La belleza es emoción y perturbación". Conversación con el escultor Andrea Marini

Andrea Marini nació el 19 de abril de 1948 en Florencia, donde obtuvo el bachillerato artístico y más tarde la licenciatura en Arquitectura. Sigue viviendo en Florencia y desarrolla su actividad creativa en un espacio de tipo industrial en Calenzano (Florencia). Su interés por la actividad artística se manifestó ya desde su adolescencia, dedicándose principalmente al dibujo y la pintura. Sólo a finales de los años ochenta comenzó a comprometerse con la continuidad, dirigiendo sus investigaciones principalmente al campo de la escultura y la instalación. Entre finales de los ochenta y principios de los noventa, también formó parte de varias asociaciones culturales, estimulado por la comparación de las diversas investigaciones artísticas que se desarrollaban en ellas. Su primera exposición se remonta a 1989, tras la cual participó en otras muchas individuales y colectivas, tanto en Italia como en el extranjero. En esta conversación, Andrea Marini nos habla de su arte.

GL. La infancia suele desempeñar un papel importante a la hora de definir el imaginario de quienes más tarde deciden emprender el camino del arte, ¿fue también su caso?

AM. La experiencia de mi infancia fue sin duda fundamental para mí; tuve la suerte de poder utilizar un gran espacio adyacente al jardín de mi casa donde había una obra abandonada desde hacía mucho tiempo. En este lugar había de todo: tejas, ladrillos, tejas, arena, trozos de madera y una zona con una cantidad nada desdeñable de arcilla. En este espacio, durante las vacaciones de verano, me reunía con un grupo de amigos para jugar. Para mí era un verdadero gimnasio de la creatividad. Modelábamos todo allí, era una competición para ver quién producía los objetos más sorprendentes y originales, incluso construíamos verdaderas aldeas sobre los montones de arena utilizando los numerosos materiales disponibles. Al cabo de unos años, la obra se reactivó, pero para entonces todos éramos mayores y el “gimnasio creativo” ya había cumplido su función. Otro aspecto más oscuro y aparentemente menos positivo de mi infancia y adolescencia tuvo un gran impacto en mi vida adulta: mi tendencia, en ciertos momentos, a encerrarme en mí mismo y a aislarme con momentos de depresión. Creo que la búsqueda de una compensación y sublimación al estado de sufrimiento, que experimenté en aquella época, puede haber sido una fuerte motivación para la creatividad.

¿Cuál fue su primer amor artístico?

Durante la escuela de arte, tuve la oportunidad no sólo de estudiar, sino también de ver en directo las obras de Miguel Ángel en el Museo de la Accademia. Naturalmente, me fascinaron sus Prigioni, obras realmente notables, sobre todo por lo que tienen de “inacabadas”, que te permiten, al mirarlas, completar la imagen con tu propia imaginación. Pero la obra que puedo considerar plenamente mi primer amor es la Piedad Rondanini, también de Miguel Ángel, vista inicialmente en fotografías y sólo más tarde en persona en Milán. No quiero hacer aquí ningún comentario crítico sobre una obra tan famosa, importante y sobre todo moderna, pero sí quiero subrayar que a través de ella se desencadenó en mí un mecanismo diferente que me permitió establecer, con las obras de arte que más me implicaban, una relación de empatía que me permitió superar un enfoque puramente escolástico para alcanzar, en cambio, una comprensión más intensa y completa, más cercana a lo emocional que a lo cognitivo. Y es con esta predisposición con la que todavía me acerco a las obras de arte para captar su verdadera esencia.

¿Qué estudios realizó?

Estudié en la Escuela de Arte y en la Facultad de Arquitectura. A pesar de mi licenciatura en Arquitectura, preferí seguir el camino de la enseñanza, que me permitía realizar un trabajo que me interesaba y al mismo tiempo disponer de tiempo libre para dedicarme a mi actividad artística.

¿Hubo algún encuentro importante durante sus años de formación?

