La Fundación Golinelli rinde homenaje a su fundador. Se exponen obras de su polifacética colección

La Fundación Gol inelli rinde homenaje a su fundador, el empresario y filántropo Marino Golinelli, con la exposición I preferiti di Marino. Capítulo I, que se exhibirá hasta el 2 de junio de 2024 en el Centro de Artes y Ciencias Golinelli de Bolonia, cuarenta obras de importantes artistas modernos y contemporáneos procedentes de la colección privada de arte de Marino Golinelli: una oportunidad para ver de cerca por primera vez pinturas, serigrafías, instalaciones y fotografías de artistas de renombre internacional.

Estas obras reflejan el estrecho diálogo entre arte y ciencia, en consonancia con la personalidad polifacética, la curiosidad científica y la pasión por el arte del propio Golinelli. Siguiendo un planteamiento multidisciplinar y multicultural, Golinelli, junto con su esposa Paola, ha reunido más de 700 obras procedentes de todos los rincones del mundo, desde África hasta Asia, pasando por las grandes capitales del arte contemporáneo, de Fráncfort a Basilea, de Nueva York a Bombay, a lo largo de treinta años.

Se exponen obras de los maestros de la vanguardia del siglo XX, como Giacomo Balla y Kazimir Malevich, así como obras de los artistas más relevantes delarte contemporáneo internacional, como David Hockney, Tony Oursler, John Baldessari, Lucy y Jorge Orta, Ronald Ventura, Bjarne Melgaard, Warren Isensee, Terence Koh, Chen Ke, Sandeep Mikherjee y Alfred Haberpointner. También hay obras de algunos exponentes destacados del panorama artístico italiano, como Emilio Isgrò, Nicola Samorì, Alberto Di Fabio, Loris Cecchini, Giorgio Celiberti, Davide Nido, Giuseppe Santomaso, y fotografía, con obras de Candida Höfer, Maurizio Galimberti y Giovanni Bortolani.

“I preferiti di Marino es una iniciativa de gran alcance, una pieza del mosaico que, entre arte, ciencia e innovación, compone la trayectoria del proyecto y la labor de la Fundación y el Opificio”, ha declarado Andrea Zanotti, presidente de la Fondazione Golinelli. “La exposición será sólo la primera etapa de un proyecto expositivo que en los próximos años ofrecerá al público del Centro de Artes y Ciencias la oportunidad de apreciar, a través de lecturas críticas y perspectivas diferentes, la riqueza del patrimonio cultural y la visión multidisciplinar de Marino Golinelli. Estas exposiciones”, explica Zanotti, “también permitirán la realización de itinerarios educativos coherentes con la oferta educativa que el Opificio Golinelli pone a disposición de estudiantes de todas las edades, una valiosa oportunidad para integrar el currículo didáctico STEAM, ya implantado en nuestra Escuela de Ideas Marino Golinelli”.

La exposición se divide en cinco secciones: De la idea a la materia; De la idea al objeto; Del ayer al mañana; La función y su negación; Proyectando el presente hacia el futuro.

La primera sección De la idea a la materia, que pretende ser una especie de antesala que proyecte al visitante en el recorrido expositivo, arranca con Proyección interior #13 (2014) de Paolo Cavinato, artista de Mantua que crea obras centradas en el rigor de la perspectiva, el intercambio de miradas y puntos de vista, y la relación entre lo finito y lo infinito. La perspectiva también está en el centro de las fotografías de Candida Höfer, definida como “antropóloga de la arquitectura”. Su mirada se centra en esos espacios de socialidad, teatros, museos, bibliotecas, que aunque presentan características similares nunca son iguales. Dos obras retratan la Biblioteca Comunale dell’Archiginnasio de Bolonia (2006): grandes planos en los que es posible rastrear algunos de los rasgos característicos de la poética de Candida Höfer, como el uso exclusivo de la luz natural, la atmósfera metafísica del espacio vaciado de presencia humana, la cristalización de un pasado remoto, enmarcado por arquitecturas retratadas frontalmente. También destaca en la primera sección la gran escultura Caza inmortal (2015) de Ronald Ventura, uno de los principales exponentes de la escena artística filipina. La obra representa a un hombre alado con el cuerpo revestido de plata tumbado boca abajo sobre un lecho de hojas y zarzas. La iconografía remite a la figura mitológica de Ícaro: una alegoría del hombre contemporáneo que a través de la ciencia y la tecnología manifiesta la voluntad de superar sus propios límites.

