Una obra de arte es una aparición, una puesta en escena". Conversación con Concetta Modica

Concetta Modica nació en Modica, vive en Milán, trabaja y estudia sobre el presente y sus paradojas, en particular el concepto de epopeya contemporánea: el presente como lo que queda de algo, como relación con otros artistas, con la materia, con diferentes medios que siempre tienen que ver con la escultura, escultura que debe entenderse como tiempo. En esta conversación con Gabriele Landi, Concetta Modica nos habla de su arte. Entre sus exposiciones personales: Excoperta en la Gamec de Bérgamo, comisariada por Giacinto di Pietrantonio y Alessandro Rabottini, One more time en la Galleria Umberto de Marino, Quel che resta , comisariada por Francesca Pasini para La quarta vetrina/Libreria delle donne Milán, Epico/Fragile comisariada por Agata Polizzi, Segni per far fiorire vasi comisariada por Ilaria Mariotti para Villa Pacchiani, Trilogia di Orlando comisariada por Michela Eremita, proyecto en varias sedes, entre ellas Nottilucente, Spazio COSMO y Francesco Pantaleone arte contemporanea su Galería de referencia. Participó en un evento paralelo de Manifesta 12 y en otro de Manifesta 7. Es cofundadora del proyecto RaccontoDi20. Ha participado en exposiciones en espacios públicos y privados como: American Academy de Roma, Galleria Biagiotti de Florencia, Vanessa Quang de París, Fondazione Pistoletto de Biella, Fondazione Ratti de Como, Biennale Giovani Artisti del Mediterraneo, SerrOne de Monza, Botkyrka Konsthall de Estocolmo, Docva de Milán, Villa Romana de Florencia, Instituto Italiano de Cultura de Copenhague, Das weisse haus de Viena, Museo Riso de Palermo, Placentia Arte con el que instaló una obra permanente en los Jardines Margherita de Piacenza. Su proyecto la Notte di Sant’Anna, encargado por el Museo Civico di Castelbuono, es el ganador del premio de arte contemporáneo PAC2021, organizado por el Ministerio de Cultura, y ha sido invitada a la Bienal de Cheng Du en 2023 y a la Bienal de Wuhan en 2024. Sus obras se encuentran en colecciones públicas y privadas, entre ellas el Palazzo Riso y el Museo de Arte Infantil de Santa Maria della Scala de Siena. Entre sus libros destacan In pasto al presente publicado por A+Mbookstore en 2013 y 28 notti en 2023 en la serie I Limoni editada por Pietro Gaglianò para la editorial Gli Ori.

GL. La infancia suele desempeñar un papel importante en la definición del imaginario de quienes más tarde deciden emprender el camino del arte: ¿fue también su caso?

La infancia es un momento importante y fundacional para todos y cada uno de nosotros, “surge” como diría Virgilio Sieni. Yo la viví en diferentes lugares, en diferentes casas, pero con rituales que creo que siempre fueron similares. Tengo padres tradicionalistas, pero al mismo tiempo intolerantes con ciertas cosas del pasado, anticlericales cuando era joven, pero tuve una abuela muy creyente. Así que me parece que todo lo que viví contenía una pequeña contradicción, leve, no demasiado intrusiva, que quizás también encuentro en mi trabajo. Una vez mi madre hizo subir al cuarto piso un enorme cuenco de hormigón, bajo, de al menos un metro de diámetro, y juntos cavamos las cuevas en la tierra, colocamos todos los personajes del belén, la ristra de luces enterradas junto con las plantas, ¡un resultado espectacular! ¡Creo que por ahí empecé! A veces pienso que la preparación del belén, que tenía que ser nuevo, sorprendente e insólito cada año, se parece mucho a la puesta en escena de una instalación o de una de mis composiciones. La próxima se titulará Composizione intrepida lunga sedici metri (Composición intrépida de dieciséis metros de largo), comisariada por Michela Eremita en el Conservatorio del Refugio de Siena, un pequeño y precioso museo situado en el interior de una antigua hospedería, donde ahora se reúne una importante colección de arte antiguo.

¿Cuál fue su “primer amor” como artista?

Me cuesta recordar: empecé con el arte tarde. Probablemente el primer amor fue uno de esos cuadros que hay en casa, de esos que cuando miras de cerca ves una pincelada inconexa y de lejos ves una figura, un pescador recuerdo. Al cabo de un tiempo no ves los cuadros en tu entorno familiar, pero se te meten dentro: ¡quizá por eso prefiero no dedicarme a la pintura!

¿Qué estudios realizó?

No fui a la escuela de arte. Hice unos años de Literatura Moderna, que luego abandoné por la Academia de Bellas Artes de Brera, en Milán. Siempre me he arrepentido de haber abandonado Literatura, no porque la Academia no fuera interesante, ¡al contrario! Sino porque, en retrospectiva, te haces a la idea de que podrías haber hecho Arte con otro tipo de formación que hubiera ampliado más tu ser. El estudio literario en Arte siempre me ha parecido más complejo y articulado que el que se ofrece en la academia, y de todas formas podría haber sido artista. Sin embargo, tal vez no sea del todo así. Brera fue importante por los encuentros, por la gente, por los artistas que frecuenté, y porque en aquella época en la Academia había mundos completamente diferentes que podías elegir según el camino que quisieras seguir. Creo que sigue siendo así, en la universidad tenías profesores en función de la letra de tu apellido, mientras que en la Academia podías elegir en función de la poética y los temas que el profesor trataba y que tú preferías.

