Nicola Samorì: "Intento captar el cansancio de las imágenes en los museos". Entrevista exclusiva

Nicola Samorì (Forlì, 1977) es uno de los artistas italianos contemporáneos más interesantes y celebrados. Conocido por sus pinturas que recuerdan la estética del siglo XVII, Samorì investiga la acción del tiempo, nuestra relación con el pasado, con los museos y con la historia del arte, la alteración que sufren las obras con el paso del tiempo. Se licenció en la Academia de Bellas Artes de Bolonia y ha expuesto en todo el mundo. Entre los hitos de su carrera destacan su participación en dos Bienales de Venecia, la exposición “Arte italiano 1968-2007. Pittura” en Milán (Palazzo Reale), exposiciones personales en el MAC de Lissone, la Kunsthalle de Kiel y el Centro de Artes Visuales Pescheria de Pesaro. Ilaria Baratta le entrevistó y Nicola Samorì nos habló de su arte.

IB. En tu última exposición individual “La candela per far luce deve consumarsi” (“La vela para hacer luz debe consumirse”), que tuvo lugar de julio a octubre de 2017 en el Centro Arti Visive Pescheria de Pesaro, tus obras dialogaban con las colecciones de los Museos Cívicos del Palazzo Mosca. Cómo y con qué actitud te relacionaste con ellas? ¿El título de la exposición hace referencia a esta confrontación?
NS. Se me pidió específicamente que incluyera obras de las colecciones de Pesaro y, durante la primera inspección, fue fácil dar con la clave explotando el demonio de la analogía: un Cristo y el Manigoldo pintado por Giuseppe Maria Crespi, dañado durante la Segunda Guerra Mundial tras la destrucción de un ala del Palazzo Mosca en la que se conservaba la pintura sobre cobre. El título coincide con la última frase atribuida a San Carlos Borromeo y está relacionado con el gran madero erguido que se erguía en el centro de la antigua iglesia del Suffragio, Lieve legno, asemejándose a una enorme vela que se desmorona.

Montaje de la exposición La vela debe consumirse para arrojar luz. Foto Stefano Maniero

Nicola Samorì, Lieve legno (2017; madera de nogal, 275 x 40 x 30 cm)

Giuseppe Maria Crespi, Cristo y el canalla (ca. 1735-1740; óleo sobre cobre, 41 x 32 cm; Pesaro, Musei Civici di Palazzo Mosca)

Y qué le parecieron las obras de Alberto Burri expuestas con motivo de la retrospectiva “Gare de l’Est” en diciembre de 2016? Era la primera vez que las obras de Burri de la Fondazione Palazzo Albizzini se colocaban junto a sus esculturas y las obras de Gustave Joseph Witkowski en un espacio tan inusual como el Teatro Anatómico de la Universidad de Padua. ¿Cómo se relaciona con estas importantes comparaciones?
Con una buena dosis de temeridad - indispensable para atreverse - también porque no conozco ninguna manera lúcida de acercarse físicamente a una obra de Alberto Burri.

Con motivo de su exposición “La dialéctica del monstruo” en febrero de 2010 en Milán, usted declaró que su objeto de investigación es “representar un teatro inestable donde los retratos de retratos (nunca retratados del natural) fracasan repetidamente en su intento de realizarse”. De hecho, la mayoría de sus obras presentan figuras con rostros indefinidos, indefinidos, casi diluidos, a menudo incluso inexistentes o con cicatrices. ¿Qué significado tiene para usted retratar figuras sin rostro? ¿Cuál es el origen de este rasgo distintivo suyo?
Superar la esclavitud de la mirada: si arrancas los ojos y una parte del rostro del cuerpo, una miríada de nuevos ojos crece alrededor del malversado. Aun así, empezamos a ver lo que ocurre más allá de las cuencas de los ojos, desplazando nuestra atención de la complicidad de las miradas a la maquinaria de la representación y a todos esos mecanismos que el encuentro de nuestros ojos con los pintados desplaza hacia una zona de sombra.

Disposición de la exposición Gare de l’Est. Foto Rolando Paolo Guerzoni

Nicola Samorì, Agnese (2009; óleo sobre cobre, 100 x 100 cm)

Nicola Samorì, r41 (2010; yeso de alabastrina, cera, pigmentos, 170 x 115 x 45 cm)

¿Qué sentimientos impulsan su arte? ¿Es un acto de ira, de rebelión o toma forma a partir de un sentimiento más profundo?
Uno no siempre es amable con lo que ama. Nunca me he rebelado contra nada, ni estoy enfadada. Intento recoger el cansancio de las imágenes en los museos y en nuestra memoria, que necesitan una catástrofe para encontrar sangre; pero la desfiguración nunca es una entrada vandálica en el cuerpo de las formas, sino un expediente meditado que insinúa una reinterpretación rompiendo el hilo de la narración.