La segunda sección Dall’idea all’oggetto (De la idea al objeto) cuestiona la definición de diseño en relación con los conceptos de función y funcionalidad. Protagonistas son las obras de Giacomo Balla y Kazimir Malevich, dos maestros de la vanguardia del siglo XX: la serigrafía en color Progetto per piano da tavolo (1920) y la escultura en terracota Grande linea di velocità (1922) del primero, y el Dynamischer Suprematismus nº 57 (1916) del segundo. A ellas se suman dos pinturas del artista alemán Andreas Hildebrandt, Material y Erzberg (2008). Hildebrandt combina figuras humanas, arquitectura y formas geométricas para crear paisajes en los que siempre es evidente el signo de la intervención humana y el gesto pictórico del artista. La sección se cierra con Sin título (2003), de John Baldessari, pintor, fotógrafo, arquitecto y perfumista, fallecido en 2020. La obra consta de dos módulos de papel pintado que aíslan y yuxtaponen elementos aparentemente disímiles (una nariz y palomitas de maíz, bombillas y patatas) para crear relaciones visuales formales inusuales.

La tercera sección Da ieri a domani (De ayer a mañana ) pretende retratar la variedad de intereses, el eclecticismo y la visión del mundo de Marino Golinelli. Así, se exponen dos retratos fotográficos, Golinelli and Bear Portal (2015) y Marino Infinito (2018), del fotógrafo y artista visual Giovanni Bortolani, alumno de Bruno Munari y especializado en fotografía publicitaria y editorial. Marino y Paola es el mosaico fotográfico realizado con cuarenta Polaroids en color del fotógrafo de fama internacional Maurizio Galimberti. Obras de artistas italianos y extranjeros se intercalan a lo largo de la exposición. Entre las primeras se encuentran Prova d’artista (1977) del pintor veneciano Giuseppe Santomaso; È giallo (2003) de Davide Nido; Untitled (2007) del pintor Alberto di Fabio, conocido por sus obras que investigan el maridaje entre arte y ciencia mezclando lo infinitamente grande con lo infinitamente pequeño. La obra evoca imágenes de la estructura a gran escala del universo: una red de filamentos cósmicos compuestos de materia oscura. Amnesiac y Oroborus son los títulos de dos obras de 2008 de Nicola Samorì, en las que el artista de Forlì lleva a cabo un proceso de distanciamiento del retrato, partiendo de un modelo escultórico: mientras que en la primera se reproduce con gran fidelidad la escultura inicial, en la segunda pintura se añaden aplicaciones materiales sobre el lienzo, como yeso, tierra, cola, que dan vida a un subderma material que degenera la forma. La relación entre arte, ciencia y tecnología, con referencia a las infinitas posibilidades de la genética y la física molecular, está en el centro de las investigaciones del artista estadounidense Shane Hope. Tres obras expuestas por el artista, creadas en 2007, hacen referencia a la vida y al origen del mundo: Speculativernacular Folk-Flock of an Eco-Exo Envirornamental; Ornamentally Handicapped-Clipped Atomolecularly Manufactured?; Collablobject-Oriented Algorithmically Cracked-Out Carbon Nanotubes on Free-Range Script-Tangled Docking Decoy Proteins and Clipping Planes. De las tecnologías más avanzadas pasamos a los medios tradicionales como el dibujo de David Hockney Sin título (1993), un retrato que el pintor inglés dedica a la diseñadora de moda Celia Birtwell, el óleo de Melgaard Bjarne Sin título (2006) y el díptico de la estadounidense Isensee Warren Sin título (Azul) y Sin título (Amarillo) de 2003. Las obras de la pintora Ieva Mediodiva, por su parte, conducen al visitante a abismos gélidos y etéreos en los que flotan criaturas incorpóreas. Se exponen dos obras: Cefalópodo azul (2000), que propone fascinaciones marinas, con azules y celestes difuminados como manchas de tinta sepia, y E.V.A. (2002), que sugiere una atmósfera dilatada, un mundo alienígena, en el que la mirada se pierde.

La cuarta sección Función y su negación presenta a artistas que se enfrentan y refutan la definición de función. Con Formiche italiane (1994) y Aristotele (2002) Emilio Isgrò pretende desafiar la autoridad y funcionalidad de la palabra con sus famosos borrones. También se exponen dos esculturas: Mela, obra en cerámica del artista friulano Giorgio Celiberti, e Il Sole (1975), escultura en madera del ebanista Giuseppe Rivadossi. El título de la obra, creada mediante ensamblaje entrelazado, técnica preferida del artista, forma parte de la serie Custodie y hace referencia a la fuerza generadora de la naturaleza, de la que el sol es un elemento arquetípico esencial. También hay dos grandes instalaciones en esta sección: Rainbow Trusses (2009), del artista milanés Loris Cecchini, que consiste en una base que recuerda elementos constructivos del oficio de la construcción, enriquecida por una colección de objetos de origen marino, como conchas, corales, erizos de mar y mandíbulas de peces. Una obra que, al yuxtaponer la elegancia de los elementos naturales con la rígida brutalidad de los elementos artificiales, remite al concepto de Bioarquitectura; Untitled (White Light #1) es en cambio una obra de 2006 de Terence Koh: una instalación a gran escala en la que Koh expone objetos en vitrinas que parecen proceder directamente de los sueños y secretos de su mente. La sección se cierra con Beautiful Fruits (2003), del artista chino Chen Ke.

