Giulio Paolini: "¿El destino del arte actual? Ser abstracto en relación con una realidad apremiante".

El 15 de septiembre, en los suntuosos espacios delHotel Westin Excelsior de Roma, se dieron a conocer los nombres de los ganadores del Praemium Imperiale, prestigioso galardón que figura entre los premios más importantes para artistas contemporáneos en cinco disciplinas artísticas: pintura, escultura, arquitectura, música y teatro/cine, al mismo tiempo que en otras cinco ciudades (París, Londres, Berlín, Tokio y Nueva York). El ganador recibirá 15 millones de yenes (unos 105.0000 euros) y una medalla, que le serán entregados en una ceremonia que se celebrará en Japón el próximo mes de octubre. A lo largo de su historia, el premio ha honrado a grandes personalidades: Willem De Kooning, Jasper Johns, David Hockney, Anselm Kiefer, Renzo Piano, Martin Scorsese y Riccardo Muti, por citar sólo algunos.

Los artistas son elegidos por un comité de personalidades ilustres, entre ellas Yasuhiro Nakasone, William Luers, François Pinault, Chris Patten y Klaus-Dieter Lehmann e Ilary Clinton. También completaba la junta Lamberto Dini, que en los mismos salones del Hotel Via Veneto no sólo anunció los ganadores de las distintas disciplinas, sino que también presentó al artista premiado en pintura, que este año es un pintor italiano. El último artista italiano en ganarlo fue Giuseppe Penone en 2014, premiado por escultura, mientras que el último pintor italiano en ganarlo fue el año anterior; de hecho, en 2013 el premio fue para Michelangelo Pistoletto, que fue solo el segundo italiano en ganarlo, después de Castellani.

A ellos se suma ahora Giulio Paolini, ganador del Praemium Imperiale 2022. El nombre del artista, según Dini, cuenta con el firme apoyo del comité italiano desde hace muchos años. Paolini, nacido en Génova en 1940, se decantó por elarte conceptual y desde muy joven participó en numerosas exposiciones del grupoArte Povera, movimiento impulsado por el crítico Germano Celant. Sin embargo, frente a ese puñado de artistas piamonteses, Paolini mantuvo una investigación propia y original que le distanció de las tendencias del Arte Povera. Paolini participó en algunas de las exposiciones más renombradas, con varias participaciones en la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, la Bienal de São Paulo, la Bienal de París, así como varias exposiciones colectivas e individuales en algunos de los museos más importantes del mundo. Una larga y prolífica actividad expositiva que confirma que Giulio Paolini figura con razón entre los maestros más influyentes del panorama italiano, y no sólo, y que ve en el Praemium Imperiale un reconocimiento más.

Durante la ceremonia de proclamación, Paolini, antes de responder a las preguntas de la prensa, tuvo un momento para recordar al director francés Jean-Luc Godard, fallecido hace unos días y que también ganó el premio en 2002, y que siempre ha sido una de sus referencias importantes, junto con Wim Wenders, recién nominado ganador del Premio en la categoría de cine. El artista, que recientemente clausuró la exposición Quando il presente en el Museo del Novecento de Florencia, desveló algunos de sus proyectos de futuro: “Estoy preparando una exposición, una muestra individual, que tendrá lugar en la Accademia di San Luca de Roma, y que me honra y me compromete intensamente”, dijo. “La exposición se centrará en la idea y la historia en torno al concepto de academia. Con todas las incertidumbres que la cuestión implica, me gustaría, a través de las obras, hacer una aportación a lo que es un término del pasado un tanto en desuso que debería redescubrirse y volver a practicarse”. Será por tanto la histórica institución fundada por Federico Zuccari en 1593 la que acojael próximo proyecto expositivo de Paolini, que pretende centrar sus reflexiones en la institución que durante siglos ha sido una etapa obligatoria en la formación de los artistas, sólo para ser fuertemente criticada y despojada de su poder por los artistas contemporáneos. “La elección de detenerme en la idea de la academia es consciente de ser un poco anacrónica, quizá fuera de lugar”, explica Paolini, “el arte de hoy se siente atraído por las nuevas técnicas de comunicación y se remite a ellas, y la academia es casi un dato arqueológico”. Pero no enterrado. Debe, como todo hallazgo arqueológico, ser reconocido y al menos rediscutido. En mi opinión, existe un potencial diferente del pasado, pero puede regenerarse en este terreno tan arduo y especializado como es el arte, así que ¿por qué no intentarlo?".