Durante mi formación, no tuve la suerte de conocer a personas importantes en el ámbito artístico, sin embargo, hubo personas que fueron muy influyentes a la hora de estimular en mí el potencial necesario para emprender y desarrollar la actividad artística. La primera persona se remonta a mi infancia; de hecho, cuando iba a jugar a la obra, el hermano mayor de uno de mis amigos, que asistía a la escuela de arte, se colaba a veces en nuestro edificio y nos daba indicaciones preciosas y soluciones originales. Fue sin duda un modelo a seguir para mí, quizá mi primer verdadero maestro. Otra persona que desempeñó un papel importante en mi educación fue el ayudante “figura” del Liceo. Era una persona que sabía conversar con los alumnos de forma sencilla y discreta, consiguiendo así romper esa sensación de desconfianza que normalmente existe entre profesor y alumno. Al final del bachillerato, casi había surgido entre nosotros una amistad que me permitió conocerle mejor y, visitando su estudio, profundizar en el conocimiento de su producción artística. En aquella época, pintaba cuadros en los que a menudo introducía elementos de madera con efectos tridimensionales que, debo decir, me influyeron mucho en mis primeros experimentos. El ambiente positivo del Liceo y, sobre todo, la sincera y fructífera relación de amistad con mis compañeros me ayudaron a diluir mi carácter fuertemente introvertido y a dar lugar a momentos de colaboración y confrontación creativa sumamente estimulantes, tanto durante como después de las clases.

¿Cómo ha evolucionado su obra con el tiempo?

De 1987 a 1992, aproximadamente, desarrollé un tipo de investigación geométrica y me dediqué a construir estructuras, que me gustaba llamar “arquitecturas sensibles” por su diálogo con los fenómenos y dinámicas interiores. Para este tipo de investigación, que era bastante rigurosa, casi siempre elaboraba dibujos de diseño muy precisos y detallados que me permitían calcular la proporción dimensional adecuada de las formas y el equilibrio de los materiales. Más tarde, cuando empecé un tipo de investigación más orgánica, abandoné un enfoque demasiado analítico, ahora sólo hago bocetos rápidos que sirven para detener la idea de lo que quiero realizar y al mismo tiempo verificar su validez. Dejo que el material y la propia construcción, en su realización, resuelvan la obra y le infundan vitalidad.

¿Cuáles son las diferencias sustanciales que identifica entre lo que hace ahora y lo que hacía hace años?

En primer lugar, cuando pienso en la actividad artística en general y en mi carrera artística en particular, no puedo evitar asociarla a una especie de árbol, donde el tronco representa el flujo principal que alimenta continuamente el deseo de creación. El flujo representa la totalidad de conocimientos, experiencias, estímulos y percepciones, tanto interiores como del mundo exterior: esto constituye el humus creativo de mi artista individual. Las ramas representan los distintos aspectos de la investigación que varían en función de la intensidad del camino emprendido y del tiempo necesario para desarrollarlo. La creación es, pues, para mí, un complejo organismo interactivo sujeto a transformaciones y cambios en un proceso de ósmosis continua entre los fenómenos interiores y los acontecimientos exteriores. Desde esta perspectiva, aunque me resulta difícil identificar claramente las desviaciones que se han producido en mi trayectoria artística, puedo afirmar que a principios de los años noventa se inició un cambio importante en mi investigación. En efecto, mientras desarrollaba un tipo de investigación geométrica que, como ya he dicho, era en sí misma bastante rigurosa, me sentía un poco enjaulado, constreñido. Por eso, en un determinado momento, sentí la necesidad de abordar un trabajo más orgánico, que me concediera una mayor libertad creativa y me permitiera también abordar, de forma más directa, el tema que me sigue interesando especialmente: crear o, mejor dicho, recrear una especie de naturalidad antinatural, sintomática y consecuente de la controvertida relación entre el hombre y la naturaleza que vivimos actualmente. Es por tanto inevitable que al tener que abordar la elaboración de un “nuevo universo”, que en mi investigación implica tanto al mundo vegetal como al antropomórfico y zoomórfico, haya sentido, con el paso del tiempo, la necesidad de experimentar con el mayor número posible de formas y materiales para investigar y recrear de manera personal y exhaustiva un panorama tan fascinante y complejo.

¿Qué importancia tienen los materiales que utiliza en su obra?

