Es esencial que los artistas dialoguen con el territorio de forma seria y sincera

Tras el éxito de la primera edición, así como la excelente acogida de crítica y público, vuelve la Residencia de Artistas Lido La Fortuna, promovida por la Asociación Cultural Lido Contemporáneo en colaboración con el Ayuntamiento de Fano - Departamento de Cultura y Patrimonio Cultural y Fabbrica Urbana, y comisariada por Luca Zuccala y Caterina Angelucci. El proyecto, de tres años de duración, tiene como objetivo promover y apoyar el trabajo de artistas menores de 35 años invitados a confrontarse con las peculiaridades artísticas, culturales y paisajísticas de la región de Las Marcas. Los artistas seleccionados para la edición de 2022 son Nicolò Cecchella, Andrea Martinucci, Davide Serpetti y Caterina Erica Shanta. Les acompañarán dos figuras internacionales que, de manera diametralmente opuesta, tienen un vínculo con la ciudad de Fano: Danny Avidan, como lugar de elección, y Silvia Mariotti, como lugar de nacimiento. A ellos se unirá una tríada excepcional: Jingge Dong, Oscar Contreras Rojas y Sophie Westerlind, los tres pintores protagonistas de la edición de 2021 que han mantenido y cultivado un vínculo afectivo y laboral con el territorio. ¿Cómo se seleccionó a los artistas? ¿Cómo trabajarán? Y sobre todo, ¿cómo dialogará el arte contemporáneo con el territorio? Hemos planteado a Caterina Angelucci y Luca Zuccala algunas preguntas sobre el proyecto. La entrevista es de Ilaria Baratta.

La residencia artística LIDO LA FORTUNA de Fano está expresamente destinada a apoyar a jóvenes artistas menores de 35 años. Apoyarles y darles la oportunidad de expresar su creatividad y su lenguaje artístico es cada vez más importante para darles un espacio en la escena italiana contemporánea. ¿Qué oportunidades ofrece su Residencia de Artistas y cómo pretende ayudar a los artistas a promocionar su trabajo en el proyecto de tres años? ¿Qué ofrece el proyecto en resumen?

Caterina Angelucci. La exposición nació con una necesidad que sigue una doble vía: por un lado, la necesidad de introducir en una realidad provincial con una “baja concentración contemporánea” la investigación de jóvenes artistas (con experiencias ya meritorias y reconocidas a sus espaldas) que provienen de los circuitos centrales del sistema, y por otro, la necesidad de ofrecer a los artistas invitados la oportunidad -a través de la confrontación, el intercambio reflexión e inmersión en el territorio de acogida (rico y palpitante de ilustres memorias culturales y populares) - de trabajar (mediante un apoyo que abarca desde la manutención y el alojamiento hasta la producción y la restitución final) en un lugar desconocido, cuestionando las estructuras básicas de su investigación. La dislocación del estudio y un ritmo dilatado de vida cotidiana, combinados con estímulos de naturaleza diferente, permiten atravesar dimensiones hasta entonces no consideradas y en cierto sentido “únicas”, gracias a una conjunción espacio-temporal e inspiradora. Lido La Fortuna pretende tender un puente, un canal de comunicación activo y reflexivo, entre los grandes centros metropolitanos y la realidad de un lugar provinciano como la ciudad de Fano, que se muestra abierta y receptiva, exquisitamente entusiasta a la hora de abrirse a la mirada “extranjera” y de contar su historia implicándose. El nombre, Lido Contemporaneo, explicita el doble valor de este proyecto de residencia: “lido” entendido ante todo como frontera entre tierra y mar, espacio de llegada y partida, donde se asientan los materiales traídos por el agua, que a su vez proceden de otras orillas. Un intercambio mutuo entre culturas, identidades y prácticas diferentes. De ahí la idea de contaminación, diálogo, encuentro. Y sobre la misma naturaleza híbrida se construyen las tres exposiciones de restitución: en Fano, en Fabbrica Urbana, del 19 de agosto al 8 de septiembre; en Pergola, en Casa Sponge, del 11 al 30 de septiembre; en Milán, en la sucursal italiana de la casa de subastas Artcurial (Corso Venezia, 22), del 6 al 18 de octubre. Tres momentos expositivos diferentes que acercan los resultados del periodo de residencia a un público y coleccionistas diversos.

¿Puede hacer una breve presentación de los artistas elegidos? ¿De qué ciudades proceden?

