Zigzag Europa, de Michele Chiossi: "una obra que invita a nuevas formas de unión

Fruto del encuentro en 2022 entre el artista Michele Chiossi (Lucca, 1970), el galerista napolitano Andrea Nuovo y la historiadora del arte Fernanda García Marins, napolitana de adopción, la exposición personal Prolegomeni pone en escena, en la galería de la casa napolitana, 17 obras que dan vida a un envolvente recorrido visual. El visitante es guiado por el espacio expositivo, desde la planta baja por la escalera hasta el primer piso, antes de llegar al umbral del jardín suspendido, una sorprendente apertura paisajística. Artista polifacético, Chiossi lleva años centrando su investigación en la materia y el espacio, combinando técnicas tradicionales -mármol, aluminio, bronce- con materiales contemporáneos como resinas, PVC y silicona, hasta la experimentación con la luz, del neón a los LED. Nos reunimos con él con motivo de la inauguración.

FM: Prolegomeni. ¿Por qué este título?

MC: Quería evocar una introducción, una apertura a un discurso más amplio. Un preludio que marca el inicio de una investigación artística aún en ciernes. La exposición reúne obras que van desde 1999 hasta obras más recientes, creadas especialmente para la ocasión, que trazan la evolución de mi recorrido artístico.

El zigzag es un motivo estilístico recurrente en su obra. ¿De dónde procede?

En los años 90, frecuentaba a Alighiero Boetti, que utilizaba la cuadrícula del papel cuadriculado como base de sus tapices. Ese rigor me influyó profundamente. Adopté el patrón en zigzag en mis dibujos, esculturas de metal y mármol y pinturas sobre mármol.

¿Cómo lo ha reinterpretado hoy?

A través de la escultura y la experimentación con materiales. En Europa, por ejemplo, el motivo en zigzag se convierte en un remolino caligráfico: una escultura de acero suspendida que recuerda antiguos tratados y firmas. De hecho, los tratados y acuerdos se sellaban con firmas con florituras caligráficas finales. Es un mensaje para la Europa de hoy, una invitación a nuevas formas de unión en un contexto marcado por el conflicto y la inestabilidad.

¿Qué otras obras se presentan por primera vez?

He estado trabajando en nuevas series, entre ellas cuadros cortina, un encuentro entre pintura y escultura. Utilizo distintos materiales: fundición de latón, madera, mármol, terracota, acero, plata y luces.

¿Hay algún hilo conceptual que una esta nueva producción?

Más de uno: de la poesía de Virgilio a la Réverie de Bachelard, pasando por Calvino, el Vesubio, los bodegones flamencos y el aliento del mar.

¿Cómo nació su interés por el arte?

Desde la infancia he tenido una fuerte propensión a la creación. Mi primer “taller” fue la cocina: budines, pizzas, experimentación con materiales. Luego dirigí este instinto hacia la escultura.

¿Cuál es su primer recuerdo creativo?

Cuando tenía siete años, me pasé todo un verano creando caramelos utilizando moldes de Tupperware con una máquina de helados. Ya tenía una idea de los moldes y la reproducción. Más tarde, con Teoría de los colores, recreé la Piedad de Miguel Ángel con capas de helado, explorando la teoría del color de Goethe.

Ya ha mencionado su periodo de formación. ¿Qué recuerda de aquellos años?

Mi verdadero periodo de formación comenzó alrededor de los 21-22 años, con mi primer viaje a Nueva York. Yo procedía de un ambiente provinciano: Lucca hasta el instituto, luego Florencia con la Accademia. Milán, en los años 90, aún tenía una escena artística limitada. Gracias a revistas como Tema Celeste y Flash Art, amplié mi visión. Nueva York era el centro del arte, así que decidí trasladarme allí, entre inauguraciones y encuentros con artistas.

¿Alguna exposición que le haya impresionado especialmente?

La Metamorfosis italiana en el Guggenheim, comisariada por Germano Celant en 1994. Era una exposición interdisciplinar sobre el arte italiano de 1943 a 1968, con Pascali, Manzoni, prototipos de Olivetti y Fiat, y cine neorrealista. Había instalaciones, proyecciones y, en la planta baja, Il Socle du Monde de Manzoni. Arriba, Il Ponte, de Pascali.

¿Tuvo ocasión de releer el italianismo desde una perspectiva diferente?

Sí, sobre todo observando cómo se percibía Italia en Estados Unidos. Me llamó mucho la atención, al igual que el diseño y la moda. En el MoMA había una sección de diseño fascinante. Recuerdo exposiciones de Bruce Nauman, Annette Messager y los tés dominicales de Louise Bourgeois.

¿Ha visitado estudios de artistas en Nueva York?

Entre los primeros estaban el de Not Vital, que me introdujo en la escena artística neoyorquina, y el de Sandro Chia en Chelsea: una planta entera con vistas al Hudson.

¿Qué le ha llamado la atención de Chia?

La forma de recibir y acoger, típica de su generación. Era una época menos mercantilizada, con un enfoque más espontáneo, casi ingenuo.

Volviendo a la actualidad: ¿qué obra de Prolegomeni considera más emblemática?

Masino, una escultura nacida de mis reflexiones en la playa de Lecciona, cerca de Viareggio. Allí recojo maderas devueltas por el mar tras los temporales marítimos. Una de ellas, un tronco macizo de pino rojo, de un metro y diez de altura, me impactó por su forma lisa y perfumada.

¿Cómo trabajó este tronco?

Lo lavé, le quité la sal y la arena, limpié los nudos y las cavidades con cinceles y un taladro. Para devolver la vida a la madera, utilicé cera de abeja natural, puliéndola a mano durante meses. El resultado es una madera de aspecto resinoso, pero completamente natural.

¿Y la base?

Es de mármol, inspirada en una columna clásica reinterpretada con tres elementos. Durante Covid, pensé mucho en la cultura griega y mediterránea. El simbolismo de la columna -estabilidad, fuerza, concreción- ha vuelto a menudo en mi trabajo. Aquí se vuelve orgánico, con un capitel enriquecido por detalles de latón, terracota explosionada y fundición de plata.

Ya que la exposición está en Nápoles, ¿si tuviera que elegir un número de la smorfia?

El 8, ’a Maronna (la Virgen).

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