Milán, una gran exposición sobre Andy Warhol en otoño comisariada por Bonito Oliva

Del 22 de octubre de 2022 al 26 de marzo de 2023, la Fabbrica del Vapore de Milán acogerá una gran exposición dedicada a Andy Warhol (Pittsburgh, 1928 - Nueva York, 1987), titulada Andy Warhol. Advertising in Form, que reúne más de trescientos objetos divididos en siete áreas temáticas y trece secciones, y recorre la trayectoria de Warhol desde sus inicios en los años cincuenta como ilustrador comercial hasta su última década de actividad en los ochenta, marcada por su relación con lo sagrado. La exposición está promovida y producida por Comune di Milano-Cultura y Navigare, y comisariada por Achille Bonito Oliva con Edoardo Falcioni para Art Motors, Partner BMW.

“Warhol”, afirma Bonito Oliva, “es el Rafael de la sociedad de masas americana que da superficie a cada profundidad de la imagen, haciéndola así inmediatamente utilizable, lista para el consumo como todo producto que abarrota nuestra vida cotidiana. Desarrolla así un clasicismo sin precedentes en su transformación estética. Así, la publicidad de la forma crea la epifanía, es decir, la aparición, de la imagen”.

Nacido Andrew Warhola en 1928, en Pittsburgh, de padres eslovacos (Ondrej Warhola y Júlia Justína Zavacká), tras licenciarse en 1949 se trasladó a Nueva York, cambió su nombre de origen eslovaco por el de Warhol y a principios de los años 60 era un joven publicitario de éxito, que trabajaba para revistas como New Yorker, Vogue y Glamour. “La intuición que le hará famoso y rico”, escribe Falcioni en el texto del catálogo, “es la de repetir una imagen una y otra vez, para que entre en la mente del público para siempre”. Treinta son mejor que una, su primera Gioconda repetida nada menos que treinta veces, pasa de ser una obra de arte famosa y exclusiva a una obra de todos y para todos, convirtiendo el lenguaje publicitario en arte. En Green Coca-Cola Bottles comprendemos inmediatamente que para el artista es la cantidad la que prevalece sobre la originalidad del tema representado: de hecho, es repitiendo la misma imagen como consigue llevar y escenificar el panorama consumista al mundo del arte: la tarea del artista ya no es crear, sino reproducir.

Para ello, Warhol adopta una técnica especial de serialización, con la ayuda de una máquina de serigrafía, que facilita la creación de obras y reduce considerablemente el tiempo de producción. En grandes lienzos reproduce muchas veces la misma imagen, alterando sus colores: utilizando imágenes publicitarias de grandes marcas comerciales o imágenes impactantes como accidentes de tráfico o sillas eléctricas, consigue vaciarlas de su significado original. El arte debe “consumirse” como cualquier otro producto. La técnica de la serigrafía fue utilizada por Warhol ya en 1962 para crear la serie Campbell’s Soup Cans, compuesta por treinta y dos pequeños lienzos de idéntico tamaño que representaban cada uno las icónicas latas de sopa Campbell’s, expuesta ese mismo año en la Ferus Gallery de Los Ángeles. Hizo lo mismo con los retratos de las celebridades de la época: Marilyn Monroe, Mao Zedong, Che Guevara, Michael Jackson, Elvis Presley, Elizabeth Taylor, Brigitte Bardot, Marlon Brando, Liza Minnelli, Gianni y Marella Agnelli, las reinas Isabel II del Reino Unido, Margarita II de Dinamarca, Beatriz de Holanda, la emperatriz iraní Farah Pahlavi, la princesa Grace Kelly de Mónaco, la princesa Diana Spencer de Gales. Para estas personalidades, ser retratadas por Wahrol se convirtió en un imperativo para confirmar su estatus social. La Marilyn Monroe de oro, expuesta en el MoMA de Nueva York, es emblemática: una de las mujeres más fascinantes de la historia moderna de Estados Unidos está representada aquí sobre un fondo dorado, exactamente como si se tratara de un panel del siglo XIV que representa a la Madonna.

En un principio, los críticos criticaron estas obras, sin entender su originalidad ni el deseo de Warhol de comunicar la idea de repetición y abundancia, en línea con la filosofía consumista de la época. Su obra se consideró un atentado contra el expresionismo abstracto, movimiento artístico entonces dominante en Estados Unidos. En un principio, el famoso marchante Leo Castelli no comprendió el genio innovador de la obra de Warhol y cedió a la petición de Jasper Johns de no admitirle en su cuadra. En realidad, al adherirse a la cultura de masas y llevarla al mundo conceptual del arte figurativo, Warhol exaltó el hogar del consumismo y todo lo que Estados Unidos simbolizaba desde la posguerra hasta los años ochenta.

