De Matisse a Modigliani, dibujos del Museo de Grenoble en Padua

El Palazzo Zabarella de Padua anuncia la exposición que tendrá lugar del 5 de octubre de 2024 al 12 de enero de 2025 titulada MATISSE PICASSO MODIGLIANI MIRÓ - Obras maestras del dibujo del Musée de Grenoble, comisariada por Guy Tosatto y en colaboración con el Musée de Grenoble, espacio expositivo situado en la ciudad del sur de Francia. Para la exposición italiana, el museo francés ha puesto a disposición una selección significativa de su rica colección de dibujos, revelando una parte de la colección hasta ahora inexplorada. La selección propuesta en el Palazzo Zabarella reúne a 47 artistas y más de 130 obras, ofreciendo la oportunidad de descubrir las diferentes técnicas y lenguajes que caracterizaron la escena artística contemporánea de París, que fue el gran taller de la modernidad. La exposición se divide en cinco secciones que abarcan un periodo de tiempo comprendido entre 1900 y 1960. Se exploran los principales movimientos artísticos que marcaron la primera mitad del siglo XX: del neoimpresionismo alexpresionismo de estilo fauve, del cubismo a la vuelta al orden, de la rebelión dadaísta a la ensoñación y laabstracción surrealistas. A través de una serie de obras maestras, emergen las personalidades de Matisse, Picasso, Chagall, Miró, Signac, Bonnard, Vuillard, Modigliani, Rouault, Delaunay, Arp, Balthus, Calder y Tobey. También se exploran las contaminaciones entre poesía, literatura y artes visuales, como en el caso de los dibujos experimentales de Artaud, Klossowski, Cocteau y Michaux.

“Con esta fascinante exposición, en la que nos estamos centrando mucho y que sorprenderá a nuestro público”, afirma Federico Bano, Presidente de la Fundación Bano, “hemos querido proponer un enfoque diferente y muy original para comprender la experimentación de los movimientos y protagonistas que renovaron profundamente la visión y representación de la realidad en la primera mitad del siglo XX”.

“Se exponen los grandes protagonistas de las vanguardias postimpresionistas que se desarrollaron antes y después de la guerra, desde los atrevidos experimentos del cubismo a las provocaciones del dadaísmo, pasando por las proyecciones oníricas del surrealismo y la abstracción, pero siempre teniendo en cuenta la longevidad y vigencia de la figuración que resurgió con fuerza entre los años veinte y treinta, cerca de las instancias del llamado retorno al orden”, añade Fernando Mazzocca, director científico del Palacio Zabarella.

Las cinco secciones de la exposición

Ya en la segunda mitad del siglo XIX, los impresionistas franceses habían escandalizado al público y a la crítica con su nueva pintura basada en la sensación y la representación de la luz. De los dibujos neoimpresionistas de Paul Signac, pasamos a los dibujos más evocadores de Pierre Bonnard y Edouard Vuillard, y luego al signo más provocador y ya expresionista de Georges Rouault. Las invenciones gráficas de Henri Matisse son diversas: desde estudios de desnudos femeninos realizados a principios de siglo hasta un carboncillo con el tema de La Danza, pasando por algunos experimentos de los años cuarenta como la serie de planchas titulada Jazz en la que aparece la famosa figura de Ícaro y la técnica del decoupage.

La descomposición de la forma ligada a la multiplicación de los puntos de vista inaugurada por Pablo Picasso en 1907 supuso una revolución en el mundo del arte contemporáneo a él. El artista catalán muestra una manera diferente de representar la realidad: sus dibujos del periodo cubista están flanqueados por los que muestran un retorno a la figuración y a una dimensión clásica como en el magnífico Retrato de Olga de 1921. Las obras de Sonia y Robert Delaunay, Fernand Léger, Juan Gris y Ossip Zadkine proponen nuevas posibilidades de descomposición y recomposición de la imagen en láminas a menudo aún más coloristas, vivas y caracterizadas por un dinamismo puramente lírico.

