Obras maestras de la colección Torlonia se exponen en el Louvre

Las obras maestras de la Colección Torlonia, la mayor colección privada de escultura antigua conservada hasta nuestros días, reunida por los príncipes Torlonia durante el siglo XIX en Roma, se dan a conocer en una serie de exposiciones-evento. ElLouvre acoge, del 26 de junio al 11 de noviembre de 2024, la primera exposición de mármoles Torlonia fuera de Italia, con una muestra en los recién restaurados apartamentos de verano de Ana de Austria, sede de la colección permanente de esculturas antiguas desde la fundación del Museo del Louvre en el siglo XVIII. La exposición, titulada Obras maestras de la colección Torlonia y comisariada por Cécile Giroire y Martin Szewczyk, pretende poner de relieve algunas obras maestras de la escultura antigua e invita a los visitantes a admirar las joyas indiscutibles del arte romano, pero también a descubrir los inicios de la historia de los museos en la Europa de la Ilustración y del siglo XIX.

Nacida de la pasión por el arte antiguo de los príncipes Torlonia, herederos de las prácticas nobiliarias de la Roma papal, la colección Torlonia aspiraba, sobre todo con la apertura del Museo Torlonia en la década de 1870, a rivalizar con los grandes museos públicos: los Museos Vaticanos, los Museos Capitolinos y el Museo del Louvre. Desde 2020, la colección es objeto de una serie de exposiciones-evento que ofrecen al público la posibilidad de redescubrir, tras un largo eclipse, la excepcional colección de esculturas del Museo creado por Alessandro Torlonia en 1876 y cerrado a mediados del siglo XX.

Las dos etapas de la exposición, en Roma y Milán, bajo el comisariado de Salvatore Settis y Carlo Gasparri y con la alta supervisión de la Superintendencia Especial de Roma, reconstruyeron hacia atrás la historia de la colección. La exposición de París, por su parte, nace del deseo de presentar al público, en un lugar cargado de historia, esta colección poco conocida en Francia e invita a realizar un viaje estético y arqueológico a través de las obras que la componen, estableciendo un diálogo con las colecciones del Louvre.

La presentación al público de una colección de escultura antigua del más alto nivel artístico, accesible sólo hasta hace poco, en un espacio tradicionalmente dedicado a la exposición de escultura desde los inicios del Museo del Louvre, y por tanto de gran importancia en la historia de los museos, constituye por tanto un triple acontecimiento en 2024.

Articulada en torno a obras maestras de la colección Torlonia, la exposición también pretende revelar los géneros emblemáticos de la escultura romana, así como la heterogeneidad de sus temas y fórmulas estilísticas. Retratos, esculturas funerarias, copias de célebres originales griegos, obras inspiradas en modelos griegos de las épocas arcaica y clásica: figuras de los thaosos dionisíacos y alegorías revelan un repertorio de imágenes y formas que constituyen la fuerza del arte romano, al tiempo que se establece un diálogo entre dos colecciones hermanas, las esculturas del Louvre y las del museo Torlonia, desde el punto de vista de la historia de las colecciones.

En el centro de la exposición se encuentra la historia de la colección que en su día se expuso en el Museo de Torlonia, y las características especiales dictadas por las circunstancias de su origen. Compuesta por mármoles hallados en el subsuelo de Roma, epicentro del poder y de la producción artística del Occidente romano, o en sus alrededores inmediatos, la colección reúne esculturas pertenecientes al arte culto, de gran calidad de ejecución. También incluye obras procedentes de colecciones más antiguas, sacadas a la luz a partir de los siglos XV o XVI y, debido a su larga historia, transformadas y adaptadas al gusto de la época. La especificidad de la colección Torlonia, a la vez última colección principesca de Roma y museo que mira hacia el futuro, está representada por una obra extraordinaria, ya conocida en el siglo XVIII: el Caprone restaurado por Gian Lorenzo Bernini.

Tesoro de obras maestras de la escultura romana, el Museo Torlonia, fundado según el principio de una selección crítica y una ordenación científica de las colecciones, conserva la huella secular de la historia del coleccionista. Los orígenes de la colección llevaron a Alessandro Torlonia, en la segunda mitad del siglo XIX, a convertirla en un museo abierto a pequeños grupos de visitantes. Distanciándose del coleccionismo a la antigua usanza, el museo de Alessandro Torlonia sigue profundamente influido por él, fruto del encuentro de dos dinámicas históricas: la pasión aristocrática por las antigüedades, por un lado, y el nacimiento de la disciplina arqueológica, por otro.

