En la Reggia di Venaria, una exposición sobre William Turner en colaboración con la Tate

La Reggia di Venaria acoge hasta el 28 de enero de 2024, en la primera planta de la Sale delle Arti, la exposición Turner. Landscapes of Mythology, comisariada por la historiadora del arte británica Anne Lyles, dedicada al pintor romántico británico Joseph Mallord William Turner (Londres, 1775 - 1851), continuando así la prestigiosa colaboración con la Tate UK tras la exposición del año pasado en la Reggia di Venaria dedicada a John Constable. Se exponen más de cuarenta obras, entre óleos, dibujos, grabados y acuarelas (los famosos comienzos en color) realizadas en los años veinte y procedentes de la institución británica, en las que Turner expresa no sólo su predilección por la pintura de paisaje, sino también su pasión por los temas vinculados a la mitología grecorromana. En las diez salas de la exposición, el visitante tiene la oportunidad de admirar, en un recorrido dividido en seis secciones temáticas, tanto los grandes óleos sobre lienzo, realizados por Turner para ser expuestos en la Royal Academy de Londres, como las acuarelas y bocetos en los que el artista manifiesta con extrema libertad y espontaneidad su visión romántica de la Naturaleza y del Mito clásico.

William Turner, uno de los artistas británicos más conocidos y queridos del mundo, se hizo famoso por sus pinturas de paisajes, en las que la Naturaleza se concibe en el contexto de una estética de lo Sublime, con espesas nieblas, tormentas marinas y fenómenos naturales que infunden temor al hombre pero que al mismo tiempo le atraen. Turner se estableció internacionalmente a principios del siglo XIX pintando grandes cuadros para exposiciones oficiales, en los que representaba escenas de la Biblia, la literatura clásica y la mitología, aún influenciado por el estilo de sus dos predecesores franceses: Nicolas Poussin y Claude Lorrain. Turner se apasionó por los personajes que poblaban el mundo de la mit ología (batallas entre héroes y monstruos; las historias de amor de Ovidio, Virgilio y otros autores clásicos), estudiando las pinturas de los Antiguos Maestros en la National Gallery de Londres. Además, durante sus primeros años de estudiante en la Royal Academy, el artista aprendió a reproducir fielmente, a lápiz o tiza, calcos de las estatuas más famosas del mundo clásico, como elApolo de Belvedere. También influyó en sus pinturas de mitología clásica Richard Wilson, artista británico que vivió durante mucho tiempo en el sur de Italia, entre Roma y Nápoles, en la segunda mitad del siglo XVIII. Sus lienzos estaban poblados de figuras clásicas o mitológicas, inmersas en paisajes idealizados, pero fuertemente influidos por lugares reales que había visitado. El deseo de Turner de ver en vivo los paisajes italianos de Wilson no se hizo realidad hasta 1819, debido a las dificultades que entrañaba viajar a Europa durante las guerras napoleónicas. Turner volvió a Italia en 1828 para una estancia más larga.

Tras estos dos viajes a Italia, Turner utilizó los paisajes italianos como telón de fondo para sus temas mitológicos. Algunas obras de la exposición, comoLa bahía de Baiae con Apolo y la Sibila(1823), muestran cómo el tema mitológico fue tratado por Turner con creciente detalle y conciencia histórica. El telón de fondo de ruinas romanas y la figura de la sibila cumana representan los temas definitorios del artista: la belleza y la decadencia, la gloria y el declive, la fragilidad de la vida y la caída de los imperios.

