Hostil al estilo. El arte de Mario Consiglio contado por él mismo

Nacido en Maglie (Lecce) en 1968, el artista umbro Mario Consiglio vive y trabaja entre Berlín y Perugia. Debutó a finales de los ochenta y después afinó su propio lenguaje, trabajando con diversas técnicas y experimentando mucho con la lycra, material con el que creó sus “pinturas acolchadas”, que representan su producción más conocida y apreciada. Licenciado por la Academia de Bellas Artes de Urbino, es académico de mérito de la Academia de Bellas Artes “Pietro Vannucci” de Perugia. Ha expuesto en numerosos espacios privados y públicos de Italia y el extranjero, entre ellos: Grimmuseum (Berlín), Trolley Gallery (Londres), Galleria Carbone (Turín), Galleria Seno (Milán), Palazzo Bricherasio (Turín), Centro Pecci (Prato), Galeria Villena (La Habana), Studio Visconti (Milán), Galleria Pio Monti (Roma), Studio La Città (Verona), Museo Laboratorio (Città Sant’ Angelo, Pescara), MAC.Angelo, Pescara), MACRO (Roma), Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turín), Gran Central Terminal (Nueva York), Art in Perpetuity Trust (Londres), British Institute (Roma), Spiral Hall (Tokio), Art Basel, Palazzo Reale (Nápoles), Flash Art Mueseum (Trevi, Perugia), CIAC (Foligno, Perugia), Rare Ofiice (Berlín), Fondazione Querini Stampalia (Venecia), White Spider Col Condesa (Ciudad de México), Nolias Gallery (Londres). Nos habla de su arte en esta entrevista con Gabriele Landi.

GL. Para la mayoría de los artistas, la infancia representa la edad de oro en la que empiezan a aparecer los primeros síntomas de una cierta propensión a pertenecer al mundo del arte. ¿Fue ese también su caso?

MC. Tenía seis años cuando en una cena con amigos de mis padres, en la que seguramente me aburría, empecé a modelar un elefante con migas de pan y la anfitriona se sorprendió del resultado y me pidió que le hiciera una vaca y fue fácil, luego una ardilla y también lo hice, entonces se dirigió a mi madre con las esculturas en la mano para anunciarle que tenía un hijo artista. Eso es lo que me dijo mi madre, yo sólo recuerdo la chimenea encendida con mis pequeñas óperas sobre ella y a una señora riéndose. Creo, sin embargo, que la aportación vino de mi padre que, en su tiempo libre, junto con algunos amigos, fue a pintar con el maestro Rossi, un pintor “exótico” que había vivido en África. Estábamos en Città di Castello, a mediados de los 70, Burri estaba de moda y mi padre y sus amigos hacían cuadros con plásticos quemados de los que obtenían temas que, pensándolo hoy, eran interesantes, entre Soutine y Burri diría yo. Yo era demasiado joven para el fuego, así que pintaba paisajes en lienzos que me pasaba el maestro Rossi. Papá me llevó a la Fundación Albizzini, educándome en el arte libre y experimental. En los plásticos negros de Burri veía cuevas con murciélagos y lugares misteriosos, había fascinación en todo esto.

¿Qué estudios realizó?

Después del bachillerato en Cortona, fui a Urbino. Me convenció Claudio Boccolacci, un pintor abstraccionista apasionado por las cometas que daba clases en la academia. Le conocí cerca de Ginezzo, en las montañas de Cortona, mientras construía una trampa para una víbora. Había llegado con un Ape50 desde Urbino, le llevó mucho tiempo, me dijo. Nunca había tenido carné de conducir. Nos hicimos amigos, le enseñé mis dibujos y me dijo que podía ser artista, así que hice y aprobé el examen para entrar en Urbino y así empezó la aventura. Ser catapultado de un instituto clásico a una academia de vanguardia como Urbino fue algo irreal. Sentí que el daimon crecía, tenía un propósito, con muerte o gloria iba a ser artista.

¿Hubo algún encuentro importante durante su formación?

