La forma humana es el culmen de la belleza": entrevista con Shane Wolf

Entre los artistas más interesantes del panorama internacional, uno de nuestros favoritos es Shane Wolf (Cincinnati, EE UU, 1976). Un artista imaginativo y versátil, dotado de una técnica muy depurada, que se formó en Italia (y en particular en Florencia) y actualmente vive y trabaja en París. Un artista que reelabora el gran arte del Renacimiento en clave moderna e innovadora. Tuvimos el placer y el honor de entrevistarle, haciéndole algunas preguntas sobre su arte. El resultado fue una conversación muy interesante, que nuestra Ilaria tradujo del inglés. Le damos las gracias a Shane Wolf, con la esperanza de que esta entrevista le haga apreciar a un gran artista internacional tanto como nosotros.

Shane Wolf, In the Grand Manner, autorretrato (óleo sobre algodón, 70 x 60 cm) © Shane Wolf

Desde la Florencia del Renacimiento, donde usted se formó artísticamente, hasta Francia, que en el siglo XIX recorrió a fondo el arte de Rafael, Miguel Ángel y todos los grandes del siglo XVI italiano: ¿podemos considerar a Shane Wolf una artista italiana? ¿Qué la llevó a reflexionar tan apasionadamente sobre el arte de nuestro pasado? ¿Y qué la llevó a París?

No estoy muy segura de que se me pueda considerar una artista italiana, pero desde luego mi gusto por el arte clásico se despertó y empezó a desarrollarse durante mi estancia en Italia. A menudo se dice que mis obras están influenciadas por Italia y mucha gente afirma ver las raíces del Renacimiento en mis cuadros. Personalmente, creo que estos comentarios se deben sin duda al hecho de que estudié en Florencia, donde el Renacimiento es tangible, donde puedes pasear por una calle estrecha y toparte accidentalmente con un Donatello o un Verrocchio o un Brunelleschi. Estas influencias están por todas partes y sin duda han tenido un fuerte impacto en mi visión artística.
Después de Florencia, París era claramente la ciudad adecuada para mí. Florencia es una ciudad maravillosa para estudiar, mientras que París me pareció el lugar adecuado para convertirme en profesional. Necesitaba una ciudad que tuviera un pasado extraordinariamente rico, pero también un presente lleno de vida. París ofrecía la combinación perfecta de riqueza y vitalidad, tanto en el pasado como en el presente.

Shane Wolf con su cuadro Venus (óleo sobre lienzo, 223,6 x 100 cm) © Shane Wolf

La reelaboración del arte renacentista pasa también por las técnicas: hace un gran uso del dibujo, pero en su producción abundan también las figuras en escorzo que recuerdan a los grandes pintores ilusionistas del siglo XVI, como Correggio y Veronés. En una época en la que el arte se hace en cualquier soporte, ¿hasta qué punto es importante volver a las técnicas tradicionales?

En mis creaciones, el uso de técnicas tradicionales es absolutamente esencial. Dibujar y pintar del natural es bello en sí mismo y además tiene grandes valores humanísticos. Cuando se trabaja únicamente del natural, como hago yo, se entiende mejor por qué el Renacimiento fue también un cambio cultural humanista. Quienes pasan días y años estudiando las formas del Humanismo en toda su complejidad (bueno, en realidad no es posible, ¡pero lo intentamos!) pasan a formar parte del gran linaje de la historia del arte, que se remonta hasta los antiguos griegos. Creo que esta es la razón por la que las grandes obras de arte nos siguen hablando de una manera tan profunda: llegan a ciertos sentimientos y valores humanos fundamentales.
Y sí, las ilusiones son sin duda una parte importante de mi arte. Admiro y respeto mucho a los pintores ilusionistas que menciona (incluso a Tiépolo) y también me esfuerzo por desafiarme a mí mismo con vistas imprevisibles del modelo. No sólo es un reto divertido, sino que a menudo proporciona una representación increíble del tema.

No sólo los modos, sino también los temas: su serie “Eidolon” propone la recuperación de temas típicos del arte antiguo (Venus, Voici l’homme. ¿Cómo cree que una recuperación de estos temas puede conciliarse con el presente y con la actualidad?

Buena pregunta. Hablaré primero de Venus y después de Voici l’homme. Como pintor, me interesa más crear cuadros para hoy, para el siglo XXI. No deseo en absoluto hacer un cuadro que parezca que podría haberse hecho en el pasado. La ironía de que los pintores de hoy intentemos hablar al presente recordando temas y técnicas del pasado es ciertamente muy interesante.
Por supuesto, Venus ha sido representada por pintores de muchas disciplinas y distintos niveles de grandeza. Al elegir pintar Venus, elijo añadir mi visión al diálogo profundamente arraigado en el pasado: una Venus para el siglo XXI. La idea de “Venus” es intemporal y, por tanto, tan apropiada hoy como lo fue para Bouguereau, Botticelli o Praxiteles.
Voici l’homme" es muy importante para mí porque se basa en una filosofía profundamente arraigada. Rechazo totalmente la visión cristiana en su condena de la humanidad: que el hombre nace en pecado y está obligado a portarse bien (nace en pecado y debe encontrar la salvación o perecer en el sufrimiento eterno). Me parece una visión del mundo triste y absolutamente inmoral. Tradicionalmente, el Ecce Homo -el momento en que Cristo es presentado a la multitud por Poncio Pilato- se representa como una imagen sombría y ominosa. Seguramente esta es la imagen apropiada según la visión cristiana.
Puesto que no estoy en absoluto de acuerdo con esta idea de que el hombre nace en pecado, un tema tan importante como el Ecce Homo sigue necesitando otra representación, que no se atenga a la doctrina cristiana. Imagínense: AQUÍ ESTÁ EL HOMBRE. ¡Qué poder! ¡Qué nobleza! ¡Qué magnificencia! Mi “Voici l’homme” es mi respuesta humanista al tema tradicional. Al igual que con Venus, mi objetivo es crear imágenes que hablen de nuestro tiempo, que toquen las cuerdas de mis semejantes. Y a veces los grandes temas del pasado nos lo permiten.