Caterina Angelucci: Este año han sido invitados Andrea Martinucci (Roma, 1991), que vive y trabaja entre Roma y Milán, y Davide Serpetti (L’Aquila, 1990), que se reparte entre Italia y Estados Unidos, que trabajan principalmente con el medio de la pintura; mientras que para la fotografía -aunque sea reductivo identificarlos sólo por este medio, de hecho podemos hablar de metafotografía o postfotografía, pero también de vídeo y escultura- Nicolò Cecchella (Reggio Emilia, 1985) que vive y trabaja entre Reggio Emilia, Módena y Roma y Caterina Erica Shanta (Alemania, 1986) que vive y trabaja entre Turín y Pordenone. Las cuatro, como se ha dicho, con experiencias reconocidas tanto a nivel nacional como internacional, figuran actualmente entre los nombres más importantes de la escena contemporánea italiana.

¿Cómo entrarán en contacto con las peculiaridades artísticas, culturales y paisajísticas de la región de Las Marcas? ¿Se enfrentarán también a la comunidad artística local?

Caterina Angelucci: De la cultura campesina del interior a la del mundo marinero, de las memorias histórico-artísticas a las tradiciones populares, se construyó un itinerario ad hoc para sugerir y acompañar el trabajo de los cuatro artistas residentes, ofreciendo elementos de reflexión y temas para explorar, materiales para trabajar y otros para descartar (también es interesante ver lo que no es elegido por un artista y, en cambio, es aceptado por otro). En particular, este año, a pesar de la organización de citas y actividades -como el paseo en barco con los pescadores, la visita a la ciudad con el arqueólogo, el encuentro con profesores universitarios de historia del arte y literatura italiana, así como de biología marina-, el programa se replanteaba cada día, se modificaba, se adaptaba a las distintas necesidades y exigencias. Si desde un punto de vista organizativo, este tipo de conducción requiere una flexibilidad extrema, desde un punto de vista curatorial y, añadiría, humano (porque la oportunidad que ofrece una residencia nunca es unidireccional) permite, a través del diálogo y la confrontación entre organizadores y artistas, la posibilidad de crear una situación cada vez más acogedora y “única” orientada a la producción. Así, no limitarse a la mera realización de un papel deja espacio a lo que entendemos por contaminación, no sólo entre prácticas, culturas e identidades, sino también entre las dimensiones laboral y humana, experiencial e inspiracional que se mezclan, confunden y funden con la contingencia de vivir. Cito a Angela Vettese que, en el prefacio de una experiencia de residencia entre la Fondazione Bevilacqua La Masa y la Fondazione Spinola Banna (2010 - 2012), compara estos momentos de convivencia con un acuario: momentos que sólo se pueden disfrutar durante breves periodos, en los que uno se aleja del mundo de la competición o de la supervivencia externa y que ofrecen una “posibilidad de ligereza, una condición para el pensamiento pesado”. La comunidad artística local también está implicada, por supuesto, pero no sólo. También pretendemos trabajar en red con otros festivales de la zona como, por ejemplo, Centrale Fotografia (Fano) y Traffic Festival (San Lorenzo in Campo - Pergola), y otras realidades culturales, principalmente Casa Sponge. A ello se une la elección de invitar para la exposición final a dos artistas que han hecho de Fano tanto su punto de partida como su punto de llegada: Silvia Mariotti (Fano, 1980), una de las más importantes representantes de la fotografía italiana contemporánea, y Danny Avidan (Tel Aviv, 1989), que eligió trasladar su estudio de Berlín a la provincia de Pesaro y Urbino.

Usted ha elegido artistas que utilizan la pintura y la fotografía, dos medios tradicionales. ¿A qué se debe esta elección? ¿Son los dos lenguajes que mejor pueden relacionarse con el territorio de Las Marcas?