La exposición comienza con la sección Opera nobilia. El arte de copiar. La práctica de copiar esculturas griegas famosas comenzó a desarrollarse en el siglo II a.C., y en la época imperial romana se convirtió en una forma de arte por derecho propio. La réplica de los originales se realiza tomando medidas para guiar al escultor, mientras que la difusión de los modelos se asegura mediante la producción de vaciados en yeso (algunos de los cuales se han encontrado en excavaciones arqueológicas). La copia de obras nobles de la escultura griega se convirtió en una práctica característica y emblemática del arte romano, reflejo de la formación de un canon de obras artísticamente ejemplares. El Museo Torlonia es coetáneo del gran movimiento académico que, desde mediados del siglo XIX, desarrolló el método de referencias cruzadas entre las fuentes antiguas y el corpus de copias romanas para estudiar el arte griego. La restauración de las esculturas incorpora los avances de esta investigación. La colección incluye varias copias romanas que permiten conocer mejor esta práctica, originaria del mundo helenístico y que alcanzó su apogeo en los primeros siglos del Imperio Romano. La calidad artística de los famosos originales griegos también puede percibirse bajo el cincel del copista. La comparación de dos réplicas del original Sátiro en reposo pone de relieve el problema de la copia, crucial para comprender la práctica artística romana. Si laHestia Giustiniani, cuyo prototipo puede atribuirse a un maestro del periodo clásico temprano (470-460 a.C.) es una escultura cuya calidad de ejecución sugiere que procede de un taller del más alto nivel, no es la única copia que atestigua la influencia de los originales admirados en la época imperial. Todas las réplicas ilustran un hecho esencial para comprender el llamado arte “culto” romano: el arte de los escultores y los deseos de los mecenas están profundamente influidos por una cultura estética que mira a los modelos griegos y, más concretamente, a las obras maestras griegas del pasado.

Arte culto. Estilos del pasado griego es el título de la segunda sección. Plinio el Viejo atestiguaba en sus escritos que los modelos preparatorios del escultor griego Arcesilao, activo en Roma a mediados del siglo I a.C., se vendían más caros que las obras acabadas de otros artistas. Los escultores griegos activos en Roma desde el siglo II y especialmente desde el siglo I a.C. ofrecían a los clientes romanos un repertorio ecléctico de formas tomadas de las experiencias artísticas de la Grecia arcaica, clásica y helenística. Desarrollaron nuevos modelos a partir de estas formas antiguas, y la actividad de los llamados talleres “neoáticos” tuvo consecuencias para el arte romano en general que fueron más allá del campo de la escultura: todos los artistas y artesanos romanos utilizaron estos modelos en numerosos ámbitos de la producción figurativa. La colección Torlonia, formada en el epicentro de esta floreciente y ecléctica actividad, lleva la impronta de este fenómeno artístico. Figuras de ménades tomadas de la obra del escultor ático Callimachus (finales del siglo V a.C.) se reproducen para decorar lujosos muebles de mármol, como la crátera de la colección Torlonia. La Copa Albani, decorada externamente con escenas que representan los Trabajos de Hércules, se inscribe en la misma línea: una investigación artística que presenta todas las características del Neoclasicismo. Las escenas decorativas individuales atestiguan la reproducción, a finales del siglo I a.C., sobre un soporte diferente, de prototipos realizados en la segunda mitad del siglo IV. La yuxtaposición de figuras elaboradas a partir de prototipos estilísticamente diferentes es evidente en el altar con tres divinidades: Zeus y Atenea, con el diseño de los drapeados, la estilización ornamental de la barba y el cabello, y la pose casi rígida de las figuras, contrastan con la figura femenina que camina en dirección opuesta, caracterizada por unos drapeados profundos y plásticos y la forma natural del cabello. Como consecuencia directa de este arte culto, impregnado de referencias, los escultores revisitan y mezclan modelos griegos, a menudo de forma ecléctica. Esta proliferación de estilos e imágenes está en la base de una de las características más significativas del arte romano:el eclecticismo.