“El verdadero golpe de genio con el que el artista consiguió valorizar definitivamente los años sesenta y las nuevas formas de comunicación de masas”, prosigue el texto de Falcioni, "fueron, sin embargo, las Brillo Boxes: se trata de esculturas idénticas a las cajas de jabón de paja Brillo que se venden en los supermercados. Fueron realizadas por un carpintero y los bordes fueron serigrafiados por Warhol y sus ayudantes como las etiquetas originales. Fueron estas obras las que desencadenaron en Arthur Danto, el famoso filósofo cautivado por estas creaciones, su concepción de la filosofía del arte, que gira en torno a una pregunta fundamental: “¿qué es el arte?”. Esta pregunta le llevaría a considerar estas cajas de madera como verdaderas obras de arte, en virtud de su capacidad para evocar y representar a la perfección un contexto histórico concreto, en este caso la década de 1960 junto con sus innumerables innovaciones, de las que el artista pop puede considerarse sin duda el mayor intérprete. El acontecimiento que hizo de estas obras unas de las más famosas de toda la historia del arte fue la exposición individual del artista en la Stable Gallery de Nueva York, celebrada en 1964: estas esculturas estaban dispuestas dentro del espacio expositivo todas en fila y una encima de otra, como si se tratara de un supermercado en lugar de una galería de arte. Fue al visitar esta exposición cuando Leo Castelli reconsideró y comprendió la pertinencia de la operación de Warhol, alistando su establo.

A partir de este momento, la carrera de Warhol sufre una deflagración. Nace la famosa The Factory, originalmente en el 231 East 47th Street, donde innumerables ayudantes creaban frenéticamente sus obras en serie: pinturas, películas, portadas de música, esculturas, portadas de revistas y mucho más. Y donde Warhol acogió a actores, músicos, escritores, a todo el mundo creativo neoyorquino, creando las primeras películas como The Velvet Uderground & Nico, para quien también realizó la portada del famoso LP. Aquí se realizan muchas otras películas que muestran acciones repetidas dilatadas en el tiempo, especie de cuadros proyectados sobre una pared blanca, y los Screen Tests, retratos filmados de personas que visitan la Factory, filmados, con el objetivo de entrar en su intimidad, con una cámara fija sin moverse durante tres minutos sobre un fondo negro. Algunas de estas películas dedicadas a la cultura gay de Nueva York, de la que Warhol formaba parte, fueron censuradas, distribuidas de boca en boca y proyectadas treinta años después de la fecha de su realización en exposiciones de diversos museos de todo el mundo. La revista Interview también se produce en la Fábrica, con el personaje del momento en la portada de cada número. Y se producen otras portadas famosas para Time y Playboy. Le seguirán muchas otras Fábricas en distintos puntos de la ciudad, talleres de los muchos proyectos concebidos sin parar por el polifacético artista. Mientras tanto, nace una nueva generación de artistas, como Basquiat, Haring y Scharf, que consideran a Warhol su padre espiritual: al acogerlos en su círculo, Warhol absorbe su dinamismo y creatividad. Así consiguió renovarse de nuevo, ideando los últimos experimentos icónicos como el famoso Dollar Sign, emblema del rampantismo económico de aquellos años, abandonando el uso de la serigrafía y dedicándose a la pintura pura, reinterpretando algunas referencias artísticas del pasado en clave pop.

La exposición milanesa pretende documentar este recorrido: de los objetos símbolo del consumismo de masas a los retratos del star system de los años sesenta; de la serie Ladies & Gentlemen de los setenta dedicada a las drag queens, los travestis, símbolo de la marginación por excelencia y considerados a la altura de estrellas como Marilyn, hasta los años ochenta en los que su relación con lo sagrado se hace predominante: católico practicante, de hecho había estado impregnado de ello toda su vida. En la exposición, el público encontrará una veintena de lienzos, unas cincuenta obras únicas como serigrafías sobre seda, algodón, papel, así como dibujos, fotografías, discos originales, camisetas, el ordenador Commodore Amiga 2000 con sus ilustraciones digitales, el BMW Art Car pintado por Wahrol, la reconstrucción fiel de la primera Fábrica y una parte multimedia con proyecciones de películas para ver con gafas tridimensionales.

La exposición abre de lunes a viernes de 9.30 a 19.30 horas, sábados, domingos y festivos de 9.30 a 20.30 horas. Última entrada 30 minutos antes del cierre. Entradas: 12 euros tarifa completa (14 euros los fines de semana y festivos), 10 euros reducida (titulares de la tarjeta Musei Lombardia con discapacidad y acompañantes, mayores de 65 años, titulares de abonos anuales ATM y Trenord, profesores, jóvenes hasta 14 años, empleados del Ayuntamiento de Milán (con distintivo nominal), periodistas con distintivo ODG del año en curso, periodistas no acreditados y estudiantes universitarios), 16 euros entrada libre, 5 euros para escuelas, 8 euros para grupos de al menos 10 personas, gratuita para niños hasta 5 años.

Imagen: Andy Warhol, Sin título (Flores) (c. 1983-1985; serigrafía sobre seda, 101,6 x 88,9 cm; Colección Privada)

Milán, una gran exposición sobre Andy Warhol en otoño comisariada por Bonito Oliva

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