Un museo en constante evolución: el MAMCO de Ginebra

Tres exposiciones enriquecen actualmente la oferta expositiva del MAMCO - Musée d’art moderne et contemporain de Ginebra, un museo que ha optado por adoptar una política museística particular, ya que cambia sus exposiciones tres veces al año. De hecho, el MAMCO se distribuye en cuatro plantas, pero sólo unos pocos espacios son permanentes. Desde su apertura en 1994, el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Ginebra ha ofrecido a sus visitantes 450 exposiciones con obras desde principios de los años 60 hasta la actualidad.

Hasta el 8 de noviembre de 2020, las exposiciones Collection Yoon-ja & Paul Devautour (a partir del 19 de marzo de 2020) y Christian Marclay. To be continued, 2016 (desde el 31 de agosto de 2020). La primera está dedicada a la colección de Yoon-Ja Choi y Paul Devautour. En 1985, ambos decidieron dejar de hacer obras con su firma para convertirse en “marchantes de arte” y promocionar a los artistas que representaban, dedicando gran parte de su tiempo a aumentar y gestionar su colección. Como artistas, decidieron dedicarse a identificar, coleccionar y exponer obras de arte. El resultado fue una especie de “meta-ópera”, en parte ficción y en parte realidad, en la que los nuevos coleccionistas podían desempeñar diversas funciones estratégicas entre bastidores, ayudando a historiadores del arte, críticos, comisarios y agentes. Entre los artistas de su colección, había algunos nombres que sonaban extraños, como Richard Allibert, Buchal & Clavel, J. Duplo, Kit Rangeta y Lady Penélope; y otros mucho más plausibles, como Ramo Nash Circle, Manuel Ismora, Claude Lantier, Alexandre Lenoir, Martin Tupper y David Vincent. Otros tenían un sabor internacional: Art Keller, Richard Kongrosian, Vladimir Kutusov, Gladys Clover. Pero lo cierto es que ninguno de ellos existió realmente: todos eran alter egos de Yoon-Ja Choi y Paul Devautour. La pareja consiguió desarrollar un paisaje artístico y crítico y presentarlo en el mercado. Algunas obras sólo tenían sentido en su contexto expositivo, otras mostraban teorías vacuas o cuestiones estéticas deliberadamente marginadas en favor de las estrategias expositivas. La línea entre realidad y ficción era tan difusa y confusa que resultaba realmente difícil entender dónde terminaba una y empezaba la otra. Los artistas y coleccionistas son ficticios, pero la propia colección y las obras que la constituyen son reales.

Las obras de los dos falsos coleccionistas, expuestas en el MAMCO desde 1994, fueron donadas al museo y pasaron a formar parte de la colección permanente en 2019. Es un testimonio de cómo funcionó el sistema del arte entre 1985, cuando la pareja se conoció, y 2004, cuando se separaron.

La colección de Yoon-Ja Choi y Paul Devautour en el MAMCO de Ginebra. Foto Annik Wetter

La colección de Yoon-Ja Choi y Paul Devautour en el MAMCO de Ginebra. Ph. Annik Wetter

To be continued, 2016 de Christian Marclay está organizada por Françoise Ninghetto e instalada en el Gabinete de Dibujos del MAMCO. Christian Marclay (San Rafael, California, 1955) se trasladó a Nueva York en 1978 y pronto pasó a formar parte de la prolífica escena cultural neoyorquina, en la que la música y las artes visuales están estrechamente relacionadas. Locales contraculturales como The Kitchen ofrecen oportunidades para eventos interdisciplinares en los que colaboran artistas y músicos, en línea con el interés de Marclay por utilizar el sonido como medio para el arte visual. “Gran parte de mi arte trata de cómo una imagen es musicalmente expresiva y cómo el sonido se expresa visualmente”, afirma el artista. A lo largo de su carrera, Marclay ha explorado la relación entre el sonido y la vista y las formas en que el sonido puede hacerse visible. Aunque su arte se centra en la audición, no trata necesariamente sólo de música. Las onomatopeyas, por ejemplo, son excelentes herramientas en su práctica artística, porque no sólo representan un sonido, sino que también imitan los sonidos que denotan. Marclay busca onomatopeyas en escaparates, carteles callejeros, publicidad, cómics y etiquetas de productos. A menudo utiliza el collage para combinar una serie de imágenes en una composición larga y evocadora que puede servir de partitura a un cantante. El artista empezó a utilizar onomatopeyas en 1989, extrapolando páginas de cómics y pintando todo menos las palabras que expresaban sonidos. En 2006, empezó a arrancar páginas de cómics y a ensamblar los fragmentos en collages para crear una evocadora narrativa visual.