Evidentemente la elección de un determinado material tiene su importancia, normalmente es consecuente con el tipo de obra que tengo en mente, intento crear una obra con el material más adecuado para construirla. El material a veces me permite ir resolviendo la construcción de la obra a medida que se realiza: es decir, parto de una idea de forma que sólo se va estructurando a medida que la construyo. A veces, sin embargo, también puede ocurrir lo contrario, es decir, es el descubrimiento de un nuevo material el que me sugiere el trabajo a realizar. En algunos casos concretos, utilizo diversos tipos de material a partir de objetos, hallazgos abandonados que me han intrigado dándoles una nueva vida; no considero que se trate de una operación de reciclaje, sino de una “revitalización” de objetos muertos.

¿Cuál es su idea del tiempo y el espacio?

Quizá sea mi edad, pero a menudo pienso en el paso del tiempo. Lo percibo como algo tangible, casi visible, tal vez como un susurro o incluso como un fluido que fluye. Seguramente el tiempo es algo misterioso y al menos el nuestro, el fisiológico, se alarga y acorta según la situación. Durante el sueño, pues, el tiempo parece aniquilarse a sí mismo. También sabemos, según la teoría de la relatividad, que el tiempo se ralentiza a la velocidad de la luz; la famosa película El planeta de los simios es emblemática a este respecto. Cuando hago escultura, necesito tiempo: en primer lugar tiempo para reflexionar, para centrarme en una idea, para saber si realizarla, para elegir el método de construcción más adecuado para realizarla, para encontrar los materiales adecuados y, por último, para empezar a construir. Hay trabajos más rápidos, otros más lentos, y como a menudo empiezo varios trabajos nunca sé cuánto tiempo he tardado en terminarlos. Al final, lo que me interesa es que el resultado sea una obra “atemporal”, algo que pueda pertenecer simultáneamente al pasado o a un hipotético futuro. El espacio es ciertamente una entidad extremadamente versátil que puede ser objeto de muchas definiciones e interpretaciones, ciertamente es todo lo que puede entenderse entre lo infinitamente pequeño y lo infinitamente grande. Trabajando en el campo de la escultura, me interesa considerar un espacio físicamente perceptible y conmensurable. La escultura puede encerrar el espacio, desarrollarse en el espacio, invadir el espacio.

¿Cuál es su idea de la naturaleza?

Desde hace algún tiempo, debido al fenómeno de la antropización, con las continuas y múltiples tensiones negativas del hombre, la naturaleza se encuentra en un estado de estrés. La vivo como una naturaleza sufriente que pierde su equilibrio y reacciona, como vemos casi a diario, de forma violenta provocando consecuencias desastrosas para el propio hombre. En mi reinterpretación de la naturaleza, propongo una “naturalidad no natural” o una nueva “naturalidad” que, aunque sufra, intenta reestructurarse y vivir en un nuevo mundo suspendido entre lo real y lo imaginario. Así, quiero dejar espacio a la esperanza de un “renacimiento” y a la posibilidad de que pueda alcanzarse un equilibrio renovado.

¿Le interesa la idea de escenificar sus esculturas cuando las expone?

Creo que cualquier obra contiene en sí misma un “aura” que existe independientemente de su ubicación y, por supuesto, cuanto más “exitosa” sea la obra, más fuerte será esta aura. Así que en teoría, absurdamente, una obra “fuerte” no necesitaría ninguna puesta en escena. En realidad, cualquier obra, para ser valorizada, necesita una correcta ambientación, una puesta en escena no tanto como hecho teatral sino como búsqueda del establecimiento de aquellas condiciones que realcen las peculiaridades de una obra y permitan al espectador leerla y percibirla en su verdadera esencia.

¿Cuál es su idea de la belleza?

En una obra de arte, el sentido de la belleza surge de los muchos elementos que la componen y la mayoría de las veces estos elementos no son claramente identificables ni codificables. Cada persona interpreta una obra según su sensibilidad, su cultura y su disposición interior a recibir un mensaje. Personalmente, creo que, ante una obra de arte, una idea de belleza puede surgir simplemente de una emoción, de una sutil perturbación, de una ligera inquietud.

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