La Fondazione Prada presenta una exposición dedicada a los dibujos preparatorios y storyboards utilizados para películas

La Fondazione Prada presenta la exposición A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema del 30 de enero al 8 de septiembre de 2025 en los espacios del Osservatorio de la Galleria Vittorio Emanuele II de Milán.

Osservatorio es el espacio de la Fondazione Prada dedicado a la experimentación de lenguajes visuales y a la investigación de posibles puntos de contacto e intersecciones entre la tecnología y diversas expresiones culturales. Es una plataforma de pensamiento libre abierta a la reflexión sobre los diferentes lenguajes artísticos y mediáticos y su impacto en un contexto cultural y social en constante evolución.

La exposición, comisariada por Melissa Harris, examina el complejo proceso creativo que precede a la realización de una película explorando storyboards y otros materiales como moodboards, dibujos y bocetos, álbumes de recortes y cuadernos de notas, guiones anotados y fotografías. A Kind of Language incluye más de mil elementos creados entre 1930 y 2024 por más de 50 autores entre directores, directores de fotografía, artistas, diseñadores gráficos, animadores, coreógrafos y otras personas relacionadas con la producción de cine y vídeo.

Georges Méliès fue uno de los primeros directores en utilizar dibujos preparatorios detallados para idear escenas para sus películas de fantasía y ciencia ficción, incluida la obra maestraViaje ala Luna (Le voyage dans la lune, 1902). Sin embargo, los orígenes del storyboard se remontan a principios del siglo XX y están ligados al desarrollo de la animación. A partir de los años 30, los Estudios Fleischer y Walt Disney Productions, y más tarde, en los años 40, United Productions of America, encargaron a artistas la creación de secuencias de bocetos y otros elementos visuales durante el desarrollo de la trama y de los personajes. A Kind of Language incluye dibujos de Betty Boop, Popeye, Mr. Magoo, Pinocho, Blancanieves y Mickey Mouse en el clásico vanguardista de Walt Disney Fantasía (1940), así como de otros personajes famosos de las primeras películas de animación. En esos mismos años, el storyboard se convirtió en una herramienta fundamental en el desarrollo de las obras cinematográficas, desde la animación hasta la acción real, una representación visual concreta y sistemática del desarrollo de la historia. Décadas después, el storyboard sigue siendo el precursor de los proyectos de animación, como demuestran los dibujos preparatorios de Hayao Miyazaki y Studio Ghibli que se exhiben en la exposición.

Como explica Melissa Harris: “Para muchos, la creación de storyboards es una parte integral del proceso. Establecer visualmente una escena y luego definir su progresión puede ayudar al equipo que participa en la realización de la película a pensar en las relaciones entre los personajes, a imaginar cómo desarrollar la narración o a comprender la mejor manera de transmitir la esencia de una secuencia concreta. También puede ayudar a corregir problemas, por ejemplo cuando algo no parece del todo convincente en un personaje o en una interacción física, y proporcionar una referencia visual para los actores. A nivel técnico, los guiones gráficos pueden ayudar al director a determinar los ángulos más eficaces para la iluminación y la filmación, o la mejor manera de emplear fundidos y cualquier efecto especial”.

Los storyboards tienen una doble finalidad: por un lado representan la visión creativa del director tal y como la interpreta el creador del storyboard, cuando no corresponde al propio director, y por otro acompañan a veces la realización técnica de la película. Los storyboards pueden considerarse como un verdadero lenguaje que integra y elabora un concepto o guión. Representan la visualización preliminar de las ideas y la visión del director antes de que comience el rodaje, independientemente de quién sea el autor. Herramientas flexibles y en constante evolución, simplifican la puesta en común de un esquema de trabajo útil para coordinar las actividades de los distintos profesionales dentro y fuera del plató. Estos materiales tienen una función comunicativa y práctica, están hechos para ser copiados, transmitidos, consultados y modificados, y rara vez se conciben como obras únicas. Su papel es fundamental en las distintas fases de la producción cinematográfica: desde la preproducción, durante la cual visualizan las ideas del director, pasando por la producción, como guía para la organización del rodaje, hasta la postproducción, cuando contribuyen al montaje y a la inclusión de efectos especiales.

El diseño de la exposición, concebido por Andrea Faraguna, del estudio de arquitectura Sub de Berlín, se inspira en el storyboard, punto de partida de la creación cinematográfica y herramienta para componer y comunicar el proceso. Centrándose en el papel de esta herramienta para el cine, la exposición presenta y reinterpreta el entorno de trabajo de los artistas del storyboard traduciéndolo en una experiencia espacial. El diseño de la exposición se basa en mesas inspiradas en los pupitres de dibujo. Cada mesa está dedicada a una película específica cuya narrativa visual se presenta en forma de secuencia de escenas que pueden observarse de cerca. Para realzar la representación espacial, cada pupitre está asociado a su correspondiente elemento invertido suspendido del techo. Juntos forman un efecto visual en forma de embudo, creando una línea de horizonte continua de 40 cm de ancho que guía a los visitantes a través de la exposición. Esta perspectiva enmarca la vista de la cúpula de la Galería Vittorio Emanuele II más allá de las cristaleras del Observatorio, estableciendo una conexión entre los espacios interiores y la arquitectura histórica de Milán. En planta, la disposición de las mesas evoca la estructura secuencial de una película de cine. La organización espacial pretende generar un ritmo fluido y dinámico que guíe a los visitantes por la exposición como si se desplazaran por los fotogramas de una película. Esta progresión permite al público experimentar los storyboards no como meras imágenes estáticas, sino como elementos integrantes de la narrativa cinematográfica.