¿Hubo algún encuentro importante durante sus años de formación?

El periodo de formación fue importante: en Brera fue maravilloso para mí, que venía en aquellos años de una pequeña ciudad donde la gente sólo hablaba de la Escuela de Scicli. Había venido para seguir a Luciano Fabro, pero el aire de su aula me resultaba irrespirable. Así que me matriculé en el curso de Giuseppe Maraniello y asistí al aula de Alberto Garutti. Una mañana estábamos esperando a Garutti. Cuando llegó, empezó a hablar de su conserje, de sus conversaciones, y en un momento dado dijo: “Ahora mismo estaba pensando que esta mañana me he levantado, me he encontrado con el conserje, hemos charlado, luego me he ido para venir aquí y todos los pasos que he dado en estos 53 años me han traído hasta usted”. Me quedé asombrado y aquella frase se convirtió para mí en el título de una serie de las obras más bellas del arte italiano. Fue formativo asistir a sus conferencias. Incluso en la clase de Maraniello había buena energía: cada uno presentaba una obra y empezaba la matanza de todos y cada uno, mientras tú tenías que defender tu obra. De vez en cuando echo de menos esto: me gustaría hacerlo ahora también, presentar una obra entre amigos y amigos artistas y que me dijeran sinceramente lo que piensan de ella y entender hasta qué punto son capaces de defender y argumentar una obra.

¿Cómo ha evolucionado su trabajo con el tiempo?

En el pasado solía basarme en elementos existentes; objetos encontrados o elementos preexistentes. Hoy esto me parece una especie de debilidad, ya no me interesa. Quiero partir de una hoja en blanco, de algo que no exista antes, de una mesa vacía. Con el tiempo, sin duda te vuelves más consciente, menos preocupado por la aprobación de los demás; comprendes el valor de hacer una cosa en lugar de otra. Hacer exposiciones no se convierte en una obsesión: de hecho, ahora, aparte de las individuales, las exposiciones me estimulan cada vez menos. Me parece más interesante encontrar otros proyectos, vinculados a lugares, a obras permanentes, a colaboraciones con otros artistas, trabajar con pequeños museos, con libros, colaborar con gente interesante. Al final, lo más bonito son las relaciones que surgen, no las exposiciones en sí.

¿Cuáles son las principales diferencias que identifica entre lo que hace ahora y lo que hacía hace años?

Creo que cada obra es un fragmento del trabajo de toda una vida. Por supuesto, estamos en constante cambio y siempre añadimos nuevos elementos a nuestro trabajo. Probablemente desarrollamos ideas que ya teníamos de adolescentes; se refinan, se enriquecen y se hacen cada vez más complejas y sofisticadas. Cuando empecé quizá me centraba más en la idea del tiempo. Hoy me pregunto cómo ese tiempo se convierte en épica en lo contemporáneo. Al final me doy cuenta de que las ideas de partida no son tan importantes. En arte, las palabras son siempre muletas: no deberían ser necesarias si la obra nos habla y se sostiene por sí misma. Así que ahora, en comparación con el pasado, escucho más el cuerpo, el vientre y las sugerencias que emanan del material, elementos que se convierten en ideas en un proceso que también puede recorrerse en sentido inverso.

¿Cuál es la importancia de los materiales que utiliza en su obra; le interesa la dimensión de su transformación a través de la práctica del arte, tanto individual como colectiva?

Continúo con lo que decía. Los materiales ya contienen las ideas y casi siempre sugieren el camino para llegar a la obra. Personalmente, me interesa este acto transformador: la idea de que nace algo que antes no existía. Me emociona la idea de que un pequeño arbusto se convierta en bronce y luego se cubra de oro puro, o siempre me asombra que la arcilla tome forma y metida en un horno a 980 grados se vuelva tan fuerte como la piedra. O que un esmalte de un color opaco y apagado a altas temperaturas se convierta en vidrio coloreado, iridiscente, con tonos imprevisibles. Me encuentro ante la maravilla del cambio, lo previsible o lo inesperado. Son transformaciones que cada uno de nosotros experimenta cada día. Esto es lo que tenemos que aceptar: las cosas cambian y se transforman constantemente.

¿Le interesa la idea de Iconografía?

Sí, mucho; nos recuerda que aunque una imagen sea reconocible, si no nos esforzamos en leerla, no podemos necesariamente entenderla. El estudio es necesario para comprender el arte, tanto el pasado como el presente, y el desarrollo de una intuición y una capacidad de lectura fenomenológica. A menudo la gente no se concentra en leer una obra y parece necesario que alguien nos la explique, pero si uno se detiene ante una obra como si fuera una persona y empieza a fijarse en los colores que tiene, su vestimenta, las joyas que lleva o lo que sea, puede entender algo de lo que aparece ante uno. Una obra de arte es una aparición, una puesta en escena; empiezas a preguntarte por qué tiene el aspecto que tiene, empiezas a hacerle preguntas a la obra y las respuestas llegan. Probablemente no coincidan con las del artista que la creó, pero es precisamente esa multiplicidad de lecturas lo que la convierte en Arte.

