Sesenta años de arte italiano en Carrara, de Morlotti a la Transavanguardia y hasta hoy

Del 5 de agosto al 30 de octubre de 2022, Vôtre Spazi Contemporanei de Carrara organiza dos exposiciones (inauguración el 5 de agosto a las 21.00 horas) en el Palazzo del Medico de Piazza Alberica: la colectiva Luces de verano, comisariada por Nicola Ricci y Federico Giannini, y la individual del escultor Novello Finotti. Luces de verano reúne obras de veinticuatro artistas y forma parte de una serie de exposiciones sobre las tendencias de la pintura y la escultura italianas desde los años 50 hasta nuestros días que Vôtre lleva organizando varios años (la última en orden cronológico fue la exposición Uguali Disuguali , celebrada entre noviembre y enero).

Luces de verano, a partir del 70º aniversario de la fundación del Gruppo degli Otto (Grupo de los Ocho), que proponía una tercera vía entre la abstracción y la realidad mientras arreciaba el debate entre abstraccionistas y artistas figurativos, recorre algunos de los principales acontecimientos que han afectado al arte italiano desde 1952, exponiendo algunas de las obras de arte más importantes de los años cincuenta.Arte italiano a partir de 1952, exponiendo obras de dos miembros del Otto, a saber, Antonio Corpora (Túnez, 1909 - Roma, 2004) y Ennio Morlotti (Lecco, 1910 - Milán, 1992) hasta principios de la década de 2000 a través de la presencia de pinturas y esculturas que presentan investigaciones sobre la luz y el color. Del abstraccionismo geométrico de Piero Dorazio (Roma, 1927 - Perugia, 2005) al espacialismo de Turi Simeti (Alcamo, 1929 - Milán, 2021) y Dadamaino (Edoarda Emilia Maino; Milán, 1930 - 2004), de la pintura objetiva de Mario Schifano (Homs, 1934 - Roma, 1998) al neosurrealismo de Aldo Mondino (Turín, 1938 - 2005), de la Transvanguardia de Sandro Chia (Alessandro Coticchia; Florencia, 1946) al Nuevo-Nuevo como Salvo (Salvatore Mangione; Leonforte, 1947 - Turín, 2015) y Luigi Ontani ( Vergato, 1943), a la Nuova Scuola Romana de Piero Pizzi Cannella (Rocca di Papa, 1955), el citacionismo de Athos Ongaro (San Donà di Piave, 1947), la recuperación de la tradición por parte de Wainer Vaccari (Módena, 1949) y laironía de Maurizio Cannavacciuolo (Nápoles, 1954), hasta las tendencias más recientes encarnadas por artistas como Antonia Ciampi (Bolonia, 1959), Marco Cingolani (Como, 1961), Angelo Filomeno (Ostuni, 1963), Federico Fusj (Siena, 1967) y Santiago Ydáñez (Jaén, 1967). También hay una sección dedicada a artistas activos en la zona de Carrara pero que han expuesto en contextos internacionales, como Luciano Massari, Silvia Papucci, Roberto Rocchi, Silvio Santini y Enzo Tinarelli.

"Con Luces de verano el público tiene la oportunidad de visitar una especie de antología de cinco décadas de pintura y escultura italianas“, dicen los comisarios Ricci y Giannini. ”El recorrido sigue unas líneas que comienzan exactamente hace setenta años y llegan, a través de filiaciones, reacciones y reelaboraciones, hasta nuestros días. Después de Uguali e Disuguali (Iguales y desiguales), que se centraba sobre todo en las armonías y disonancias entre lenguajes a menudo opuestos, Luces de verano tiene un sesgo más clásico, con el objetivo de trazar una pequeña y necesariamente incompleta historia de la pintura y la escultura para observar cómo los lenguajes desarrollados por los artistas historicistas han sido transpuestos por los de las generaciones posteriores".