En la primera sala de la exposición se presentan sus primeras influencias artísticas. Turner había deseado visitar Italia mucho antes de conseguirlo, en 1819. Italia se consideraba la cuna de la civilización occidental y en el siglo XVIII muchos viajeros británicos, sobre todo los que habían recibido una educación clásica, habían visitado Italia en el Grand Tour para admirar las colecciones de arte y las antigüedades. Sin embargo, durante el largo periodo en que la Revolución Francesa primero y las guerras napoleónicas después (1792-1815) hicieron estragos en el continente, se suspendieron todos los viajes. Incluso antes de poder visitar personalmente Italia, Turner comenzó a sumergirse en la cultura italiana y a familiarizarse con la pintura antigua de un periodo de fuerte influencia clásica. Estudió las obras de los Maestros Antiguos (Poussin y Lorrain) conservadas en colecciones privadas, exposiciones o en el mercado, así como los cuadros de otros grandes artistas como Rembrandt y Tiziano. También conocía los paisajes más recientes pintados por artistas británicos que habían visitado Italia en el siglo XVIII, como el pintor galés Richard Wilson y el acuarelista John Robert Cozens. Este último, al elegir composiciones con claras líneas de perspectiva con árboles como telón de fondo y utilizar efectos lumínicos suaves y evocadores para reproducir la luz de la mañana o del atardecer, había asimilado la lección de Claude Lorrain. Turner siguió empleando estos métodos compositivos y efectos de luz atmosférica a lo largo de toda su producción, sobre todo en los comienzos de color (amplios bocetos compositivos) que pintó en acuarela a partir de 1820 aproximadamente.

Las salas segunda y tercera están dedicadas al mito de Apolo. En 1802 Turner fue elegido miembro de número de la Royal Academy y a partir de entonces se dedicó a pintar paisajes de carácter histórico cada vez más amplios y ambiciosos. De todos los personajes de la mitología, su favorito era Apolo. En una de sus primeras representaciones de Apolo, Turner lo representa cuando está a punto de asestar el golpe mortal a la enorme serpiente-dragón Pitón. En la escultura clásica, Apolo se consideraba el ideal de belleza masculina, por lo que a menudo se le representaba desnudo. Turner conocía la escultura de mármol de Apolo del Belvedere (mediados del siglo II d.C.), conservada en las Colecciones Vaticanas, porque había hecho copias de ella a partir de un molde de escayola en la Royal Academy. Parte de la formación de Turner incluía también el estudio del desnudo masculino del natural en la Escuela de la Vida de la Academia. Mientras que en esta composición, expuesta en la Royal Academy en 1811, Turner seguía inspirándose en gran medida en Poussin, las representaciones posteriores de Apolo, como La bahía de Bay con Apolo y la sibila cumana (1823) y La historia de Apolo y Dafne (1837), reflejaban la influencia de Claude Lorrain. Estos tres grandes lienzos, pintados a cierta distancia en el tiempo, muestran la evolución de su arte: de un estilo inicialmente sombrío, estrechamente vinculado a las obras de los Maestros Antiguos, el artista pasó a una paleta de colores más clara y rica.

Continuamos en las salas cuarta y quinta con dos mujeres protagonistas: Dido y Venus. De su biblioteca y de las referencias en sus escritos se desprende la cercanía de Turner al estudio de la mitología y la historia clásica. Un ejemplo es su conocimiento de la Eneida de Virgilio. El artista estaba especialmente fascinado por el cuarto libro del poema, que narra la turbulenta historia de amor entre Eneas y Dido, reina y fundadora de Cartago, que acabó en tragedia cuando, amonestado por el dios Mercurio, el héroe la abandonó para cumplir su compromiso y viajar a Italia. El interés de Turner por este tema, representado aquí con tres sujetos diferentes pintados a lo largo de un periodo de unos veinte años, quizá se deba a su interés por el auge y la caída de los imperios. Probablemente vio paralelismos entre la rivalidad de Cartago y Roma y las guerras de su época libradas por Napoleón contra el resto de Europa. Al igual que Apolo representaba el ideal de belleza masculina, Venus simbolizaba la belleza femenina y, por tanto, a menudo se la representaba desnuda. Al principio de su carrera, Turner hizo réplicas a partir de un molde de escayola de la famosa Venus de Médicis, copia romana del original griego, durante sus clases en la Academia. Fue a través del estudio de la estatuaria clásica o de modelos femeninos dibujados durante sus lecciones de la Life School como Turner aprendió a representar la forma femenina, como puede verse en la obra La diosa de la discordia elige la manzana de la discordia en el Jardín de las Hespérides (1806).