Shane Wolf, Daydream II (óleo sobre lienzo, 100 x 50 cm) © Shane Wolf

En sus cuadros, el gran protagonista es el cuerpo humano. En la revista francesa Dessine et Peinture, en 2014, decía que, en su opinión, el cuerpo expresa todas las cualidades: magnificencia, fuerza, elegancia, sensibilidad. Cuerpos a menudo bellos, fuertes, atléticos, poderosos desnudos masculinos y refinados desnudos femeninos son una seña de identidad de su arte. ¿Cuál es su relación con el cuerpo y con la belleza? Al igual que en el arte renacentista italiano, sus cuerpos están destinados a ser portadores de un ideal, a encarnar ciertos valores...? ?

Absolutamente. La forma humana es el culmen de la belleza, la gracia, la elegancia, la delicadeza, la fuerza y la vulnerabilidad. El cuerpo humano, tanto en su forma masculina como femenina, siempre me ha fascinado. Creo que cuando estamos desnudos nos encontramos en nuestro estado más verdadero y puro. Al igual que durante el Renacimiento italiano, pretendo utilizar el desnudo para expresar la infinita variedad de experiencias y emociones humanas.

En una entrevista concedida el año pasado a una cadena de televisión francesa, usted declaró que no quiere pintar obras que ya han sido pintadas, sino que quiere hacer obras que se adapten a nuestro tiempo. Entonces, ¿en qué sentido cree que el figurativismo y la tradición pueden seguir teniendo cabida en un arte contemporáneo que a menudo rechaza el academicismo (aunque no faltan artistas que, como usted, siguen inspirándose en los grandes maestros y reinterpretan el arte del pasado de una forma muy original y moderna)?

Es una pregunta muy amplia. Es cierto que la gran mayoría del mercado del arte contemporáneo está lleno de obras sin técnica ni base académica. Sin embargo -y afortunadamente- el mercado del arte es tan amplio que los coleccionistas también son diversos. Creo que siempre habrá un mercado -aunque menor que el mercado “contemporáneo”- para los artistas que utilizan técnicas académicas para crear obras que realmente entablan un diálogo inteligente con el pasado.
Las obras figurativas pueden tardar muchas semanas, meses o incluso años en completarse, lo que significa que una obra de un artista determinado puede ser relativamente rara. Esto explica en parte la naturaleza errática del mercado del arte contemporáneo. Según mi experiencia, las galerías y los coleccionistas que evalúan una pintura figurativa son plenamente conscientes del tiempo que requiere esta forma de arte. Están dispuestos a esperar. Y están dispuestos a pagar por ello. Espero que quien aspire a convertirse en artista figurativo no se deje disuadir por la naturaleza desproporcionada del mercado del arte. Hay muchísimos coleccionistas que buscan este tipo de arte y nos permiten así continuar nuestra investigación artística. ¡Es un mundo maravilloso!

Terminemos donde empezamos, con su relación con Florencia. Muchos críticos e historiadores del arte en Italia afirman que, a pesar de la inmensidad del patrimonio histórico-artístico italiano, los italianos no tienen la preparación adecuada para conocerlo en profundidad y, sobre todo, para defenderlo: los casos de degradación y abandono del arte de nuestro pasado están a la orden del día. Como artista extranjero enamorado de nuestro Renacimiento y que ha vivido en Italia, ¿cómo ve la relación entre los italianos y el arte?

Me siento bastante cómodo hablando de los “florentinos” en comparación con todos los italianos, ya que viví cuatro años en Florencia (¡y me hice una idea de lo diferentes que son los italianos!). Quizá Florencia sea una excepción, pero los conservadores, restauradores, etc. del circuito artístico y museístico de Florencia me han parecido excepcionales. Los ciudadanos también son muy concienzudos y respetuosos con su riqueza histórica. No soy lo suficientemente experto como para discutir cómo se financian estas instituciones y recursos, o si faltan o no subvenciones, pero he visto claramente que Italia se preocupa por Florencia.
Una cosa más, si se me permite: ¡espero que los florentinos contemporáneos encuentren inspiración en su pasado extraordinariamente rico, para que puedan ampliar aún más sus horizontes, abrazando la amplitud y la diversidad! Cuando Florencia empezó a construir su imponente catedral en la segunda mitad del siglo XIII, nadie sabía cómo se construiría la cúpula; pero sabían que DEBERÍAN saberlo. ¡Qué espíritu tan valiente! ¡Exijo que Florencia y los florentinos abracen hoy ese mismo optimismo audaz y forjen otra época extraordinaria!

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