"La obra no debe ocupar el espacio: debe reformularlo". Entrevista con Federico Fusj

Federico Fusj (Siena, 1967) es un ecléctico artista contemporáneo, un experimentador en constante búsqueda de nuevas posibilidades y nuevos lenguajes para fusionar experiencias artísticas incluso aparentemente distantes. Suya es, por ejemplo, la idea del “radioarte”, que considera una disciplina similar a la pintura o la escultura. Formado en el Instituto de Arte de Siena y en la Academia de Bellas Artes de Brera, Fusj estudió con Alik Cavaliere, Andrea Cascella y Luciano Fabro, y ha expuesto en contextos nacionales e internacionales (por ejemplo, en el Troubleyn Laboratorium de Jan Fabre en Amberes, en el Museo SMAK de Gante, en la 9ª Sonsbeek de Arnhem, en la 7ª Bienal de La Habana). También es fundador de la emisora Radioarte y del sello de producción artística Inner Room. Nos hemos reunido con él para que nos hable de su particular investigación. Entrevista realizada por Ilaria Baratta.

Federico Fusj, Ambiente@Troubleyn.be (2016; pigmentos sobre papel, sonido, latón; Amberes, Museo Troubleyn).

IB. En 2016 organizó una caminata cultural para colocar la escultura de ónice blanco Fonte Y en la ermita de Sant’Onofrio acompañada de una Peshitta, una versión siríaca del Nuevo Testamento. La iniciativa estaba vinculada al monacato cristiano: ¿qué significó para usted esta iniciativa? ¿Cómo se le ocurrió la idea? ¿En qué medida sus obras están vinculadas a lo sagrado?
FF. El evento fue organizado por la Academia de Bellas Artes de L’Aquila, concebido por su director, el profesor Marco Brandizzi, y mi área comisariada por el profesor Enzo de Leonibus. Se trataba de identificar caminos de arte y espiritualidad en las ermitas de los Abruzos, sacando a la luz esta gran tradición anterior a Celestino V. En este caso concreto, organicé este recorrido cultural porque quería partir de la realidad de la zona, es decir, de la ermita de Sant’Onofrio all’Orfento, que es una de las ermitas más aisladas, y además está medio destruida: el sentido no era tanto exponer una obra en un solo lugar, sino crear una especie de itinerario. Me interesa crear una dinámica en torno a las obras, no ponerme en primera posición, ni tratar un aspecto aislado: ir a ese lugar significaba implicar toda una serie de energías y crear una serie de sinergias. En cuanto al discurso de lo sagrado, mi premisa no es tanto ir a un lugar sagrado, sino intentar pensar qué puede ser sagrado hoy. Me gustaría introducir un término, ha-makom, ’el lugar’ [en hebreo, ed.]. Para mí, lo sagrado no es un lugar exterior. Lo sagrado es el lugar de la experiencia reveladora, de la conciencia y el recuerdo de la propia experiencia. Es obvio que el término “sagrado” significa “apartado”, para una ocasión especial o un acontecimiento especial, o incluso para una morada especial, como en el caso de las ermitas. Con estas intenciones abordé la exposición y pensé en aportar una fuente de la que pudieran surgir nuevas experiencias para todos los que entraran en contacto con la obra en sí. Extraordinario fue el momento en el que llegamos allí, de repente apareció gente, por el monte, por la maleza. Pensábamos que no encontraríamos a nadie, porque es un lugar muy inaccesible. Así que lo documentamos, nos vimos gratamente contradichos por estas presencias que aparecieron de repente.

En el espacio Inner Room que se había instalado temporalmente en Florencia en 2013 se celebró su retrospectiva individual Altolocato. Una exposición que enfatizaba su enfoque en la reflexión personal, metafísica, en un espacio, presentado por usted como una “ciudad interior”, como un lugar donde cada miembro de la vivienda desarrolla sus talentos y no como un simple lugar de la vida cotidiana. ¿Qué importancia tiene para usted la investigación meditativa en el arte? ¿Es crucial para usted exponer sus obras en un espacio que esté relacionado en cierto modo con el significado de las mismas?
Inner Room es un sello de producción artística, fundado con Romeo Giuli en Siena en 2010, con un programa cíclico en sus propios locales y en otros lugares. Funcionó en Florencia por invitación de unos amigos propietarios de un piso de la tradición arquitectónica florentina posterior a la Segunda Guerra Mundial que tiene en cuenta el espacio y la luz, con una especie de proscenio de fondo. Retoma un lenguaje arquitectónico florentino que se remonta a la época del Renacimiento. La reflexión sobre el espacio, y sobre las obras en el espacio, puede sin duda relacionarse con lo que decíamos hace un momento. Me gusta dialogar con el espacio, me gusta asumir el espacio, me gusta asumir las accidentalidades en el cuerpo de la obra. Y me gusta no aislarme y no buscar el aislamiento: creo que en realidad todos somos uno, y todos nos movemos juntos. Y lo mismo ocurre con las obras, que están llamadas a moverse y habitar dentro de un espacio. Así que la obra de arte no tiene el papel de ocupar un espacio, sino que tiene un papel de diálogo y reformulación continua del espacio. En esto puede residir la palabra “meditación”. En mi cultura, la palabra “meditación” tiene el significado de “poner en práctica”: el que escucha la palabra y la pone en práctica se traduce también como “el que escucha la palabra y medita sobre ella”. El sentido de la meditación es entonces referible a la poesis, es decir, al hacer, donde este “hacer” significa reconstituir continuamente, a través del trabajo, el espacio que nos rodea: la vida.