La elección de enfrentarse al academicismo, a las reglas y a los cánones es, según Paolini, un pasaje que suele caracterizar la carrera de muchos artistas. Ya Giorgio De Chirico pasó de una pintura desnuda y esencial, como la de sus cuadros metafísicos, a una pintura cuando menos, deliberadamente perfecta, goteante de oficio y conocimiento. “De una desnudez esencial se llega a una impaciente búsqueda de riqueza”. E incluso el propio Paolini advierte que sus obras de juventud, caracterizadas por una vocación esencial y concentrada, han desplazado, en la madurez, parte de ese rigor para “enriquecerse y, de alguna manera, complacerse”.

La academia, además, se inscribe en la investigación personal que ha ocupado a Paolini desde los albores de su producción. En efecto, el artista ha hecho de la reflexión sobre el alfabeto del arte su firma estilística personal. Investiga analíticamente numerosos de sus componentes, desde los elementos constitutivos del cuadro, pasando por las herramientas del proceso artístico, los mecanismos de fruición y exposición, hasta los espacios de representación, para luego poner en contacto continuamente esta estrecha confrontación con la gran historia del arte occidental.

Y precisamente sobre el papel del usuario del arte, Paolini expresó su opinión: “Quiero responder tomando la palabra del arte y no la del artista. El arte, si se me permite hablar en su nombre, no se ocupa del observador, el arte no observa, la observación es unidireccional, es el espectador quien la observa. En mi idea, el arte no tiene ninguna obligación, sigue su propio camino. El arte está más allá de esa puerta, no nos escucha ni se interesa por nosotros”. El artista continuó explicando su idea sobre la naturaleza del arte en sí: “Tiene su propio curso que es autónomo, lo creo firmemente. El arte se mira sobre todo a sí mismo y a su historia. Presume de un futuro que aún no existe, pero que sin embargo le concierne. Ciertamente, el lenguaje del arte está conectado con la vida y el mundo, pero siempre mantiene una memoria y una perspectiva propias, un tanto escépticas con respecto a las cosas que vivimos y vemos todos los días. La tentación del arte como lenguaje es penetrar en sí mismo, captar los aspectos más implícitos y no las manifestaciones más explícitas”.

Preguntado por la discusión en torno al mercado del arte, Paolini cree que es necesario un debate con varias voces, pero desde luego el mercado “no es un demonio como algunos parecen inclinados a definirlo. Ciertamente es un asunto muy susceptible de influencias y variaciones gratuitas”. El artista prefiere no ocuparse de él, ya que es extremadamente inestable, y no quiere posicionarse sobre él ni demonizándolo ni creyéndolo una verdad absoluta, ya que, como todo hoy en día, es susceptible de diversas variaciones, giros y complicaciones. En cambio, cuestiona la correspondencia entre las cotizaciones y el valor de un artista, valor este último que, en su opinión, no se puede evaluar: “El mercado nos domina, pero no sólo el mercado del arte”. Al final de la rueda de prensa tuvimos ocasión de debatir varias cuestiones con el artista, a quien agradecemos su disponibilidad y generosidad en sus respuestas.

JS. Acaba de ganar el prestigioso premio promovido por la Asociación Japonesa de Arte. En este sentido, ¿cree que su producción muestra cierta consonancia con las filosofías orientales, después de haber investigado a fondo la dimensión espiritual con sus obras a lo largo de su dilatada carrera, evocando espacios meditativos y silenciosos?