Pintar en Urbino era un hermoso psiquiátrico. El primer amigo fue Davide Banda, con quien sigo colaborando hoy. Era el mejor, incluso Pier Paolo Calzolari lo dijo, así que era verdad. Banda se negaba a ser artista, la comercialización del arte le parecía ilógica. Todos intentamos convencerle de que cambiara de opinión, pero no hubo manera. Por otro lado, siempre escribió poemas brillantes que nunca quiso publicar e hizo dibujos asombrosos, sobre todo los que hizo en la India en los años noventa. Podría escribir un libro solo sobre él, pero solo diré que fue mi compañero de habitación en las cuatro casas de las que nos echaron durante aquellos años. Otro hermano, que tristemente nos dejó hace once años, era Andrea Di Marco, pintor de Palermo, también compañero de piso y de andanzas. Echamos mucho de menos a Andrea, su fallecimiento fue un trauma para todos. Luego nos hicimos amigos de Antonio Paoloni. Nos costó un poco romper el hielo con él debido a su carácter introvertido, pero luego nos hicimos amigos inseparables. Di Marco molestaba a menudo a Paoloni, que se cabreaba como una fiera y le perseguía, a veces lanzándole objetos contundentes; una parodia que se repetía a menudo. Hoy Paoloni, además de ser un diseñador de primera, es uno de mis mejores amigos y colaboradores desde hace treinta años; sin él la mayor parte de mi trabajo no existiría... así que gracias Pablo. Otras personas que se unieron al grupo fueron Fulvio Di Piazza y Rocco Dubbini: sus actuaciones en las fiestas son inolvidables. También estaba Giorgio Piantini, de Arezzo, que siempre estaba con nosotros, un toscano muy simpático. También tuvimos una excelente relación con profesores de la academia como Umberto Palestini, Cristina Marabini, Claudio Boccolacci, Gian Ruggiero Manzoni, Omar Galliani, Elio Marchegiani, Pino Mascia, Christian Cassar, Sergio Monari, Pier Paolo Calzolari, Sergia Avveduti, Sebastiano Guerrera y otros. Todos ellos contribuyeron a nuestra formación, cada uno nos enseñó algo precisamente por las diferencias que había entre ellos. A nivel de notoriedad, por supuesto, Pier Paolo Calzolari encabezaba la lista, y haber tenido un profesor al que estudiamos en los libros durante un año daba cierta carga. El profesor era sobrecogedor, había poco que bromear y mucho que aprender. Su voz irradiaba energía, creencia artística y fuerza política. Apoyaba plenamente nuestras ocupaciones y nos hablaba de su ’68. Impazza ángel artista’, una de sus obras históricas, fue uno de nuestros lemas.

Cómo surgió la idea de trabajar en cuadros acolchados?

Desde mi casa de Brufa se ve Asís y el monte Subasio, el lugar místico al que San Francisco iba de retiro. Tiene una forma suave y el diseño recuerda las líneas del cellotex de Burri, que siempre he interpretado como paisajes de Umbría. Imaginé excavaciones arqueológicas, hallazgos, túneles y escondites en su interior que intenté representar con pintura bidimensional. Creaba contenedores en los lienzos para meter los hallazgos, envueltos en tela que luego empapaba en cera y pigmento. En aquella época me fascinaban los animales decapitados de Pino Pascali, los jorobados de Burri y las extroflexiones de Castellani y Bonalumi. Luego fue la época de la Transvanguardia y la Escuela Romana y de América llegaron las imágenes de Jean-Michel Basquiat, Schnabel y Mike Kelley. Parecía que la pintura ya no tenía nada que decir con la mitificación de estos jóvenes gigantes y sentí la necesidad de inventar algo único, reconocible y que me hiciera independiente. Experimentando mucho con la gomaespuma y trabajando mucho, descubrí esta técnica que utilizaría mucho a lo largo de los años. Así que puedo decir que todo surgió de la energía hipnótica de Subasio y de la suma de mis experiencias visuales hasta entonces.

¿Cuándo y cómo conoció a Guido Carbone y qué recuerdos tiene de él?