Federico Fusj, Aleph (2017; mármol esculpido). Ph. Crédito Bruchi

Federico Fusj, Retrato moral de HaMashiah VIII (2017; mármol esculpido). Ph. Crédito Bruchi

Usted ha introducido el instrumento de la radio en la actividad artística, creando ’Radioart’: una novedad para el arte contemporáneo. Se trata de una mezcla de arte y sonido. ¿Cómo se le ocurrió esta idea?
Esta idea surgió de la distancia, si se quiere, en la que me encontraba viviendo, por elección y por necesidad, de los centros de mi formación artística, como Milán, y de los centros de mi trabajo posterior, principalmente Roma y otras ciudades europeas. Percibí como una limitación en la forma visual así como la urgencia de combinar una pasión mía, la radio, un instrumento con el que me formé, que amaba y sigo amando y del que aún me siento cercano, con el arte. Al hacerlo, casi con los ojos cerrados, sentí el deseo de crear el concepto “radioarte”, dedicado al mundo del arte y a todos los que lo viven. Continuando, tuve la oportunidad, en 2001, durante la exposición Sonsbeek 9 en Arnhem, Holanda, gracias a la sensibilidad de Jan Hoet y su equipo de comisarios que abrazaron esta idea, de ponerla en práctica por primera vez con una emisión-interacción en una emisora local de radio FM. La experiencia creció después de forma aperiódica: a través de Mario y Dora Pieroni, de la Asociación Zerynthia, cuando diseñamos RadioArteMobile en 2002. Luego con la EuropeanCulturalFoundation en RadioarteJump en 2004 y con la experimental RadioCantonuovo de Siena en 2008. Recientemente, con la Accademia Musicale Chigiana, dirigida por Nicola Sani, iniciamos una colaboración para la que Radioarte también produce desde 2016 CHIGIANAradioarte, la sección de arte sonoro-radiofónico y radio oficial del Festival Internacional de Chigiana. Hoy, Radioarte es una especie de galería, museo, espacio abierto, en una web-radio participativa. Así que me encontré pasando de ser un mero experimentador de la radio en el arte contemporáneo a ser también editor, de un lenguaje artístico, el radioarte, que entretanto ha evolucionado, poniendo en práctica aquellas experiencias pioneras con la radio y el sonido que comenzaron orgánicamente a finales de los años cuarenta. Así que me fui sin saber lo que me esperaba, y mientras tanto todos hemos visto el crecimiento y desarrollo de lo que es, en mi opinión, una verdadera disciplina. Por eso hoy en Radioarte promovemos esta disciplina artística, a la par que la escultura, la pintura u otras experiencias del arte tanto contemporáneo como clásico.

Con motivo de su exposición ’Roeh’, tuvo el honor de exponer una serie de mármoles en la Pinacoteca Nazionale de Siena en 2012. Una de estas obras se incluyó en la colección permanente de la Pinacoteca. Como artista sienés, ¿cómo se sintió al ver sus propias creaciones en el museo más importante de su ciudad natal?
Sinceramente... incredulidad: esa fue la primera palabra, la primera reacción. Todo empezó durante el encargo del monumento al 150 aniversario de la Unificación de Italia. Elproceso incluía un dictamen crítico de la Superintendencia (organismo que también preside la Pinacoteca) sobre mi trabajo. Cuando el Superintendente Mario Scalini entró en contacto con la obra de Roeh, propuso tenerla en la colección de la Pinacoteca. Y de ahí surgió la idea de la exposición bajo la dirección de Annamaria Guiducci y comisariada por Maria Mangiavacchi. La Pinacoteca Nazionale di Siena, huelga decirlo, no es sólo uno de los museos más importantes de Siena, sino uno de los más importantes del mundo, porque alberga obras que han marcado la historia del arte. Para mí, el hecho de estar en esa sala es un reconocimiento a esta investigación que estoy haciendo y a la intimidad que tengo con las obras que estoy realizando. Que Roeh esté allí me hace reflexionar sobre lo que estoy haciendo en relación con una trayectoria histórica muy concreta y como intérprete me siento honrado. Lo vivo como un reconocimiento de la intimidad que tengo con lo que estoy haciendo. En otras palabras, no me siento ni más ni menos que un acompañante de las obras. Al interpretarlas, las acompaño a donde las quieren y las aman, donde las aprecian.