La majestuosa instalación Orta Water - Purification Station (2005) del dúo Lucy+Jorge Orta conduce a los visitantes al corazón de la exposición, un resumen de la investigación artística presentada en la muestra. Un gran barco, con un simbólico sistema de recogida, filtrado y depuración de agua, nos recuerda que el acceso a las fuentes de agua potable y la contaminación de los embalses es un grave problema. Otro artista a caballo entre el arte y la ciencia es Sandeep Mukherjee, de origen indio, especializado en ingeniería industrial. Como lienzo para sus obras, Mukherjee utiliza el duraleno, una película de polímero que crea una amplia gama de variaciones en el material, haciéndolo opaco o translúcido. Gran parte de su arte, como Sin título (2011), se nutre de una curiosidad por los espacios de transición: sus imágenes parecen inspirarse en formas orgánicas, visiones microscópicas de virus, bacterias y tejidos orgánicos. La exposición continúa con una segunda obra de Ronald Ventura, que llama la atención sobre las contradicciones del mundo globalizado. Home Theatre, Supper (2010) es una instalación en capas que consta de dos partes principales: en la parte superior hay un cuadro que representa un ambiente cálido y acogedor, amueblado en un estilo moderno, en el que se emite una megapantalla en la que aparecen imágenes de una inundación en un país pobre; en la parte inferior hay una escultura insertada en un viejo televisor: como en un belén posmoderno, una familia se reúne para cenar, consumiendo comida enlatada, sin prestar atención a las tragedias que les rodean. Ventura utiliza dos técnicas muy diferentes, pero que subrayan la misma paradoja: la superficialidad de una sociedad de consumo que ha perdido el contacto con sus raíces, tradiciones y sentido de la comunidad. Inc (2003), del artista estadounidense Tony Oursler, es una obra que explora el tema de la angustia emocional. El artista es conocido por sus vídeos proyectados sobre objetos tridimensionales, a menudo superficies esféricas o maniquíes de tela, que se transforman en sujetos parlantes. Las expresiones, las palabras susurradas y los movimientos de los ojos y la boca estimulan procesos mentales automáticos de identificación en los visitantes, despertando una sensación de extrañeza. Por último, la exposición se cierra con el austriaco Alfred Haberpointner, que trabaja la madera para crear lo que él denomina “objetos de pared”, como Zentralisation - Diptychon (2015): un par de paneles de abeto que participan tanto de las cualidades de la pintura -por su formato vertical y su colocación en la pared- como de la escultura -por su tridimensionalidad-. La madera está tallada en pequeños segmentos regulares, convergentes hacia un centro perspectivo; este tratamiento de la superficie, completado con el recubrimiento de color, se abre a la interacción con el entorno y la mirada del espectador a través de la incidencia de la luz. La exposición termina con un retrato fotográfico de Marino Golinelli firmado por Giovanni Bortolani, 2065, el futuro está aquí.

Un calendario de actos de divulgación científica, actividades interactivas y experimentos de laboratorio dirigidos a niños y niñas de 4 a 13 años y a sus familias acompaña a la exposición durante todo su periodo de apertura. Todas las citas, programadas para los fines de semana, permitirán a los participantes conocer de cerca las obras expuestas y profundizar en esos intercambios entre arte, ciencia y tecnología tan apreciados por Marino Golinelli. En colaboración con el Departamento de Educación de la Peggy Guggenheim Collection, también están previstas numerosas propuestas educativas dedicadas a los centros escolares. Para más información: mostra@fondazionegolinelli.it

La exposición cuenta con el patrocinio de la Región de Emilia-Romaña y del Ayuntamiento de Bolonia.

Los favoritos de Marino. Elcapítulo I puede visitarse de martes a viernes de 11.00 a 19.30 h; sábados, domingos y festivos de 10.00 a 20.00 h (incluidos el 31 de marzo, el 1 y 25 de abril, el 1 de mayo y el 2 de junio). Lunes cerrado. Entrada gratuita.

Para más información, visite www.ipreferitidimarino.it

La Fundación Golinelli rinde homenaje a su fundador. Se exponen obras de su polifacética colección

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