La exposición individual de Novello Finotti (Verona, 1939), por su parte, reúne una serie de importantes esculturas del artista de la región del Véneto, conocido por sus obras situadas entre la realidad y la fantasía, un artista que trabaja el mármol y el bronce y que ha expuesto en todo el mundo. Nacido en Verona en 1939, Finotti vive y trabaja entre Sommacampagna y Pietrasanta. Tras estudiar en la Accademia Cignaroli, debutó a los diecinueve años, en 1958, exponiendo sus obras en Asís, y posteriormente participó en el III Concurso Internacional de Bronce. En 1964 expuso en Nueva York y dos años más tarde debutó en la Bienal de Venecia, a la que regresó en 1984 con una exposición individual. Finotti también participó en dos ocasiones en la Cuadrienal de Roma (1976 y 1986). Entre sus principales exposiciones individuales figuran las celebradas en la Galería Jolas de Milán (1972), la Embajada de Italia en Tel Aviv (Israel) (1976), la Galería Jolas Jackson de Nueva York (1977), la Galerie Berg Home de St.Italian Cultural Institute, San Francisco (1980), Palazzo Te, Mantua (1986), Galleria Marilena, Liakopoulus, Atenas (1980), Galleria Forni, Bolonia (1991 y 2005), Galleria Credito Valtellinese, Refettorio delle Stelline, Milán (1995), Nardin Gallery, Nueva York (1998), Castello Scaligero, Malcesine (2000), Abbazia di Rosazzo en Manzano.

Las dos exposiciones pueden visitarse en las salas de Vôtre Spazi Contemporanei (Palazzo del Medico, Piazza Alberica 5, Carrara) de martes a sábado de 17.00 a 20.00 horas, del 5 de agosto al 30 de octubre. Inauguración abierta a todos el viernes 5 de agosto a las 21.00. La exposición es gratuita. Para más información, llame al +39 3384417145, envíe un correo electrónico a associazionevotre@gmail.com o visite https://www.votrespazicontemporanei.it. A continuación figura el texto introductorio de la exposición, de Federico Giannini.

Luces de verano

1952 fue uno de los años fundamentales para el arte italiano de la segunda mitad del siglo XX: en la Bienal de Venecia de ese año, Lionello Venturi presentó por primera vez al público y a la crítica el grupo de los “Otto Pittori Italiani” (Ocho pintores italianos), que había apadrinado, y que nació de un deseo preciso que Antonio Corpora había expresado al propio Venturi: el deseo de refundar la pintura italiana abriendo una tercera vía entre la abstracción y la figuración, superando las rígidas divisiones que habían atenazado el debate artístico de la época (los “ocho”, es decir, Afro Basaldella, Renato Birolli, Antonio Corpora, Mattia Moreni, Ennio Morlotti, Giuseppe Santomaso, Giulio Turcato y Emilio Vedova, no querían definirse ni como realistas ni abstraccionistas), y utilizando, escribiría Venturi, "ese lenguaje pictórico que depende de la tradición iniciada hacia 1910 y que incluye la experiencia de los cubistas, expresionistas y abstraccionistas".

El lenguaje del grupo, que rechazaba cualquier extremismo y aspiraba a la libertad de poder expresarse con formas capaces de transfigurar la realidad sin rechazarla ni negarla, estaba destinado al éxito desde aquella primera ocasión expositiva: baste recordar cómo, justo después de la Bienal de 1952, Palma Bucarelli, entonces director de la Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, decidió enriquecer las colecciones del museo comprando unAlba de Corpora por 72.170 liras (algo más de mil euros de hoy), elegida también por sus características formales, al ser una obra en la que “el color-luz se expande más allá de la disposición estructural, penetrando como un rayo de sol en la trama superficial, con una dialéctica interna y espontánea que ya distingue a Corpora en el contexto postcubista abstracto de posguerra”. A partir de estas sugerencias, en el 70 aniversario de la fundación del Gruppo degli Otto (Grupo de los Ocho), la exposición Luces de verano, en consonancia con las recientes exposiciones de Vôtre destinadas a recorrer los acontecimientos de las últimas décadas del arte italiano, y en particular de la pintura y la escultura, forma parte de la serie de muestras antológicas sobre arte italiano reciente en elarte italiano reciente en la galería Carraresi, con el objetivo de rastrear los hilos de parte de la cultura pictórica italiana entre los años 50 y principios de los 2000, concretamente con una serie de cuadros que presentan investigaciones sobre la luz y el color.