Sus obras suelen tener un fondo oscuro que recuerda al periodo barroco, cuando las figuras representadas destacaban sobre fondos negros o marrones oscuros. ¿En qué medida su arte está relacionado con el Barroco?
El Barroco es sólo uno de los segmentos de la historia del arte que expolio, centrándome continuamente en la figura de José de Ribera, a quien he imitado decenas de veces. En realidad, la convulsión barroca ni siquiera me resulta simpática, porque implica una dispersión en el espacio que choca con mi hierático sentido del centro. Pero Ribera es esencial en su trazado y turgente en su modelado, así que uno de sus cuerpos en la noche ofrece siempre una presencia perfecta para una larga serie de alteraciones que partiendo de un cuadro del siglo XV serían impensables.

Izquierda, Nicola Samorì, Las hormigas (2017; óleo sobre cobre, 100 x 100 cm. Cortesía Galerie EIGEN + Art, Leipzig / Berlín). Derecha, José de Ribera, San Pablo ermitaño (c. 1632; óleo sobre lienzo, 132,7 x 106,7 cm; Baltimore, The Walters Art Museum).

Izquierda, Nicola Samorì, La caída de los gigantes (2017; óleo sobre cobre, 70 x 50 cm). Derecha, círculo de José de Ribera, San Jerónimo (primera mitad del siglo XVII; óleo sobre lienzo, 92,7 x 70,5 cm; Colección particular).

Izquierda, Nicola Samorì, Lucrezia (2010; óleo sobre tabla, 100 x 100 x 5 cm). Derecha, Guido Cagnacci, Lucrezia (c. 1636-1640; óleo sobre lienzo, 114 x 112 cm; colección privada)

En su opinión, ¿hasta qué punto cree que el arte contemporáneo, del que ya es un exponente consagrado, está o debería estar vinculado al arte del pasado? En cuanto a los temas que favorece, ¿cuáles de ellos toma del arte antiguo?
No creo en los deberes del arte, pero sí en su enorme memoria que nos obliga a una confrontación con lo preexistente. Al fin y al cabo, es difícil pensar en un gesto “nuevo” sin una curiosidad enciclopédica hacia los que nos precedieron. Hay también un sentido de la disciplina en el arte antiguo, incluso en el que fue más transgresor en su época, que hace las obras, a mis ojos, más apasionantes y que nos enseña a complicarnos la vida para dominar la forma obteniendo una sólida satisfacción. En cuanto a los motivos del pasado que prefiero, diría sin duda la iconografía de los santos y el cruel momento de su martirio.

La gran mayoría de sus obras pertenecen al arte pictórico: sobre papel, sobre tabla, sobre cobre, sobre lino. ¿Prefiere la pintura a la escultura? En el caso de las obras escultóricas, ¿aplica las mismas influencias y significados que en la pintura?
Es más fácil que proliferen las obras pictóricas que las escultóricas; ésta es la principal razón del desequilibrio. Pero la oscilación de una práctica a otra es necesaria para mí, porque cuando la pintura empieza a apestar necesito desintoxicarme con la piedra, y cuando el polvo empieza a perseguirme vuelvo a la pintura. Mis manos están más a gusto con la escultura; sin embargo, una enorme cantidad de pintura ha generado automatismos que también condicionan todos mis ensayos plásticos.

¿Qué función le otorga al arte?
El arte es un agujero en el tiempo, algo que anestesia su prisa.

¿Qué proyectos tiene en el cajón para sus próximas obras o exposiciones?
Ahora estoy trabajando en mi próxima exposición individual en Berlín, que tendrá lugar en la Galerie EIGEN+ART en octubre: un fresco monumental que engulle ópticamente una escultura de piedra negra como un abismo. A los lados, pequeñas visiones minuciosas fijan el miedo del hombre como episodios bajo un microscopio.

Nicola Samorì, Sin título (2016; madera fosilizada, 45 x 20 x 17 cm. Cortesía Monitor Gallery, Roma)

Nicola Samorì, Lucy, detalle (2016; mármol de Carrara y fragmento lunar, 90 x 35 x 30 cm. Cortesía Monitor Gallery, Roma)

Nicola Samorì, Anulante (2018; óleo sobre cobre, 70 x 50 cm. Cortesía Monitor Gallery, Roma)

Nicola Samorì, Corpus Domini (2017; óleo sobre cobre, 40 x 30 cm)

Nicola Samorì, In principio era la fine (2016; óleo sobre cobre, 30 x 20 cm. Cortesía Monitor Gallery, Roma)

Nicola Samorì, San Pedro en el infierno (2016; óleo sobre lienzo, 300 x 170 cm. Cortesía Monitor Gallery, Roma)

Nicola Samorì, Magdalena (2010; óleo sobre panel, 70 x 50 cm)

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