y David Smith. Se trataba de un entorno creativo en el que el propio Gorki era una figura destacada. Una obra central es Autorretrato (c. 1937), que hace referencia a los retratos neoclásicos de Picasso de los años veinte. El retrato de Gorki no era sólo una forma de explorar el presente (retratos de familiares, amigos íntimos y compañeros), sino también una forma de rendir homenaje a la familia que había perdido.

Más adelante, Gorki sintetizó los temas y la estructura cubistas con el contenido y las técnicas surrealistas, en particular aislando y elaborando formas biomórficas en sus paisajes y bodegones de la década de 1930. La serie de dibujos conocida como Nocturno, Enigma y Nostalgia representa un momento crucial en el desarrollo de la abstracción del artista, cuyo vocabulario se perfecciona con motivos surgidos de su cuestionamiento del cubismo y el surrealismo. El dibujo desempeñó un papel fundamental en la práctica de Gorki, dando forma a sus ideas y precediendo a casi todos los cuadros. La creatividad de Gorky se explora en la exposición a través de obras sobre papel que documentan toda su carrera.

En la década de 1940, Gorky entró en contacto con los surrealistas, entre ellos André Breton, Wifredo Lam, Max Ernst y Roberto Matta. Estos nuevos conocidos contribuirían al desarrollo del automatismo y el subconsciente en sus pinturas. Obras como Apple Orchard (c. 1943 - 1946) dan cuenta no sólo de su destreza y de un nuevo trazo preciso y fluido, sino también de un cambio de enfoque. La obra de Gorky se revitalizó aún más con una reconexión con la naturaleza, cimentada en los veranos de 1942-1945 que pasó en Connecticut y en la granja Crooked Run de Virginia. Este periodo transcurrido al aire libre y no inmerso en su estudio o en los museos de Nueva York, le permitió extraer símbolos y motivos universales basados en la observación. Gorky examinó detenidamente las formas botánicas y biológicas y tradujo las metáforas visuales que veía en la naturaleza en nuevas formas metamórficas capaces de expresar su psique más íntima.

El último capítulo de la exposición se centra en las últimas obras maestras, como El hígado es el peine del gallo (1944), Un año el algodoncillo (1944) y Pintura verde oscuro (c. 1948). En estas obras, los símbolos instintivos de Gorky se transforman en un vocabulario personal de formas fantásticas recurrentes que dan como resultado, según señaló Clement Greenberg en 1947, “algunas de las mejores pinturas modernas jamás realizadas por un estadounidense”. El artista impregnó estas obras de evocadores recuerdos de infancia, de su profunda afinidad con la naturaleza y de las complejidades y contradicciones que sentía en su propia existencia. El léxico distintivo de Gorky (una mezcla de su propia energía y empatía, subconsciente e imaginería abstracta) le convierte en precursor del expresionismo abstracto en América. Gorki vivió una época extraordinaria de agitación histórica y cultural, caracterizada por un movimiento de personas sin precedentes durante las dos guerras mundiales, al que siguió el ascenso de Nueva York como capital artística por encima de París. Este contexto histórico se documenta en la exposición a través de material de archivo cedido por la Fundación Arshile Gorky, y esboza no sólo la cronología de la vida de Gorky, sino también los acontecimientos de la época que tuvieron un profundo impacto en su vida. La obra del artista ha ejercido una influencia duradera en varias generaciones, especialmente en artistas como Willem de Kooning, Cy Twombly, Helen Frankenthaler y Jack Whitten. La exposición también incluirá una película dirigida por Cosima Spender, nieta del artista, que reúne una serie de voces artísticas contemporáneas para reflexionar sobre la vida, la obra y el legado de Gorki, junto con imágenes inéditas del artista.

La exposición irá acompañada de un catálogo ilustrado con ensayos de las comisarias (Edith Devaney y Gabriella Belli) y Saskia Spender, con textos en inglés e italiano. Para más información, visite la página web de Ca’ Pesaro.

En la imagen: Arshile Gorky, Year the Milkweed (1944; óleo sobre lienzo, 94,2 x 119,3 cm; Washington, National Gallery of Art, Ailsa Mellon Bruce Fund) © 2018 The Estate of Arshile Gorky / Artists Rights Society (ARS), Nueva York.

Fuente: comunicado de prensa

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