La idea de lo sagrado vuelve a menudo en su obra: ¿puede hablarnos de ello?

Mis viajes de los últimos años a China han influido mucho en mi sentido de lo sagrado. Mis reflexiones sobre el vacío, sobre la ausencia de acción y de ego que caracteriza la visión oriental de las cosas, también me han hecho redescubrir el concepto de prójimo en la religión cristiana. Uno quisiera una indefinición de las fronteras entre las personas, disminuyendo la necesidad del individuo en favor de una proximidad con el otro. En los últimos tiempos, éste me parece un tema poco tratado en comparación con el pasado. Partiendo de aquí, de lo sagrado, cada vez más, lo vinculo a la inmanencia, al aquí y ahora, a los rituales de lo cotidiano, a la horizontalidad a la figura del círculo en el que nos confrontamos como iguales y trabajamos juntos. Incluso mi sépalo de tomate que quiere convertirse en estrella es cierto que aspira al cielo, a una ascensión, a una transformación completa de sí mismo, pero sobre todo define un nuevo lugar, otro, para no hacer una jerarquía de valor. El cielo no es mejor que la tierra: también es un lugar que invita a viajar. La aspiración es movimiento, conocimiento, desplazamiento. La transformación y el desplazamiento de la mirada es lo más importante en la práctica artística.

¿Cuál es su idea del tiempo y del espacio?

Digamos que son los ámbitos principales en los que trabaja no sólo la ciencia, sino también el arte. La sensación de que el tiempo va a terminar es el mayor estímulo que nos hace querer dejar algo atrás y contribuir a una visión de la realidad para los que vendrán después. El espacio es el elemento principal en la escultura, que es mi medio preferido: muchas esculturas en las que he trabajado tenían precisamente el factor tiempo. La manta Ex de mi abuela estaba hecha de tiempo de trabajo con el hilo, y sacarla y volverla a montar era un gesto de pasar por ese tiempo.

¿Cuál es su idea de la naturaleza?

Me parece que la idea de naturaleza se aleja cada vez más: cuando paseo por los bosques de las afueras de Milán o por las canteras naturales de Sicilia, me doy cuenta de que todo está demasiado cerca de las ciudades para sentir la verdadera naturaleza. En China vi parques increíbles y me alojé en un lugar con una montaña que se alzaba en toda su belleza. Allí no se sube a las montañas: se está a sus pies para contemplarlas. Al pie de las montañas está lleno de gente usando azadas y rastrillos en los huertos con las cañas que sujetan las verduras o hacen de canales de agua, como los que hacía mi abuelo en Marina di Modica, cuando plantaba brócoli para el pastel de Navidad. Para mí, la naturaleza era sentir esa cosa, el gesto de ciertos gestos que son iguales en todas las latitudes y que crean una relación entre la tierra y nuestros cuerpos.

¿Le interesa la idea de escenificar su obra cuando la expone?

Es lo más importante: hasta que no se expone por primera vez es como si no hubiera nacido; la obra está en gestación, en observación, intentas entender si tiene un carácter que te gusta, como las personas, y entonces decides si darla a conocer o esconderla en el armario como las de una noche.

Cuál es su idea de la belleza?

La belleza para mí es lo que en su interior tiene una fragilidad, una atención; es algo inesperado, no necesariamente sorprendente y sobre todo no necesariamente nuevo. Me gusta la reiteración de conceptos a lo largo del tiempo, un jarrón de flores, un beso, un abrazo, cosas que han perdurado a lo largo de los siglos; ciertas porcelanas decoradas nos perduran y han sobrevivido a nuestros abuelos, a nuestros antepasados, y siempre están brillantes; a veces están desconchadas, pero siempre listas para un té caliente.

¿Cree que una obra de arte existe si no hay nadie mirándola?

No. Una obra no existe si nadie la mira, pero basta que la mire una persona o incluso un animal para que exista. Recuerdo que cuando hacía Literatura, en mi primera lección de Instituciones de la Crítica, el profesor hablaba del texto poético escrito, impreso, de los caracteres utilizados en su lectura, y dijo: "Pero si todos los ejemplares de L’ Infinito de Leopardi se quemaran o se perdieran y todos los que lo recuerdan se olvidaran de él, ¿seguiría existiendo L’Infinito?". Salió del aula con esta pregunta que siempre me pone en crisis.

¿Dónde se sitúa usted en relación con su obra?

Casi siempre me sitúo como espectador: quiero sentir las dudas y sugerencias que acompañan a la realización de una obra. Esta tensión me basta, independientemente del éxito que tenga la obra; me basta sentirme parte de una comunidad artística, ser autor, compartir esta tensión con los artistas. Este deseo, este horizonte común de ser y ejercer llena mi vida.

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