Continúa con la sección Entrando en danza. La modernidad helenística. El enfoque restrospectivo adoptado por los escultores del Helenismo tardío para satisfacer los gustos y exigencias de los mecenas romanos estructuró profundamente la relación entre el arte griego y el romano (como demuestran las obras de arte encontradas en las villas de la aristocracia romana). No obstante, la recepción romana del arte griego fue testigo de la asimilación de estilos y motivos de la modernidad helenística. La iconografía dionisíaca, tan pintoresca como sus temas de género, estaba destinada a decorar los espacios domésticos de los patricios. El excepcional grupo de laInvitación a la danza, hallado en el yacimiento arqueológico de la Villa dei Sette Bassi, que representa a un sátiro danzante y a una ninfa sentada, suele estar atestiguado en la iconografía de las monedas. Las imágenes de la procesión dionisíaca y de su éxtasis, ampliamente utilizadas por los artistas neoáticos, ofrecieron a los escultores la oportunidad de desarrollar una forma artística barroca, rica en expresividad y sensualidad corporal. El magnífico ejemplar, restaurado como busto, del tipo del Sátiro Borracho de Herculano, cuya expresividad y acentuado movimiento son característicos de las investigaciones de los escultores de Pergamino del siglo II a.C., y el fascinante Sileno de tipo Cesi representan dos declinaciones pertenecientes a la misma corriente artística de temas de género. El desarrollo de la iconografía egipcia, alegórica o relacionada con la amplia difusión de los cultos alejandrinos de Isis, Serapis y Harpócrates, también puede remontarse a las experiencias helenísticas. Esta modernidad helenística constituye otro aspecto de la considerable influencia ejercida por las formas griegas en la cultura artística romana. Elegidas por mecenas adinerados, sobre todo para decorar sus suntuosas residencias, estas obras de gusto moderno de época helenística se han encontrado en gran número en Roma y figuran así en la colección de los príncipes Torlonia.

La siguiente sección se titula La vida de las formas. Originalidad de la escultura romana. Inspirada en el arte griego, del que extrajo la mayor parte de sus recursos artísticos y figurativos, la escultura rom ana demuestra una vitalidad que se traduce en una expresión completamente nueva: nuevas necesidades, nuevos géneros, nuevas orientaciones estéticas e iconográficas proclaman la originalidad de la escultura romana, como atestiguan las obras de esta sección. El repertorio “heráldico”, resultado de la reelaboración de modelos griegos por talleres neoáticos, reviste una importancia considerable para el desarrollo del arte romano. Combinando personajes en acción en composiciones simétricas, consiste en una colección de motivos que se declinan a voluntad, donde la imagen, llena de significados genéricos, adquiere una dimensión simbólica en lugar de transcribir de forma realista el gesto. Este principio compositivo se utilizará para crear nuevas imágenes míticas, como la tauroctonía de Mitra, culto de origen persa cuya imagen es a la vez narrativa y profundamente simbólica. La libertad con la que se utilizan los principios de perspectiva y de construcción realista de la figuración se pone al servicio de la función simbólica de la imagen. El relieve con una vista del Portus Augusti es único en el arte romano y, con sus registros topográficos y simbólicos mezclados vívidamente, sin respetar ninguna perspectiva racional, da testimonio de la labilidad de la frontera entre el arte erudito y el popular. Los géneros iconográficos y las tipologías inventadas, adoptadas para responder a las nuevas exigencias, figuran entre los aspectos originales del arte romano. Las imágenes de bárbaros derrotados, inspiradas en el arte helenístico, proclaman el poder y la invencibilidad del emperador de forma monumental, y expresan el arte imperial en su esencia. Por último, los grandes sarcófagos utilizados para enterrar a los muertos a partir del siglo II d.C. fomentaron el desarrollo del arte del relieve. Narraciones continuas, escenas mitológicas de carácter “heráldico”, alegorías que representan al difunto como uno de los Siete Sabios de la antigua Grecia o composiciones “biográficas” que ensalzan las hazañas privadas o públicas del mecenas, enriquecen un repertorio de imágenes de sorprendente vitalidad, sintomáticas de ese arte romano que se inspira en diversas fuentes pero llega a producir una expresión totalmente distintiva.