Las salas seis y siete se centran en cambio en las Metamorfosis de Ovidio como fuente de inspiración. Probablemente fue al principio de su carrera cuando Turner empezó a descubrir a los autores clásicos y cultivó un gran amor por la poesía elegíaca, incluidos textos de Homero, Virgilio y Livio, pero sobre todo de Ovidio. Las Metamorfosis de Ovidio siguieron siendo una de las principales fuentes de inspiración de Turner a lo largo de su dilatada carrera. Cuando, hacia 1805, Turner comenzó a hacer excursiones regulares por las orillas del Támesis, al oeste de Londres, imaginó ese paisaje fluvial como una especie de Arcadia prístina. Fue entonces cuando empezó a llenar sus cuadernos de bocetos con escenas fluviales de estilo clásico, a la manera de Claude Lorrain, o con composiciones idealizadas de carácter histórico, clásico o mitológico (incluidas escenas de las Metamorfosis de Ovidio) que denominó Estudios para cuadros. En los años siguientes, Turner comenzó a materializar algunas de estas ideas mediante la producción de obras más completas, como en el caso de los temas de las Metamorfosis que creó para la serie de grabados que denominó Liber Studiorum. Las Metamorfosis le proporcionaron los temas de los cuadros que realizó a lo largo de más de treinta años, como Apulia en busca de Apulo (1814) y Baco y Ariadna (1840). Para algunos de sus paisajes mitológicos se inspiró en una selección más amplia de obras clásicas: el cuadro Ulises burlándose de Polifemo (1829), por ejemplo, está tomado de la Odisea de Homero. A Turner le interesaban tanto los poetas recientes o contemporáneos como los clásicos y conocía la Odisea traducida por el poeta inglés Alexander Pope. Al planificar la realización de La separación de Hero y Leander (1837), el artista pudo verse influido por la publicación en 1813 de La novia de Abydos, del poeta romántico británico Lord Byron, aunque declaró que fue en realidad el poeta griego Musée su verdadera fuente de inspiración para esta obra. Turner siguió viajando por Europa hasta bien entrada la sesentena. En la década de 1840 empezó a utilizar la cabeza de Ulises en el sello de cera de sus cartas, como para indicar que los viajes, la historia y el mito estaban profundamente entrelazados en su larga e intensa carrera artística.

La décima y última sección de la exposición está dedicada al Taccuino di Torino. En 1819, antes de partir para su viaje a Italia, Turner pidió consejo a su amigo el arquitecto James Hakewill sobre la mejor ruta para llegar a Roma desde Inglaterra. El itinerario recomendado no incluía el paso por Turín, pero Turner hizo caso omiso y eligió la ciudad como primera e imprescindible parada. Se expone el cuaderno que Turner utilizó cuando pasó por Turín y viajó a los lagos italianos: el cuaderno Turín, Como, Lugarno, Maggiore. Es uno de los cuadernos más pequeños que se llevó a Italia, diseñado para caber en el bolsillo y poder utilizarlo, en caso necesario, durante el viaje. En este tipo de cuadernos de bolsillo, Turner utilizaba casi siempre el lápiz (sólo utilizaba la acuarela en los cuadernos más grandes cuando permanecía más tiempo en un mismo lugar, como Venecia, Roma o Nápoles). El objetivo principal era documentar y memorizar las características básicas de un paisaje y sus edificios. En este cuaderno Turner también realizó muchas vistas de edificios céntricos, iglesias y plazas elegantes.

Para más información: www.lavenaria.it

En la Reggia di Venaria, una exposición sobre William Turner en colaboración con la Tate

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