En 1995 participé en una exposición colectiva en Mondovì, en Piamonte, con artistas de Cortona, donde conocí al profesor Mantovani, que enseñaba en la Academia Albertina, quien me dijo que tenía que ir a Turín a mostrar mis obras a unos importantes galeristas que conocía y que él mismo concertaría la cita con ellos. Mis obras no se veían bien en las fotos, así que tenía que mostrarlas en la vida real, así que ideé un plan diabólico con un pintor amigo mío de Asti, Fabio Ballario. Básicamente, mientras yo hablaba con el galerista en la oficina, él dejaría rápidamente las obras en la galería. Así que cargué las obras en el coche, salí de Perugia, recogí a Ballario en Asti y nos dirigimos a Turín. Las citas eran con Bertaccini, Paolo Tonin y Guido Carbone. El plan funcionó con Paolo Tonin que me propuso pronto una exposición colectiva, luego en casa de Bertaccini donde conocí a Luca Beatrice, que me propuso algo, pero mi atención se centró en Carbone, ese galerista de culto del que se hablaba desde hacía tiempo, un tipo difícil me dijeron, un tipo duro que no sabía cómo podía reaccionar. Estaba en el despacho, estaba nervioso, quizá achispado y me pregunta que dónde está el libro, le digo que no lo tengo y que he traído las obras, lo que le cabrea inmediatamente y me pregunta que dónde están esas obras, “en la galería” le digo, y se levanta nervioso dirigiéndose hacia allí, Ballario ya lo había instalado todo, Guido ve las obras y empieza a emocionarse, me pregunta si quiero un spritz, acepto, luego llama a uno de sus amigos coleccionistas y le oigo decir que había algo interesante. Lo había conseguido. Carbone se enamoró de mi obra y me protegió con todas sus fuerzas, era un auténtico cazatalentos, tenía estilo y amaba y entendía el arte. Era galerista y padre, aconsejaba y siempre esperaba evoluciones de la obra con coraje experimentalista. Éramos una familia con Laura Viale, su compañera, Stefano Pisano, Pierluigi Calignano, Maria Bruno, Francesco Lauretta y otros. Cuando Guido murió todos nos sentimos perdidos, habíamos perdido a nuestro padre artístico que luchó por nosotros.

Sus primeras obras eran muy coloridas y requerían mucho tiempo, ¿tenía ayudantes que trabajaran con usted en aquella época?

Para hacer esas obras se necesitaba ayuda, había demanda, así que llevaba ayudantes conmigo. Marco Brinci fue mi ayudante histórico, al menos diez años en mi estudio. Era muy inventivo y trabajaba mucho. Inventó máquinas con aspiradoras para moldear gomaespuma, lo que aceleraba considerablemente el proceso de trabajo. Mi padre le llamaba Arquímedes. Brinci era licenciado en Derecho, pero siempre prefirió el trabajo autónomo y creativo, interesándose por los efectos especiales del cine, la mecánica robótica y materiales como resinas y fibras. Tenía un estudio con una puerta de acero que se abría como la de la nave espacial de Star Trek, hecha por él, por supuesto. Cuando terminó conmigo, hizo realidad su sueño de trabajar para el cine colaborando con el estudio Stivaletti de Roma. Seguimos siendo grandes amigos. Sin embargo, hay ayudantes externos que llevan décadas colaborando conmigo, como Gianni para el lacado y Roberto para el corte láser o mis vendedores de licra, somos un poco como una gran familia después de tantos años de colaboración.

Tras esta primera fase, ¿cómo ha evolucionado su trayectoria?