La experiencia de los Ottos iba a ser muy efímera: la marcha de dos de sus principales exponentes, Morlotti y Vedova, decretaría el fin del grupo ya en 1954. Morlotti, en concreto, había abandonado los Otto para unirse a los “últimos naturalistas” bajo la égida de Francesco Arcangeli, animado por la intención de devolver la naturaleza, entendida en su más pura esencia física como elemento “en el sentido más puro de lo físico”, al centro de la acción artística. pura esencia física de un elemento “que se mira, se respira, se siente, se sufre incluso antes de ponerlo en palabras”, como escribió el propio Arcangeli en el ensayo Gli ultimi naturalisti publicado ese año en Paragone. Al mismo tiempo, en el lado opuesto, la pintura abstracta seguía produciendo sus experimentos: Acabada la experiencia de Forma 1, que reconocía el formalismo como “el único medio de escapar a las influencias decadentes, psicologistas y expresionistas”, Piero Dorazio, que a la jovencísima edad de apenas veinte añosaños, figuraba entre los firmantes del manifiesto en el que se afirmaba que “la forma es medio y fin”, se mantuvo en sus posiciones incluso tras la disolución del grupo en 1951 y continuó por la senda del abstraccionismo geométrico: la pintura, para Dorazio, no debía representar otra cosa que a sí mismo, y el artista de origen romano se mantendría siempre coherente con esta intención poética, aunque varió sus investigaciones sobre las composiciones y los colores, que en los años sesenta tendían a formar estructuras cuadriculadas para sugerir la presencia de un espacio, y más tarde dialogarían entre sí para lograr contrastes de luces y sombras cada vez más marcados. En esos mismos años se abría paso en Italia la investigación de los Espacialistas liderados por Lucio Fontana, que, sostenidos por una poética innovadora y radical y un lúcido marco teórico, subvertían el arte mundial al considerar la obra como “una suma de elementos físicos, color, sonido, movimiento, tiempo, espacio, concibiendo una unidad físico-psíquica, el color el elemento del espacio, el sonido el elemento del tiempo, y el movimiento desarrollándose en el tiempo y en el espacio” (así en el Manifiesto Técnico del Espacialismo de 1951): las dimensiones fundamentales de la existencia confluyen en las obras de los artistas espacialistas, representados en Luces de verano por Turi Simeti, autor de una “pintura tridimensional” capaz de trastocar la percepción común del cuadro y dedesencadenar relaciones inéditas y originales entre el color y la luz moduladas directamente por las formas que Simeti daba a sus obras, y por Dadamaino (Edoarda Emilia Maino), que debutó en Milán a finales de los años 50 con sus Volumi (Volúmenes) que, herederos de los Concetti spaziali (Conceptos espaciales ) de Fontana, contemplaban el lienzo como un objeto, una forma monocroma a explorar en lo más profundo de su dimensión física.

