Lugano, una exposición de grabados y dibujos de los más grandes artistas de todos los tiempos, de Durero a Warhol

De Alberto Durero a Rembrandt van Rijn, de Francisco de Goya a Maria Sibylla Merian, Pablo Picasso y Edvard Munch se presentan junto a las obras de artistas vivos como John M Armleder, Olivier Mosset, Candida Höfer, Susan Hefuna, Shirana Shahbazi o Christiane Baumgartner. Una comparación entre los Maestros Antiguos y las creaciones más contemporáneas la ofrece la exposición Da Albrecht Dürer a Andy Warhol. Obras maestras de la Graphische Sammlung ETH Zürich, comisariada por Linda Schädler, Directora de la Graphische Sammlung ETH Zürich.

La exposición, programada del 10 de septiembre de 2023 al 7 de enero de 2024 en el Masi (Museo d’arte della Svizzera italiana) de Lugano, ofrece al público la oportunidad de descubrir 300 obras maestras de una de las colecciones de grabados y dibujos más importantes de Suiza. Se trata de la Graphische Sammlung ETH Züric, una institución conocida y reputada en Suiza y en el extranjero, que promueve activamente la mediación y la comprensión del arte sobre papel, tanto analógico como digital.

En la exposición De Alberto Durero a Andy Warhol. Obras maestras de la Graphische Sammlung ETH Zürich, las técnicas, los motivos, los estilos y las concepciones del arte a lo largo de los siglos se suceden en una secuencia cronológica, en la que las obras de los principales exponentes de la historia del arte europeo -desde Albrecht Dürer a Rembrandt van Rijn, de Francisco de Goya a Maria Sibylla Merian, Pablo Picasso y Edvard Munch- se presentan junto a las obras de artistas vivos como John M Armleder, Olivier Mosset, Candida Höfer, Susan Hefuna, Shirana Shahbazi o Christiane Baumgartner. Conexiones inesperadas y sorprendentes surgen de esta rara y excepcional confrontación entre los Maestros Antiguos y las creaciones más contemporáneas: temas como el proceso de creación de la obra de arte, la relación entre copia y original, la transmisión de motivos e iconografías, pero también la colaboración entre distintos profesionales del campo del arte recorren la historia del diseño gráfico desde sus inicios y tocan aspectos que siguen siendo relevantes hoy en día. Además de poner de relieve el amplio espectro de técnicas gráficas-desde la xilografía y el grabado a buril hasta el aguafuerte y la serigrafía-, la exposición presenta también dibujos, fotografías y múltiples. El proyecto expositivo también ofrece información y curiosidades sobre los orígenes, funciones e importancia de las obras a lo largo de los siglos.

Cara a cara con siglos de historia del arte: el recorrido de la exposición

El recorrido expositivo se abre con una gran pared en la que, al “estilo petersburgués”, se cuelgan autorretratos o retratos de artistas. En este sugerente recorrido, que abarca diferentes épocas, los visitantes de la exposición se encuentran cara a cara con siglos de historia del arte: desde la intensa mirada del grabado de Rembrandt en el autorretrato con su esposa Saskia, hasta los más festivos de Anton van Dyck o Maria Sibylla Merian; desde las fotografías de autorretratos en blanco y negro de Urs Lüthi o de Fischli/ Weiss hasta el autorretrato sintético de unas pocas líneas de Max von Moos o la sencilla boca de Meret Oppenheim en el grabado de Markus Raetz, por citar sólo algunos. La exposición continúa con la presentación de obras históricas de la Colección desde finales del siglo XV hasta nuestros días, por orden cronológico. En una época en la que aún no se había inventado la fotografía, a partir del siglo XVI el llamado “grabado de traducción”, que reproducía pinturas y obras de arte, fue un medio fundamental para dar a conocer las obras maestras a un público amplio.

Las obras maestras también se reinterpretaban a través de la estampa: en la exposición, la Caricatura de la copia del Laooconte, de Niccolò Boldrini, es un ejemplo de cómo una estampa veneciana del siglo XVI podía adaptar un motivo antiguo, transformándolo en una imagen nueva e irreverente: de hecho, las figuras antiguas fueron sustituidas por monos. La estampa también se utilizó como herramienta de representación científica y naturalista, como atestigua la conocida xilografía Rhinocerus de Alberto Durero en la exposición. Aunque el artista nunca había visto el exótico animal, hizo una representación del mismo que durante mucho tiempo se consideró realista y por ello se reimprimió en varias ediciones.