Después de años de utilizar esta técnica y de desarrollar muchos temas, en 2005, paso a las lacas con temas geométricos como Targets, Rinks, Run-Doms y Cages. Tuve mi primera retrospectiva en el Palazzo Della Penna de Perugia donde presenté mi trayectoria hasta ese momento, preparando al público para mi nuevo periodo abstracto-geométrico. Poco después presenté Cage en Carbone.to, Hubble en la Seno Gallery y Rinks &Targets en la Trolley Gallery de Londres, y fue aquí donde comenzó mi necesidad de explorar otros campos de expresión. Londres era un sueño e ir a la galería me dio la oportunidad de conocer a artistas importantes y visitar las galerías del East End que estaban muy de moda en aquella época. Los británicos me inspiraron mucho en mi cambio, esa mezcla de victorianismo y anarquía era irresistible. Poco después tuve una doble exposición individual en Milán, Spariamo bang diventare invisibili en la Galleria Seno y Studio Visconti y Tutti gli insetti vengono da un altro pianeta en La Habana en Cuba en la Galleria Villena donde mis convicciones de cambio empezaron a arraigar seriamente sobre todo después de visitar los estudios de artistas locales, donde vi obras increíbles hechas a coste cero con técnicas sublimes. Bravo por los cubanos, un pueblo culto y educado en las artes. Concluyo el ciclo abstracto-geoemétrico en esta maravillosa isla, última resistencia revolucionaria del planeta, para planear inmediatamente después una fuga de Italia y dirigirme a Berlín donde existe la mayor comunidad artística del mundo y es en esta fantástica ciudad, donde nadie me conoce, donde puedo volver a explorar nuevos caminos expresivos por fin en total libertad.

¿Cuándo llegaron las pinturas con letras?

El lettering acolchado empezó en Berlín con Speed y poco después hice Escape, que presenté en la exposición individual en el Grimmuseum We don’t need enemies. En realidad ya utilizaba lettering en los 90, todavía tengo un lettering ’Mierda’ del 94 que nunca presenté. Sin embargo empecé a hacerlas con más insistencia en 2014 con el primer Date Fire. En ese momento estaba viendo el trabajo de Christopher Woll y pensando en el poder comunicativo de los tapices de Boetti, así que buscaba frases que funcionaran tanto a nivel formal pero sobre todo que tuvieran un impacto comunicativo... no fue fácil.

¿Cuál es el origen de las frases o lemas que utiliza en estas obras?

Precisamente por eso empecé a colaborar con Davide Banda, que en mi opinión es uno de los poetas más interesantes que hay. Bella la folla, Il sole non ama Berlino, Quando vivo faccio finta di niente, Mario cammina come se fosse in spiaggia, Mai Ali, cualquiera con buen paladar literario entiende que estamos ante un nuevo fenómeno de poesía hermética contemporánea. Tengo la suerte de trabajar con él. También están mis frases Date fuego, Hostil al estilo, Lo que piensas de mí eres tú, pero él es mejor.

¿Me parece que en estas obras, comparadas con las iniciales, hay más radicalidad tanto en el contenido como en la elección de los colores?

Depende de la obra y del estado de ánimo. El impacto visual es ciertamente menos juvenil en comparación con las primeras obras realizadas más o menos con las mismas técnicas, pero a veces tienen la misma ironía y el mismo cinismo que entonces. Siempre me he debatido entre asustar o hacer reír. Sigo distinguiendo cuando hago arte trágico o irónico. En pintura soy definitivamente más trágico, pero en realidad me divierto mucho haciéndolo. Luego están las obras como las Calaveras, Fiori di Pino y las Pistolas que presento con Spazio Rivoluzione en Palermo, que son piezas de coleccionista que se remontan a mis primeras producciones.

¿Cree que la política y la poesía pueden ir de la mano?

Sin duda. La poesía es política cuando habla de la humanidad, pero también cuando expresa sentimientos sobre la naturaleza, por lo que se convierte en pensamiento político ecológico, cuando cuenta apasionadamente la vida de otro pueblo, eso se llama inclusividad, curiosidad y apertura a diferentes culturas, es política.

¿En qué otras direcciones se desarrolla su trabajo?

Básicamente, llevo muchos años realizando varios ciclos, algunos se terminan enseguida pero otros vuelven, como el dibujo, que siempre he practicado, pero también la pintura de gran formato, luego está todo el trabajo fotográfico, las letras pintadas, las esculturas de animales, la tapicería, el buceo, los vídeos, etc. He creado mucho hasta ahora, una gran suerte haber tenido la oportunidad de expresarme y espero seguir bastante tiempo, hay mucho que decir y hasta que se me acaben las ideas seguiré.

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