En los años sesenta, la respuesta a la poética abstracta e informal tomaría tres caminos diferentes, el más afortunado de los cuales fue, en palabras de Maurizio Fagiolo dell’Arco, “el arte que se vuelve hacia el objeto, hacia el símbolo, hacia la realidad: una ’nueva objetividad’ tan atenta como siempre a las huellas de la ciudad y del espacio humano”. En esta nueva objetividad, que mostraba varios puntos de tangencia con el Pop Art que llamó la atención del mundo entero a partir de la Bienal de Venecia de 1964, se encontraba la figura de Mario Schifano, un artista de mediación entre la pintura y la fotografía, es decir, un pintor que “asimila de la imagen fotomecánica no la representación minuciosa y verista del detalle, sino, por el contrario, la instantaneidad y el patetismo”. Junto a la pintura objetiva representada por Schifano, Fagiolo dell’Arco situó el arte programado y el arte neosurrealista: Este último encontró uno de sus exponentes más originales en la figura de Aldo Mondino, un artista polifacético que, a lo largo de su carrera, experimentó cambios incluso radicales en su poética (como cuando, hacia finales de los años ochenta, se acercó a las culturas orientales y comenzó a producir las famosas alfombras y derviches).

El llamado retorno a la pintura que sacudió los años ochenta tras una década dominada por elArte Povera, el Arte Conceptual, el Minimalismo, el Neo-Dada, el Land Art y el Body Art, tendencias que habían relegado sus investigaciones a los márgenes del interés del público y la crítica.interés del público y la crítica por las investigaciones de quienes trabajaban con lienzos y pinceles, también produjo nuevos fermentos en Italia, que condujeron a la afirmación de fenómenos reaccionarios como la Transvanguardia de Achille Bonito Oliva, que, en 1979, eligió a un grupo deartistas emergentes, es decir, Sandro Chia (presente en la exposición con una Pareja pensante y un Hombre dormido), Francesco Clemente, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino, Nicola De Maria, Marco Bagnoli y Remo Salvadori para proponer al público un arte capaz de “volver a sus motivos internos, a las razones constitutivas de su trabajo, a su lugar por excelencia, que es el laberinto, entendido como ’trabajo interior’, como excavación continua dentro de la sustancia de la pintura” (así introducía Bonito Oliva el artículo La Transavanguardia italiana con el que presentó al grupo en 1979). Aunque el movimiento se presentaba sin una poética formal común, compartía algunos elementos básicos, como el subjetivismo, el eclecticismo y el cruce de las vanguardias (de ahí el nombre) mediante un arte fundado en la manualidad, la sorpresa, la pulsión interior del artista y, en consecuencia, en la falta de una ideología básica. En la obra de Sandro Chia ocupa un lugar central la figura humana, interpretada a través de un lenguaje neoexpresionista basado en el uso de líneas y colores caracterizados por una gran audacia, impetuosos, con un fuerte impacto en el observador. Un año más tarde, en 1980, otro crítico, Renato Barilli, fundó el grupo Nuovi-Nuovi, que, alejándose tanto de la vanguardia como del radicalismo de la Transavanguardia, optó por una mediación posmoderna entre pasado y presente, entre la recuperación de la historia del arte mediante un marcado citacionismo y la elaboración de imágenes obtenidas a través del medio fotográfico: “De la explosión a la implosión”, escribiría Barilli en el catálogo de la exposición Diez años después que sancionó el nacimiento del grupo, “de la proyección hacia el futuro a la recuperación del pasado, de la huida fuera de los recintos sagrados del arte a una zambullida en el corazón del sistema museístico más protegido y reconocido”. En representación de los Nuovi-Nuovi, Luces de verano presenta obras de Salvo y Luigi Ontani: Mientras que el primero se había dado a conocer con obras que citaban abiertamente el gran arte del pasado antes de pasar a una pintura paisajista caracterizada por colores vivos y una extrema sencillez gráfica, Ontani pasó de los tableaux vivants a navegar continuamente entre la pintura, la escultura, el mosaico y la fotografía, elaborando una poética lúdica e irreverente que bebe de lo antiguo y lo moderno, expresando plenamente la propensión posmoderna a la apropiación y la reelaboración. Las figuras de Wainer Vaccari, Athos Ongaro y Maurizio Cannavacciuolo se mueven en el mismo clima de “retorno al pasado”, aunque con resultados extremadamente diferentes: Vaccari busca en el arte del pasado (en particular en la pintura renacentista, el Simbolismo y la Neue Sachlichkeit) una pintura lejana, inquietante e intemporal, Ongaro se presenta desde el principio con un arte entregado al eclecticismo más insolente, mientras que Cannavacciuolo se presenta con sus elaboradas obras que ocultan diferentes niveles narrativos bajo tramas complejas e intrincadas, también en el plano formal. Junto a la Transvanguardia, los Nuovi-Nuovi y los artistas que no se identificaban con ningún movimiento pero cuyas figuras destacaban por la originalidad de su lenguaje, en la década de 1980 surgió otro grupo, el de la Nueva Escuela. otro grupo, el de la Nueva Escuela Romana, liderado por Bruno Ceccobelli, Gianni Dessì, Giuseppe Gallo, Nunzio, Piero Pizzi Cannella (este último en la exposición) y Marco Tirelli, uno de los últimos movimientos importantes del arte italiano: Nacida oficialmente en 1984 con la exposición Ateliers , celebrada en el Pastificio Cerere de Roma, la Nuova Scuola Romana (también conocida como “Escuela de San Lorenzo”) se remontaba a la Escuela Romana de los años veinte, la de Scipione, Mario Mafai y Antonietta Raphaë l, con la idea de ir más allá de la Escuela de San Lorenzo.l, con la idea de ir más allá del arte conceptual y el Arte Povera para proponer un retorno no sólo a los oficios manuales y las artes tradicionales, sino a la propia sensibilidad delpropia sensibilidad del artista, y convirtiéndose en portador, según ha escrito Patrizia Ferri, de un significado “glocal” en el que “confluyen una tendencia centrífuga y otra centrípeta, de atención a la memoria y de expansión hacia una dimensión más global y compartida de la experiencia artística”. dimensión global y compartida de la experiencia artística, a la luz de una sobriedad heredada de la investigación analítica frente al internacionalismo salvaje y más exitoso, tanto en términos de cifras de mercado como de valores estéticos".

