Giampaolo Bertozzi (Bertozzi & Casoni): "Lo que el hombre deja atrás en el tiempo aparece en nuestro arte

El dúo artístico Bertozzi & Casoni, compuesto por Giampaolo Bertozzi (Borgo Tossignano, 1957) y Stefano Dal Monte Casoni (Lugo, 1961), es uno de los nombres más importantes de la cerámica contemporánea internacional. Una característica fundamental de su arte es su capacidad de vincularse a la tradición para abordar temas eternos del arte (como los del tiempo y la fugacidad de la vida) en formas muy contemporáneas. Con Giampaolo Bertozzi, partimos de su exposición más reciente, titulada Proprio Tempo (comisariada por Mauro Daniele Lucchesi y Alessandro Romanini, en el complejo Sant’Agostino de Pietrasanta hasta el 7 de febrero de 2021), para hablar de su arte también en relación con la actualidad reciente. La entrevista está comisariada por Federico Giannini.

Montaje de la exposición Tempo en Pietrasanta

FG. Empecemos por la exposición en Pietrasanta, que tiene un título muy apropiado para la situación que estamos viviendo, ya que se llamaTempo. Tiempo no es sólo lo que no ha tenido la exposición, dado que después de dos semanas el gobierno cerró todos los espacios culturales (y por tanto esperamos que se reabran lo antes posible para poder ir a ver la exposición), sino que es también la dimensión sobre la que los acontecimientos de los últimos meses nos han obligado a reflexionar. Pero más allá de las contingencias, ¿qué les ha impulsado a dedicar una exposición al tiempo?

GB. El lugar de la exposición, la iglesia de Sant’Agostino, influyó en esta elección. Nos acercó a ciertos temas que han estado presentes en nuestro trabajo artístico desde el principio, pero no sólo eso, también nos hizo pensar en el Eclesiastés con una serie de consideraciones sobre el “tiempo” que en cierta medida refuerzan los temas que hemos incluido en nuestras composiciones. Argumentos que solemos introducir en nuestros trabajos, referencias a la tradición del arte como el memento mori y la vanitas, que han sido una constante en nuestro trabajo artístico. Estar vinculados al paso del tiempo, a lo que el hombre deja tras su paso por la época en la que vive, conscientes de la intangibilidad del ’tiempo’, ha sido siempre un tema muy importante para nosotros. Una dimensión, el “tiempo”, a la que los humanos hemos dado una especie de orden, pero que, bien mirado, es un concepto inexpugnable, casi un dogma a la altura de la fe. La Iglesia se ha ocupado tanto de estas cuestiones, en todas las épocas, que parecía casi natural dedicar una exposición al “tiempo” y, lo que es más importante, en una iglesia que, aunque cerrada al culto, sigue estando en terreno consagrado.

De hecho, usted ha trabajado a menudo sobre el tema de lo efímero: incluso en Pietrasanta vemos varias de sus vanitas modernas, pero enraizadas en la historia del arte (y me gustaría volver sobre ello más adelante). El tema de la fugacidad de la vida ha animado a menudo tu obra: el de nuestra finitud es un tema que parece haber desaparecido de nuestro radar, dado que hoy vivimos como proyectados en un presente continuo y nos importa poco lo que ocurrirá mucho después de que nos hayamos ido. Y esto es un poco lo que parece transpirar en sus obras.

Sí, como artistas registramos este hecho, el triunfo de la exterioridad, del aquí y ahora, del cuerpo perfecto, de todo lo que parece imperecedero pero en realidad no lo es. Desde principios de los años 80, es decir, desde el comienzo de nuestra carrera, siempre hemos razonado en este sentido, en el sentido de la fugacidad. Quizá esta actitud se remonte a nuestra formación escolar, que tuvo lugar a finales de los setenta en Faenza, en el Instituto Estatal de Arte para la Cerámica, entonces una escuela de gran nivel educativo. Recuerdo que muchos estudiantes extranjeros (japoneses, americanos, alemanes) terminaban o perfeccionaban sus estudios en Faenza y se creaba un clima de intercambio cultural muy interesante y estimulante. La escuela tenía al lado el actual Museo Internazionale delle Ceramiche, uno de los más importantes del mundo sobre cerámica, donde podíamos estudiar tanto la historia de la cerámica como la historia del arte en el “campo”. Mi conocimiento del artista Bernard Palissy, nacido a principios del siglo XVI y autor de una pequeña revolución en la cerámica, se remonta a este periodo escolar. Empezó a hacer los primeros calcos de pequeños anfibios y reptiles, dando a sus composiciones un aspecto tan real que era casi una alquimia en aquellos años. Nuestro interés nace, pues, de mirar y revisar todo lo que es tradición en la historia de la cerámica, y las composiciones de Palissy conducían precisamente a reflexiones sobre la fugacidad y la finitud de la vida, temas retomados por la historia del Arte en el siglo siguiente con el memento mori y la vanitas.