Uno de los principales objetivos de los storyboards y otras ayudas visuales para el cine es definir el sentido del lugar, como el dibujo de la separación de las aguas del Mar Rojo enLos diez mandamientos (1956), de Cecil B. DeMille, o los estudios de 1975 del director artístico Max Douy para los escenarios de Dune, una adaptación de la novela de ciencia ficción que Alejandro Jodorowsky debía rodar pero quedó inacabada. En otros casos, una secuencia de dibujos sugiere un escenario, como los elaborados storyboards de Edgar Clement para la comedia negra de Alejandro González IñárrituBardo, falsa crónica de unas cuantas verdades(2022). Los storyboards, las fotografías, otros elementos gráficos y las notas pueden sugerir la forma en que se expresará y procesará el “sentimiento” del lugar, especialmente cuando el escenario desempeña un papel clave, como en el caso de la lírica y existencial película de Wim WendersEl cielo sobre Berlín (Der Himmel über Berlin, 1987). ¡Directores como Martin Bell y Agnès Varda y la artista Carrie Mae Weems han utilizado fotografías como referencias visuales y como componentes integrales de sus respectivas obras: Ward 81 Voices (2023), Salut les Cubains (1964) y Leave! (2022 ).

En otros casos, los storyboards son fundamentales para definir la identidad de los personajes de una película, como la inolvidable protagonista de Mamma Roma (1962), de Pier Paolo Pasolini, interpretada por Anna Magnani, las seis metamorfosis de Bob Dylan en I’m Not There (2007) de Todd Haynes, las dos figuras femeninas que se funden en la escena crucial de Persona (1966) de Ingmar Bergman y las cinco hermanas Lisbon en la ópera prima de Sofia CoppolaThe Virgin Suicides (1999).

Profundizar en estos y otros muchos ejemplos similares puede ayudar a comprender las diferencias a nivel metodológico entre el cine europeo y el estadounidense. Mientras que los storyboards realizados en Europa encarnan por lo general un enfoque más artístico y artesanal, las producciones y materiales de la industria de ultramar son el resultado de una visión más orientada a la eficacia y la productividad.

Aunque casi todos los storyboards sirven en cierta medida para explicar o avanzar la narración de una película, algunos, a menudo acompañados de notas de rodaje, indican la progresión de la trama fotograma a fotograma, como los storyboards de Piccolo Buddha (1993), de Bernardo Bertolucci; los storyboards de Invasión bárbara(Ye man re ru qin, 2021), del director Tan Chui Mui; J. Russell Spencer paraEl gran dictador(1940) de Charlie Chaplin; los dibujos de Pablo Buratti para Julieta (2016) de Pedro Almodóvar; y los dibujos de Terry Gilliam paraMiedo y asco en Las Vegas (1998) yEl hombre que mató a Don Quijote (2018). Esta sensación de progresión se intensifica en los animatics, storyboards animados que integran sonido y movimiento y, por tanto, también sugieren el ritmo de una escena. Buratti utilizó esta tecnología para la serie de televisión de terror Treinta negadores(30 Monedas, 2020-23) dirigida por Álex de la Iglesia. Jay Clarke y Edward Bursch colaboraron con Wes Anderson desarrollando esta herramienta para The Grand Budapest Hotel (2014).

Los guiones gráficos y los dibujos preparatorios tienen a veces la calidad de obras de arte, como en el caso de los dibujos a tinta naturalistas de Satyajit Ray para el clásico de 1955 El lamento en el camino(Pather Panchali). El director Jia Zhang-Ke investigó la dimensión artística de estos materiales con la videoinstalación de tres canales Telling from the Images, en la que explora la evolución creativa de su propia película Caught by the Tides (2024) a través de varias etapas: desde las imágenes originales, pasando por el montaje, hasta la versión final. En las últimas décadas de su producción, desde Histoire(s) du cinéma (1988-98) hasta su último largometraje Le livre d’image (2018), Jean-Luc Godard transformó en cine ideas transpuestas en storyboards o álbumes de recortes gracias a un original enfoque collagista y ensayístico que dio lugar a un “fraseo de momentos” y planteó cuestiones sobre la producción de imágenes, el arte, la religión, la representación y el derecho.

Los storyboards, dibujos y diagramas anotados también se utilizan en películas de música y danza, como Stop Making Sense, la película-concierto de los Talking Heads dirigida por Jonathan Demme en 1984, o el proyecto colaborativo y experimental Torse (1976) del coreógrafo Merce Cunningham y el videoartista Charles Atlas. La exposición investiga la combinación de movimiento coreográfico y proceso fílmico presentando la secuencia de dibujos de Matthew Barney titulada Choreographic Suite, que documenta una fase crucial en la concepción de la coreografía del coro de su obra maestra Cremaster 1 (1996).

El segundo capítulo de A Kind of Language: Storyboards and Other Renderings for Cinema se expondrá en Prada Rong Zhai de Shanghai de noviembre de 2025 a enero de 2026. La exposición de Milán va acompañada de una publicación ilustrada de la serie Quaderni, editada por la Fondazione Prada, que incluye un texto de la comisaria Melissa Harris y un ensayo visual de Sub.

Para más información, visite el sitio web oficial de la Fondazione Prada.

La Fondazione Prada presenta una exposición dedicada a los dibujos preparatorios y storyboards utilizados para películas

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.