El libro Metamorphosis Insectorum Surinamensium, publicado en 1705 por Maria Sibylla Merian, tiene su origen en la observación minuciosa de insectos en Surinam, en Sudamérica. Empresaria y profesora, Merian se contaba entre los principales estudiosos de los insectos de su época y fue, entre otras cosas, también la primera artista en representar las distintas fases de desarrollo de un insecto, junto con las plantas que le servían de alimento. Gracias al amplio alcance cronológico de la exposición, es posible observar la transmisión de las técnicas de grabado a lo largo del tiempo, pero también los diferentes métodos de trabajo de los artistas. En un gran maestro como Rembrandt, este aspecto queda patente en las dos versiones del grabado Ecce Homo, de las que se desprende cómo el artista retocaba y perfeccionaba su obra continuamente. Esto también era posible gracias a la técnica de la punta seca, que permitía grabar la plancha con una herramienta de acero en forma de aguja puntiaguda, maniobrada libremente igual que un lápiz. Con el tiempo, la técnica histórica de la punta seca fue a menudo retomada y revisitada, por ejemplo por una artista contemporánea como Miriam Cahn, que en su serie de 1995 soldaten, frauen + tiere interviene directamente sobre la plancha con guantes recubiertos de papel de esmeril, creando con los movimientos de sus manos rostros, miradas y fisonomías de gran fuerza expresiva. La transmisión de temas iconográficos a lo largo de los siglos se repite en muchos ejemplos, e incluso llega a las épocas más recientes, como en las dramáticas representaciones taurinas de Francisco de Goya en 1816, tema retomado en las esbeltas figuras de Pablo Picasso en su aguatinta Salto con la Garrochade la serie La tauromachia y, después, de forma más plástica y estilizada en la xilografía sobre tela de algodón de Bernhard Luginbühl.

La representación de la figura y, por tanto, del cuerpo es también un tema que emerge en su desarrollo a lo largo de la exposición, particularmente condensado a finales del siglo XX en los expresionistas, en los grabados de Edvard Munch y Käthe Kollwitz, y en los dibujos de filigrana de Egon Schiele y Ferdinand Hodler. En cambio, las xilografías de la serie Intimités (1891) de Félix Vallotton nos adentran en los pliegues más íntimos de la relación hombre-mujer. Esta obra es un interesante ejemplo de la evolución de la difusión de las estampas artísticas, que vio la introducción de la edición limitada, modelo comercial de éxito, a finales del siglo XIX. En el caso de la serie Vallotton, por ejemplo, una vez finalizado el proceso de impresión, todas las planchas de madera utilizadas por el artista se cortaban en pequeñas partes y se imprimían en una hoja adicional para dar al comprador la certeza de que no se harían más ediciones.

Varios ejemplos de la exposición atestiguan el desarrollo del grabado también como forma de arte gráfico en la segunda mitad del siglo XX, como la serie de dípticos compuestos de imagen y texto creados en 1999 por la artista Louise Bourgeois. Mediante la pregunta ¿Cuál es la forma de este problema?, colocada en la portada, la artista estimula el razonamiento del espectador a través de posibles respuestas y contrapreguntas, tratando de dar una forma visual a las emociones. En las evocadoras risografías con un toque vintage Camping The Two Shirana Shahbazi investiga en cambio el género clásico de la fotografía de viajes, dejando de lado el carácter documental para captar momentos fugaces de situaciones cotidianas. Incluso la imagen de la sopa Campbell de Andy Warhol se inspira en la vida cotidiana. Emblema de la cultura y el arte pop, la lata roja y blanca de la sopa más famosa de la historia del arte queda inmortalizada en la exposición en una serigrafía de la conocida serie creada por Warhol en 1968.

Con motivo de la exposición, se publicará un catálogo en tres ediciones distintas (italiano, inglés y alemán) editado por Scheidegger&Spiess y Edizioni Casagrande con un ensayo introductorio de Linda Schädler, entradas en profundidad sobre una selección de obras de Linda Schädler y Patrizia Keller y textos de John M Armleder, Stephanie Buck, Andreas Fichtner, Pia Fries, Candida Höfer, Jane Munro, Nadine M. Orenstein, Philip Ursprung, Lenny Winkel, así como un glosario de técnicas gráficas de Saskia Goldschmid.

Lugano, una exposición de grabados y dibujos de los más grandes artistas de todos los tiempos, de Durero a Warhol

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