Una historia compartida. Dos colecciones hermanas compara los mármoles de la Colección Torlonia y los del Louvre, que en muchos casos comparten una historia común; hay numerosas obras atestiguadas en la misma colección, de la época del Renacimiento o de siglos posteriores. De estos orígenes comunes se deriva el hecho de que ambas colecciones traducen concretamente la evolución del gusto por la Antigüedad y la forma de expresarlo. Las antigüedades del Louvre y las de la Via della Lungara trazan así una larga historia de prácticas coleccionistas. La colección de escultura griega y romana del Museo Torlonia y la del Museo del Louvre (hasta mediados del siglo XIX) parecen reflejarse mutuamente como dos colecciones hermanas. Algunas obras se encontraron en el mismo lugar, aunque en circunstancias diferentes, como los mármoles de la villa de Herodes Ático en la Vía Apia. Herodes Ático, gran notable ateniense, senador romano, amigo de emperadores, filósofo y orador, es una de las figuras más influyentes del siglo II d.C. Las excavaciones arqueológicas han sacado a la luz varias de sus residencias, tanto en Grecia como en Roma, donde poseía una suntuosa villa al sureste de la ciudad, a lo largo de la Vía Apia. Durante las excavaciones realizadas en el lugar ya en el siglo XVII, se encontraron esculturas e inscripciones, que fueron trasladadas de la colección Borghese al Louvre en 1807. En la primera mitad del siglo XIX, la familia Torlonia también realizó excavaciones en la zona que sacaron a la luz esculturas procedentes de la villa del senador ateniense. La exposición del Louvre es la ocasión de reunir un pequeño conjunto de obras evocadoras de la personalidad de Herodes Ático, dispersas en la historia de las colecciones. Estos fragmentos revelan la personalidad de un mecenas y coleccionista de gran calado cultural, cercano a la corte imperial y figura central en los círculos intelectuales del Imperio. Las esculturas reunidas en esta sección, que constituyen un raro testimonio de lo que la arqueología ha revelado sobre las propiedades y colecciones de Herodes Ático en Roma y Grecia, atestiguan el origen topográfico común de las colecciones. Otro vínculo que une a las dos colecciones, según la expresión acuñada por Salvatore Settis, es el hecho de que ambas son “colecciones de colecciones”. Antes de enriquecerse con obras halladas en excavaciones en Grecia, Asia Menor, África del Norte y Oriente Próximo, en su primer medio siglo de vida como colección pública, las Galerías de Antigüedades del Louvre -salas en las que se expone casi exclusivamente escultura, según un esquema que se retomará en el museo de Alessandro Torlonia- presentan piezas procedentes de las colecciones reales (en gran parte adquiridas en Roma a las colecciones de la nobleza y de los cardenales) y con importantes aportaciones de las colecciones Borghese y Albani. La presentación (a escala monumental) reúne esculturas que estuvieron en las colecciones de las ilustres familias Savelli, Cesi y Médicis en el siglo XVI, y en la colección Albani en el siglo XVIII, revelando una multiplicidad de caminos que escriben la rica y compleja historia de las colecciones de antigüedades entre el Renacimiento y el siglo XIX. La obra antigua como objeto de deleite estético y de prestigio, modelo para los artistas, símbolo de un ideal de civilización y objeto de conocimiento está en el corazón de la cultura europea y de la idea de museo que dio origen al Louvre.

La pasión por la Antigüedad en la Roma del primer Humanismo precedió durante mucho tiempo a la idea de que estos fragmentos en ruinas de la antigua Roma debían ser restaurados y completados. Las primeras descripciones de palacios romanos, como las del patio del palacio Savelli en el Teatro Marcello, pero sobre todo los dibujos de Martin van Heemskerck y Pierre Jacques, revelan cómo se presentaban generalmente estas colecciones en el siglo XV: fragmentos de esculturas, dispuestos sin orden aparente, apreciados como ruinas antiguas. En las primeras décadas del siglo XVI, se impone un nuevo modelo estético: la pieza antigua se convierte en un objeto estético a caballo entre la Antigüedad y la época moderna. Completar estatuas fragmentadas se convierte en un tema para los artistas, en primer lugar para los escultores, que ven en ello una oportunidad de lidiar con el estilo antiguo; pero también es un tema para los mecenas, que buscan crear composiciones armoniosas en el interior de palacios y villas suburbanas, que desempeñen el papel de una decoración palaciega. La historia de la restauración de antigüedades es, pues, la de la transformación de las expectativas de los coleccionistas, por un lado, y del enfoque adoptado por los escultores, por otro: Desde las virtuosas restauraciones en mármol policromado del siglo XVII hasta la restauración arqueológica practicada en el Museo Torlonia en los años 1870, pasando por el enfoque literario heredado del Renacimiento, se trazarán a grandes rasgos, a través de ejemplos concretos, las principales tendencias que caracterizaron la asimilación de la escultura antigua por los modernos, hasta el advenimiento del objeto arqueológico en su dignidad de fragmento en el siglo XIX.

Obras maestras de la colección Torlonia se exponen en el Louvre

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