Luces de verano examina a continuación el modo en que diversos artistas nacidos en los años sesenta o poco después han elaborado los distintos lenguajes del arte italiano. Entre los artistas que miran al pasado figuran Angelo Filomeno, que utiliza la técnica del bordado con referencias a temas y asuntos antiguos (el público de la exposición encontrará una de sus grandes vanitas de seda), Santiago Ydáñez, español pero activo desde hace tiempo en Italia, que destacó por sus expresivos retratos del artista italiano. distinguido por sus expresivos retratos de dimensiones monumentales, y Marco Cingolani, que ha encontrado un camino propio, singular y extremadamente original entre el neoexpresionismo y el abstraccionismo, basando su gramática en el uso casi virtuoso del color. En el lado de la abstracción se sitúan artistas como Federico Fusj, animado por una tensión continua por fusionar modos de expresión incluso distantes para explorar el potencial de la materia, y Antonia Ciampi, cuya investigación está impulsada por el deseo de encontrar puntos de contacto entre el ser humano y el cosmos.

Un homenaje a los artistas de Carrara, o activos en la zona de Carrara, cierra la exposición para desencadenar un diálogo entre las obras de algunos importantes exponentes de la cultura artística local (pero que han expuesto en contextos internacionales) y las del recorrido histórico de Luces de verano. Así, se da espacio a las Tierras Silenciosas de Luciano Massari que se miden con un Volumen Dadamaino, a las explosiones de color de Silvia Papucci, a los experimentos con mármol y LED de Roberto Rocchi, a las formas limpias y sinuosas de Silvio Santini y al mosaico contemporáneo de Enzo Tinarelli para demostrar cómo el panorama carrarés sigue manteniendo un impulso vivo y constante.

Sesenta años de arte italiano en Carrara, de Morlotti a la Transavanguardia y hasta hoy

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