Luca Zuccala: Exactamente. Fue una elección muy precisa. Queríamos trabajar en dos niveles diferentes: el más sencillo e inmediato de la pintura, para captar y narrar de la forma más directa las peculiaridades, temperaturas y matices del lugar en cuestión, mediadas y filtradas por el ojo culto y sensible de los artistas; y el más expandido y procesual de la fotografía, o mejor dicho de la postfotografía, contemporánea; tanto para dar testimonio de una de las investigaciones más actuales e interesantes en términos de lenguaje para leer y descifrar la contemporaneidad a través de su congénito ser espurio, híbrido, contaminado; y también para “entrar” en un territorio virgen, desde el punto de vista de la investigación contemporánea, como es el de las Altas Marcas, razonando y relatando -ante todo a la comunidad- la fuerza y el poder penetrantes a la hora de tejer nuevas e insólitas tramas y correspondencias del medio, relacionadas con el tejido sociocultural y natural-paisajístico, trabajando sobre la antropología de los lugares, las narraciones antiguas, los mitos, etc. Explicar cómo esta nueva generación de artistas (nacidos entre los años ochenta y principios de los noventa) puede, a través del medio expandido y conceptual de la fotografía actual, releer, reinterpretar y transfigurar la naturaleza, la cultura, la comunidad, la historia de un lugar, trazando nuevos caminos, encendiendo energías largo tiempo dormidas, traduciendo todo en nuevas y densas perspectivas, conectándolo todo a través del lenguaje universal del arte. El mismo discurso “en capas” para la llamada Restitución, la exposición posterior a la residencia. Concebimos la exposición en varios lugares trabajando en varios niveles. Todas (las comunidades) y todos (los niveles) de calidad excepcional, todos con un sustrato, una dimensión y una realidad connotativa diferentes. Por tanto, un reto diferente para cada lugar de exposición elegido.

El retorno, lo local, lo periférico, el territorio, la idea de comunidad: estos son los temas que tendrán que tratar los artistas. Así pues, usted ha optado por centrarse en la relación entre el artista y su entorno. ¿Qué importancia cree que tiene esta relación para un artista? ¿Hasta qué punto necesita un artista sentirse incluido dentro de un territorio, aunque sea diferente de su territorio de origen, y dentro de una comunidad?

Luca Zuccala: Una realidad estratificada y saturada de historia como la de Fano y las Altas Marcas sólo podría necesariamente ser captada a través del ojo de la pintura y la imagen fotográfica de artistas con un currículum maduro y con años de estudio e investigación a nivel internacional a sus espaldas, precisamente como lugares vividos y hechos propios para ser “traídos” y transportados a la Residencia. Creemos que esta mirada “extranjera”, “otra”, rica en bagaje experiencial y cultural recogido por todo el mundo que puede ser mediada en un proyecto de Residencia como el nuestro, es fundamental. Un diálogo serio, sincero y profundo entre artista y entorno, y por ende con artista y comunidad, es absolutamente fundamental. Sin una dialéctica respetuosa y osmótica entre ambos, no puede haber una Residencia eficaz y constructiva, que pueda dejar una masa crítica para los habitantes y todo el territorio. Por tanto, el artista debe necesariamente sentirse como en casa, un factor que tanto nosotros, comisarios organizadores, como ellos mismos debemos cultivar y sensibilizar a través de un conocimiento lento, respetuoso y profundo de todas las partes implicadas, empezando por los que siempre han vivido en el lugar. Una de las respuestas más hermosas que hemos tenido tanto en la primera edición como en esta es el vínculo tan fuerte que se ha creado entre los artistas y la comunidad. Esto ha supuesto, por ejemplo, que los tres pintores del año pasado (Jingge Dong, Oscar Contreras Rojas y Sophie Westerlind) hayan vuelto a trabajar o a celebrar mesas redondas en Fano incluso después del proyecto de la Residencia. El concepto de Retorno, además del nivel de volver a trabajar sobre el infinito potencial de lo Local y su fructífero diálogo con el Centro, también se reveló en el sentido de un retorno físico y mental de los artistas, ya que la tierra dejó algo seriamente auténtico, tocando algunas cuerdas profundas. Una condición sine qua non para el nacimiento y crecimiento del proyecto fue precisamente la puesta en común con la administración local para un hacer osmótico de crecimiento a largo plazo. No se trata de algo puntual, sino de un trabajo minucioso y dialéctico con la comunidad, las identidades locales y la cultura para una perspectiva participativa inclusiva común.

Para terminar, ¿cómo ve la situación actual de los jóvenes artistas? En su opinión, ¿están suficientemente apoyados en Italia? ¿Qué propondría para apoyarles más?

Luca Zuccala: Dramática y desesperada. No hay solución. Es un problema tanto de la forma mentis de los propios artistas, que son más artesanos y están anclados en una visión limitada y local de la resolución de problemas y de la visión, como de un país al que le importa un bledo el arte contemporáneo. Fuera de las fronteras nacionales, no existimos. Por ahora, no hay vía de escape, salvo la que deben tomar los propios artistas para escapar más allá de los Alpes y construirse una carrera y un camino propios sin esperar al vacío italiano.

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