El interés por los cómics es un tema recurrente en la producción artística de Marclay en relación con la visualización de sonidos: un medio especialmente relevante, ya que yuxtapone imágenes para formar secuencias narrativas con interjecciones escritas y onomatopeyas. El artista es un gran amante de las imágenes, pero no sólo colecciona cómics, sino también fotografías, portadas de discos y películas. No quiere simplemente acumularlas, sino combinarlas en un todo, creando composiciones de dibujos, interjecciones, imágenes-palabras y elocuentes fragmentos de texto. El resultado es una composición rítmica abierta a la interpretación auditiva.

To be Continued nació en 2016 y es un cómic de cuarenta y ocho páginas que entretiene al lector por la expresividad de sus ilustraciones, que el artista ha reunido y ensamblado en breves viñetas. Los collages preparatorios que se muestran en la exposición permiten conocer un trabajo en proceso, cómo Marclay elige las imágenes y las dispone en una composición. El libro fue creado como partitura gráfica por el conjunto baBel, con el que Marclay colabora desde 2012. El grupo de cinco músicos improvisó sobre la base de las ilustraciones durante una duración de treinta segundos por página, convirtiendo el libro en un concierto sin interrupciones.

Continuación de la exposición de Christian Marclay

Exposición To be continued de Christian Marclay

La exposición dedicada a Olivier Mosset, comisariada por Paul Bernard y Lionel Bovier, con el apoyo de la Fondation du Jubilé de la Mobilière Suisse Société Coopérative, la Fondation de bienfaisance du groupe Pictet, la Fondation Bonhôte pour l’art contemporain y la Brownstone Foundation, estará abierta hasta el 6 de diciembre de 2020.

Olivier Mosset (Berna, 1944) es uno de los máximos exponentes de la pintura abstracta de posguerra y una referencia fundamental para generaciones enteras de pintores europeos y americanos. Junto con Daniel Buren, Michel Parmentier y Niele Toroni, formó parte del grupo BMPT que se opuso a la tradición pictórica establecida. Libres de los modelos tradicionales, los miembros del grupo querían dar a la pintura un nuevo comienzo a través de los rayados y cada uno utilizaba su propio motivo: rayas verticales de Buren, rayas horizontales de Parmentier, círculos de Mosset, pinceladas de Toroni.

La serie ampliada de círculos se convirtió así en distintiva de la pintura de Mosset de finales de los 60 y principios de los 70. El artista siempre se ha dedicado a lo abstracto y a su historia: como observa el crítico Bob Nickas, “su enfoque considera la pintura en términos de producción y recepción, y el reconocimiento es su dimensión social y política”. Se trasladó a Estados Unidos en 1977 y entró a formar parte de la vibrante escena artística neoyorquina de la década de 1980. Sus pinturas posteriores exploran la abstracción monocroma y geométrica, incorporando el rigor analítico de sus primeras obras. Mosset surge como uno de los pocos pintores europeos que se situó dentro de la tradición americana de la pintura a gran escala (el legado de Frank Stella, Robert Ryman o Barner Newman), pero que permaneció atento a la evolución del arte, apoyando incluso a artistas cuyas prácticas diferían de las suyas.

Ocupando prácticamente todo el museo, la retrospectiva del MAMCO recorre sus casi sesenta años de carrera, desde sus primeros experimentos en los años sesenta hasta sus recientes obras monumentales. Al mismo tiempo, varias salas están dedicadas a los movimientos y artistas con los que Mosset estuvo o siguió estando estrechamente relacionado, lo que permite a los visitantes comprender su arte y contextualizarlo. Además, se dedica una sección a su trabajo con Buren, Parmentier y Toroni. A continuación, la exposición presenta obras de los Nouveaux Réalistes (en particular de Jean Tinguely y Daniel Spoerri, para los que Mosset trabajó como ayudante), del colectivo de cine experimental Zanzibar, con el que Mosset dirigió, actuó y produjo varias películas, y del grupo estadounidense Radical. y produjo varias películas, el grupo estadounidense Radical Painting de los años 70 y 80 (que incluía a Marcia Hafif y Joseph Marioni) y artistas como Sherrie Levine, Steven Parrino, Cady Noland, John Armleder y Sylvie Fleury, con los que mantuvo un diálogo regular.