Hemos mencionado a Bernard Palissy pero su obra está llena de referencias, en Pietrasanta por ejemplo hay calaveras con la nariz de Pinocho, sobre las que se posan loros, que hacen pensar en De Dominicis, y luego Andy Warhol, Arcimboldo, bodegones del siglo XVII... ¿cuál es su relación con la historia del arte?

Pensamos que todo lo que se puede renovar en el arte, es decir, la principal vía de renovación en el arte, pasa por el surco de la tradición, pero no sólo eso. Somos observadores, como todos los artistas, y al mirar a nuestro alrededor privilegiamos lo que nos rodea, sin ir demasiado lejos ni hacer vuelos pindáricos. Miramos a nuestro alrededor y en ese mirar también encontramos la historia del arte, que filtramos a través de nuestra sensibilidad. Hemos hecho un homenaje a Morandi, pero también hemos revisitado a otros artistas como Van Gogh o Gauguin, por ejemplo: nos gusta acercarnos a la gran tradición del arte, también porque hay todo un cuerpo de conocimientos al que dirigimos nuestra atención que nos parece, para nuestra forma de sentir, muy estimulante.

Bertozzi & Casoni, Pensieri (2019; cerámica policromada, 64 x 55 x 51 cm)

Bertozzi & Casoni, Per Morandi (2019; cerámica policromada, 36 x 20 x 18 cm)

Bertozzi & Casoni, Verano (2015; cerámica policromada, 74 x 65 x 40 cm)

Bertozzi & Casoni, Caja de brillos con loros (2016; cerámica policromada, 240 x 190 x 220 cm)

Bertozzi & Casoni, Nulla è come come appare, dettaglio (2018; cerámica policromada, bronce plateado, acero, 100 x 50 x 50 cm)

Luego está el tema de la relación entre el hombre y la naturaleza, que en tus obras suele ser una relación de todo menos armoniosa: digamos que entre el despilfarro, el derroche de comida y por tanto de recursos, los animales enjaulados, la naturaleza no sale bien parada, de hecho sale muy marcada. ¿Qué se quiere sacar a la luz?

Seamos muy claros, no es arte ecológico, aunque somos sensibles al problema. Miramos el vertedero con ojos de artista: la lata de atún abandonada es un objeto admirable, de una gran calidad artística, de una gran sensibilidad de colores, de variaciones de tonos, desde el óxido hasta la decoloración de la etiqueta, y así lo tomamos como ejemplo plástico y pictórico. Nos gusta hacer nuestras composiciones teniendo esto en cuenta, pensando en dar una segunda vida a este mundo que ha cumplido su primera función, ordenar los objetos en una composición. En nuestra obra nunca aparece el hombre, sino lo que el hombre deja tras de sí, sus huellas. Yo mismo me rodeo de objetos ordinarios que, sin embargo, tienen su propio encanto de construcción, de forma, de color. Ya Duchamp, en 1912, cuando visitó el Salón Aeronáutico de París y vio la gran hélice, quedó impresionado por este objeto, producto del hombre, no por su valor artístico, sino por la técnica que había permitido al hombre fabricarlo. De hecho, la suya era, en esencia, una observación de lo que hace el hombre. Recuerdo haber escuchado a Restany hace muchos años: hablaba de la rueda de bicicleta, decía que el signo de la rueda es un signo intemporal (un círculo) y que Duchamp lo eligió no para hablar de quién sabe qué, sino porque es una forma que permanecerá eterna y siempre contemporánea.