GP. Mi inclinación como autor siempre ha sido un poco alejarme de las cosas del mundo, dedicarme más bien a las de otro mundo; la imaginación, por ejemplo, que impregna el alma de todo artista. En este sentido, soy un poco el contrapeso del ganador del premio de escultura, Ai Weiwei, que se dedica a su vida personal.

Usted ganó el premio de pintura, aunque ha explorado ampliamente diferentes técnicas y medios, la pintura a lo largo de la historia del arte ha cubierto durante largos periodos el papel preeminente entre las artes, a menudo dictando a las demás que se apresuraban a seguirle. Pero, ¿cuál es la situación de la pintura en el arte contemporáneo actual? ¿Sigue teniendo un papel de supremacía o de subalternidad?

Tenemos que entender el término pintura. Si entendemos por pintura el uso del pincel y, por tanto, la plasmación de algo dibujado o pintado sobre la superficie, ciertamente en este sentido el término pintura está siendo cuestionado, y no sólo a partir de hoy. Porque ha cedido la iniciativa a diferentes técnicas, a actitudes a veces contradictorias. Si, por el contrario, entendemos la pintura en general como arte visual, que en este momento incluye también la escultura, la fotografía y el cine, porque las artes visuales han llegado a relacionarse en diferentes declinaciones, creo que estos diferentes modos convergen en una especie de destino y función comunes, que es ser particularmente abstracto con respecto a una realidad cada vez más apremiante y que parece expresarse más bien a través de la publicidad y los medios de comunicación. La pintura, por su parte, tiende a un distanciamiento que la acerca más a sus raíces lingüísticas que a las apariencias objetivas de la vida.

A lo largo de su producción se ha enfrentado a menudo a un diálogo interrumpido con la historia del arte, sin caer, no obstante, en el fácil citacionismo en el que a menudo se refugian hoy los artistas contemporáneos, casi como si quisieran exhibir un pedigrí, para legitimar sus acciones. ¿Cómo valora esta tendencia?

Cuando digo que el arte se regenera, no es gracias a la cita. La cita es una muestra de homenaje o de cultura especializada. No tiene por qué ser una cita abierta, tiene que ser algo implícito. Pero entonces resulta difícil hablar de ello, la memoria implícita es casi invisible, mientras que la cita está ahí, a la vista. Hay que absorber la memoria del arte, pero no siempre es detectable, de lo contrario es superficial y epidérmica, como agitar una bandera.

Usted ha investigado mucho el papel del artista, también desde un punto de vista social, ¿cómo ha cambiado esta figura a lo largo del tiempo?

El papel del artista es como el del arte: siempre se renueva, aunque cambie de apariencia. El artista es siempre la misma alma que se adapta naturalmente a la vida de su tiempo. Sin embargo, cada vez más en las épocas cercanas a nosotros y en el presente, hay una especie de identificación por parte del artista con los problemas de la sociedad. Todo esto está muy bien, pero es difícil expresarlo, y corre el riesgo de convertirse en un comentario pasivo de la realidad o en propaganda, un campo minado. Quizá haya que esperar un poco, la justa distancia histórica.

En cambio, ¿cómo valora el estado de salud del sistema artístico en Italia?

Creo que es aceptable. En el pasado mirábamos con admiración a los países del norte de Europa. Suiza, por ejemplo, se mencionaba a menudo como modelo a imitar. Hoy me parece que esta persecución de modelos de otros países ya no existe. Sin embargo, lo que está estropeando el estado de ánimo de quienes trabajan en las artes hoy en día es que a menudo asistimos a un declive gradual de los efectos tout court, fáciles. Cuando hay un artista o una obra que es noticia, hay que tomárselo con calma, ser noticia en mi opinión es algo adicional, pero no es la esencia de la obra.

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