Cuando, en 1916, en Zúrich, un grupo de escritores, intelectuales y artistas de distintas procedencias y orígenes fundaron el Cabaret Voltaire, inaugurando lavanguardia dadaísta, el azar y la total libertad de expresión fueron las únicas “reglas” que el artista se impuso. La pareja Jean Arp y Sophie Taeuber-Arp mantendría en los años siguientes una creatividad caracterizada por formas libres predominantemente abstractas, mientras Francis Picabia o Marius de Zayasinventaban figuras mecanomórficas para burlarse de la moderna sociedad maquinal. Unos años más tarde, las premisas dadaístas dieron origen al Surrealismo, movimiento al que se vincularon los pintores Joan Miró y André Masson o el escritor Jean Cocteau, dando forma y expresión a sus visiones interiores y al mundo del inconsciente.

Incluso antes del estallido de la Primera Guerra Mundial, un grupo de artistas que se habían trasladado a París desde otros países europeos, como Amedeo Modigliani, Léonard Foujita y Jules Pascin, se mantuvieron al margen de los movimientos vanguardistas sin ser indiferentes a la influencia del arte africano o a la lección de Cézanne. En los años veinte, en toda Europa y también en la capital francesa, se produjo un replanteamiento general de la vanguardia con la recuperación de la figura y la composición: André Derain y Raoul Dufy se alejaron de las experiencias del periodo fauve para redescubrir una relación diferente con la figura humana y el espacio; Aristide Maillol, en cambio, se mantuvo fiel a un ideal plástico vinculado a la construcción de una forma pura e intemporal.

El nuevo lenguaje de la abstracción experimentado inicialmente por Kandinsky y Mondrian fue retomado y reinterpretado de diversas maneras a lo largo del siglo XX. Jean Gorin, vinculado a las teorías del neoplasticismo aplicadas tanto a la pintura como al diseño arquitectónico, y Auguste Herbin, uno de los fundadores del movimiento Abstraction-Création, tan atento a la yuxtaposición de colores y formas como al ritmo compositivo, favorecieron una gramática geométrica. El escultor Etienne Béöthy optó por la fluidez de líneas y formas alusivas al cuerpo humano; mientras que Alexander Calder llegó a evocar poéticamente la energía del universo. En el periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial, Mark Tobey, Bram Van Velde y Henri Michaux volvieron a conectar con una abstracción libre y espontánea, unidos por una dimensión caligráfica que en Tobey se inspiraba en las filosofías y artes orientales, en Van Velde en la búsqueda de un equilibrio del gesto, en Michaux en su actividad de poeta y escritor.

El Museo de Grenoble

Creado en 1798, el Museo de Grenoble no ha dejado de enriquecer sus colecciones de arte antiguo, moderno y contemporáneo hasta contar hoy con un patrimonio total de más de 900 obras entre pinturas, esculturas y objetos, y más de 5000 dibujos de diferentes épocas. A principios del siglo XX, gracias a la riqueza y calidad de su colección de arte antiguo, ya era considerado uno de los grandes museos de Francia. Con la llegada de Pierre-André Farcy como director de 1919 a 1949, se convirtió en el primer museo de arte moderno de Francia. Crítico, pintor y grafista publicitario, Andry-Farcy incluyó en las colecciones a los grandes artistas de su época, de Matisse a Picasso, de Bonnard a Léger, gracias a compras selectivas e importantes donaciones. En 1923, en particular, con el legado Agutte-Sembat, entró en la colección un conjunto único y considerable de obras neoimpresionistas (Signac, Cross, Van Rysselberghe) y fauves (Matisse, Derain, Marquet, Vlaminck). El espacio privilegiado concedido al dibujo desde su fundación hizo que el gabinete de arte gráfico del museo de Grenoble se convirtiera en el más importante de Francia para el arte moderno y contemporáneo después del Museo Nacional de Arte Moderno - Centro Pompidou, gracias a las obras de grandes protagonistas de la vanguardia del siglo XX.

De Matisse a Modigliani, dibujos del Museo de Grenoble en Padua

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