La exposición dedicada a Olivier Mosset. Foto Annik Wetter

Una exposición permanente es la instalación sonora de Kristin Oppenheim (Honolulu, 1959). El público entra en el entorno de la instalación, compuesta por siete secuencias musicales , y se encuentra en el corazón de una canción. Una voz a capella conserva la esencia de la canción original: una breve melodía y una o dos frases. El artista invoca la memoria individual y colectiva presentando una canción familiar que suena repetidamente. Una voz se acerca, mientras que una segunda, más distante, se superpone a la primera, extendiéndose por todo el espacio; la escucha está condicionada por la forma en que el sonido se inscribe en el espacio. La obra hace aflorar las sensaciones primitivas, a través de las vibraciones vocales, los vaivenes entre las dos voces y el ritmo, similar al de la respiración. El cuerpo se convierte en una pantalla sobre la que se proyectan las voces: es un organismo permeable y receptivo que nos permite redescubrir las propiedades táctiles del sonido. Y en contraste con esta fisicalidad consciente, notamos una especie de evanescencia en la obra, la ausencia de un cuerpo que proyecta este canto sencillo y sin adornos en un espacio vacío. El uso que Oppenheim hace del texto también evoca una sensación de carencia, inadecuación y distanciamiento de los demás. En la obra de Kristin Oppenheim, las voces ocupan el lugar de las figuras, como si acompañaran a los visitantes. El canto permite poner en juego una cantidad considerable de emociones y la melodía fomenta el uso de múltiples tonos vocales. Por último, el tono y la repetición pretenden revelar otras voces.

Instalación de Kristin Oppenheim. Foto Annik Wetter

Situado en la tercera planta del MAMCO, el Apartamento es un espacio expositivo inusual. Se trata de una reconstrucción del piso parisino en el que Ghislain Mol let-Viéville trabajó de 1975 a 1991 para promover el arte minimalista y conceptual. Mollet-Viéville, que se autodenominaba “agente artístico”, organizó inicialmente su espacio de vida y trabajo para adecuarlo a los protocolos de las obras de su colección, antes de dar prioridad a las consecuencias de su desmaterialización y mudarse a un nuevo piso sin obras visibles. Esto significa que su colección podría haber sido confiada al MAMCO cuando el museo abrió sus puertas en 1994. En 2016, el museo comenzó a adquirir una gran parte de ella.

Las veinticinco obras de la colección son significativas de la producción de la primera generación de artistas minimalistas, como Carl Andre, Donald Judd y John McCracken, y de artistas conceptuales, como Joseph Kosuth, Sol LeWitt y Lawrence Weiner. Si los primeros exploran un léxico de formas elementales, lógicas y radicales que alejan todo antropomorfismo y rasgo narrativo, los segundos ofrecen principalmente protocolos de ejecución, convirtiendo al coleccionista en un agente del que depende la existencia material de las obras. Ambos plantean propuestas a favor de una experiencia intelectual y sensorial inmediata.

MAMCO, el piso. Foto Annik Wetter

MAMCO, el piso. Ph. Annik Wetter

A diferencia de los demás espacios del MAMCO, el Apartamento presenta las obras en un entorno "doméstico". Esto significa que los visitantes tienen la sensación de encontrarse en un espacio más íntimo, en un espacio en el que se invita al público a dejar a un lado las convenciones mientras asiste a una conferencia, a un acto especial o, simplemente, mientras se entretiene frente a las obras.

La colección del MAMCO cuenta con más de cinco mil obras creadas entre la segunda mitad del siglo XX y principios de la década de 2000 y la mitad de ellas están disponibles en línea desde el verano de 2020, pero la digitalización se actualiza constantemente. El catálogo en línea de la colección del museo es posible gracias al apoyo de la Fondation Leenaards, la Loterie Romande y la Fondation Lombard Odier.

Más información en mamco.ch

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