Federico Fusj, Roeh (2010; mármol tallado; Siena, Pinacoteca Nazionale). Foto Crédito Bruchi

Como acabamos de mencionar, entre sus obras escultóricas, tuvo la oportunidad en 2011 de realizar un altorrelieve para el 150 aniversario de la Unificación de Italia. Tiene su arte alguna relación con la historia? ¿Cree que la tradición histórica puede coexistir con la experimentación?
Sí, creo que la tradición histórica puede coexistir con la experimentación. Creo que la posición histórica que vivimos es clara. Luego, el hecho de que se haya querido que una obra como la mía represente un monumento importante como éste dentro de la tradición sienesa (estamos en contacto con la Catedral de Siena: el campo de visión es ése) plantea una continuidad. Es interesante que esta continuidad estuviera determinada por las instituciones: operar y dar la posibilidad de crear en esa zona fue, de hecho, una elección institucional. Esto me parece un hecho relevante, porque la Prefectura y la Provincia convocaron al artista a realizar un servicio, un servicio (si se me permite decirlo) de gran valor y por el cual estoy agradecido. Porque es del servicio de donde surgen las oportunidades, y no de las oportunidades de donde surge el servicio. Se trata de una dimensión política, entendida precisamente como relativa al ciudadano, y es un gesto que, según he visto, ha sido muy profundo en quienes lo han experimentado en sus respectivos cargos. Italia, por desgracia, sufre lo que su historia en cierto sentido ha transcrito, de modo que todo lo que es culturalmente atribuible a Italia ha perdido en cierto modo significado y valor. La derrota, la rendición, es algo que proyecta una sombra sobre generaciones. Esto crea un prejuicio, un prejuicio formal que luego se refleja en lo que viven las generaciones. La tarea del arte y del artista, creo, es también cuestionarse cuál es la continuidad, inevitable, de una nación como Italia en una cultura como la italiana. Yo también reflexiono en este sentido. De hecho, el monumento habla de la Italia que puede ser. Es una puerta. Evoca la bendición sobre este país.

Federico Fusj, Italia150, Monumento per il 150° dell’Unità d’Italia (2010; mármol esculpido; Siena, Palazzo del Governo)

Sus esculturas, en su mayoría de mármol, parecen maleables: el material del que están hechas parece maleable si uno se detiene en los huecos, en las secciones geométricas uniformes a las que usted da forma en el mármol. ¿En qué se inspiran sus creaciones?
Se inspiran en la unidad con el sentimiento primario interior, en la inseparabilidad, en la coherencia. En una palabra, el gobierno de nosotros mismos. Recientemente, he estado trabajando en los Retratos morales del rey servil, un atributo del carácter que tiene todo ser humano. Inspirado, pues, en lo que es profundo y no visible y que dejo que se encuentre en la superficie del mármol como una marca viva, ennoblecida por el trazo del hierro. También aquí, para cada una de estas piezas, podemos hablar de ha-makom: de lugar. De experiencia especial que se convierte en lugar potencial de acogida para quienes se acercan a ellas. La acogida y el ser acogido que es la experiencia de acogerse a sí mismo. Una experiencia que, sin embargo, el hombre también es libre de rechazar. Alguien ha dicho que ante todo son obras de representación abstracta, donde por abstracta entiendo personalmente la conciencia más elevada: la paz.

Además de esculturas, también ha creado obras sobre papel. ¿Se considera más un escultor o un artista que crea esculturas y pinturas? ¿En qué se inspiran sus pinturas?
Mis cuadros se inspiran en la escritura, el espacio, las palabras. Y lo hacen personificando el color en la vida material. Me interesa un resultado material que emerge de la obra: en resumen, descarto estas obras cuando veo que han conseguido algo más allá de lo cual no se puede ir. ¿Cómo me defino? Me defino como alguien que tiene una necesidad, y en ese sentido la escultura es mi primer amor, porque fue a través de esta práctica que descubrí el lenguaje del arte, a los once años, así que para mí es continuo, es parte de mi historia, parte de la historia de mi persona. Lo mismo ocurre con la pintura, que como medio de expresión conocí, sufriendo, incluso antes. Entonces, ¿qué puedo ser, un escultor que pinta o un pintor que esculpe? Quiero llamarme... un “operador de radio visual”.

¿En qué proyecto está trabajando y qué planes tiene para el futuro?
En primer lugar, mantener el arte libre del funcionalismo asesino que gasifica la actualidad. En este momento estoy empezando a completar la serie de esculturas basadas en Roeh. Serán treinta y tres paneles que constituirán una obra única, un razonamiento en torno a lo que defino como la columna vertebral de la nueva escultura italiana. Además, están surgiendo otros proyectos de los que es demasiado pronto para hablar. Sin embargo, tengo en mente el proyecto de dejar este mundo vacío, es decir, de llegar al final de este tiempo y haber sacado todo lo que llevo dentro. Este es mi proyecto para el futuro.

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