Y esta atención a la calidad estética y conceptual incluso de los objetos más simples explica también su interés por las Brillo Boxes de Andy Warhol. Y usted, al igual que Andy Warhol hizo con las Brillo Boxes, no ins ertaobjet trouvé en sus obras, sino que reconstruye objetos. Este es especialmente el caso de las acumulaciones con objetos individuales descritos con minucioso detalle, que siempre despiertan una gran curiosidad en el espectador: ¿cuál es el proceso que lleva a la creación de una de sus obras?

Es un proceso muy largo, que combina arte y técnica, cosas que para nosotros están muy unidas: “técnica” para nosotros significa reunir las herramientas para dar forma a las ideas. El proceso comienza con el objeto encontrado, después lo reconstruimos totalmente en el estudio y hacemos un modelo, luego un molde, a menudo son moldes de silicona hechos para que nos den el objeto perfectamente idéntico, o ligeramente cambiado pero para que no sea demasiado diferente. Cada pequeño objeto que se coloca en estas acumulaciones nace de un proceso de modelado y moldeado (que puede ser manual o por colada o una mezcla de las dos técnicas), después pasamos a la cocción (también de diferentes tipos, porque no todos los objetos se cuecen a la misma temperatura y sobre todo hay que diferenciar los colores en las cocciones): algunas técnicas son de derivación industrial, también porque todo lo que hay en el mercado está pensado para grandes producciones. Nuestro trabajo ha pasado por dos fases, la primera estuvo ligada a la mayólica tradicional, en la segunda fase sentimos la necesidad de enfriar nuestro trabajo llevándolo a ser más objetivo.

Bertozzi & Casoni, Bandeja (2009; cerámica policromada, 19 x 37,5 x 60 cm)

Bertozzi & Casoni, Intervallo Oggi (2008; cerámica policromada, 70 x 77 x 50 cm)

Bertozzi & Casoni, Regeneración (2012; cerámica policromada, 160 x 213 x 190 cm)

Volviendo a la exposición, la idea del proyecto es transmitir al espectador la percepción de que el arte puede, de alguna manera, redimirnos. Al final de la visita, leo en el texto del comisario, “el espectador sale con la percepción de que, a pesar de los tiempos difíciles en los que vivimos, el arte y la belleza volverán a salvarnos o, al menos, a redimir nuestra dimensión efímera”. ¿Qué significa esto para usted?

El arte nunca da respuestas, siempre hace preguntas, nos hace reflexionar sobre temas que siempre han sido temas de la humanidad. Puede ayudar que el arte sea una de esas cosas de las que, si no está, carece el ser humano. Entonces decimos que la belleza nos salvará, pero en realidad es algo más, que ni siquiera sabría definir: sé, por ejemplo, de amigos que han trabajado en zonas de guerra, que me han dicho que lo que más faltaba en esos contextos era arte, aunque ellos no fueran artistas. El arte es algo que trasciende nuestra vida cotidiana común, y a veces puede ser un refugio, un oasis de refresco de lo cotidiano. En mi opinión, el arte (un libro, una película, un documental, un cuadro, una escultura) es un oasis de paz, un espacio de libertad en el que el hombre se encuentra bien, no sé por qué, quizá los filósofos puedan explicarlo mejor que yo: sé que estoy bien y me refresco si veo una película, si leo un poema o un libro. Creo que esa es la cuestión.

Una última pregunta: el suyo es un lenguaje muy original, innovador y actual. ¿Cómo ha afectado la pandemia a su trabajo? ¿Y cree que surgirán nuevas realidades, nuevas tendencias?

En nuestro trabajo, como en el de todos, todo repercute, porque todas las experiencias de la Tierra que llegan a la humanidad, de alguna manera nos marcan, se introyectan. Tal vez los resultados no sean visibles de inmediato y estén a la vuelta de la esquina, pero creo que todo lo que llega de alguna manera nos ayuda y nos da insumos para hacer algo nuevo. E incluso estos últimos acontecimientos influirán en el arte, en los artistas y en su producto, como ha ocurrido con todo: pienso en las grandes masas que se mueven por el planeta, muchos artistas han trabajado y trabajan sobre estos temas, y seguirán haciéndolo. Hay artistas que registran más lo contemporáneo, y artistas que lo registran de una manera más particular, no hablando directamente de ese problema, pero sin embargo abordándolo. Porque también es cierto que a menudo nada es lo que parece. A veces ves una obra que, más allá de las apariencias, lleva en sí misma lo que hay y lo que está por venir.

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.