Entrevista con Peter Campus: "Hago videoarte, pero me siento parte de la tradición pictórica

Hasta el6 de diciembre de 2023, Peter Campus (Nueva York, 1937), uno de los padres del videoarte y uno de los exponentes más significativos de esta forma expresiva de todos los tiempos, es el protagonista de la exposición individual Myoptiks que se celebra en la Galería Carlocinque de Milán (toda la información aquí). Su trabajo ha tenido un fuerte impacto en artistas de generaciones posteriores que trabajan con vídeo, y sus obras se encuentran en varios museos importantes, del MoMA de Nueva York al Guggenheim, de la Tate Modern de Londres al Reina Sofía de Madrid, del Centre Pompidou al Whitney Museum. En la exposición Myoptiks expone algunas de sus obras recientes, caracterizadas por una impronta pictórica muy marcada. Nos reunimos con él en Milán para una entrevista realizada por Federico Giannini.

FG. En la Galería Carlocinque presenta algunas de sus obras más recientes. ¿Puede hablarnos de ellas?

PC. No me gusta mucho hablar de mi trabajo porque creo que la obra en sí tiene que ser su propia explicación, y porque creo que la gente puede llegar hasta donde pueda: si mira profundamente tendrá pensamientos profundos, si mira superficialmente lo verá superficialmente. Sé que hoy en día en los museos es típico tener una enorme cantidad de texto sobre la obra antes incluso de ir a ver la exposición, así que hay una tendencia a querer saber, desde cierto punto de vista, antes incluso de ver las obras. Por eso también intento no hablar mucho de mi trabajo y simplemente confío en que la gente saque sus propias conclusiones. Sé por experiencia, cuando trabajaba en el Metropolitan Museum, que la gente primero se acerca al pie de foto y luego intenta averiguar de qué trata la obra. Creo que la confusión es algo bueno. Y creo que no saber es bueno, al igual que creo que intentar averiguar de qué trata la obra es bueno.

Pero podemos estar bastante seguros de una cosa: en estas obras suyas se ve mucha naturaleza, se ve mucho paisaje. Al fin y al cabo, en varias etapas de su carrera, su relación con la naturaleza y el paisaje ha sido fundamental para usted. ¿De qué manera es la naturaleza una fuente de inspiración para usted?

Para mí todo es como una pequeña historia. He trabajado con personas durante mucho tiempo haciendo retratos (y también autorretratos) y observando la psique humana... y al final me cansé de todo eso. Así que empecé a mirar hacia fuera en lugar de hacia dentro. Y eso me llevó a la naturaleza, me sentí en la naturaleza. Me sentí perfectamente en casa. Me cuesta incluso explicarlo, pero me sentía realmente feliz una vez que me adentraba en el paisaje. A menudo, al principio, caminaba por las montañas simplemente porque estaba allí y era importante para mí estar allí. Y ahora, siempre que trabajo, quiero ir a un lugar donde me sienta a gusto. Todas estas imágenes son como primeros planos, porque tengo que sentir todo el entorno que me rodea para sentirme cómodo, por eso hay tanta naturaleza, por eso siempre tengo que estar rodeado de naturaleza.

Se trata de una obra muy diferente de la que constituyó el inicio de su carrera, que comenzó con obras tan famosas como Dynamic Field Series(1971), Double Vision (1971) y Three Transitions (1973) en las que usted exploraba temas como la percepción de la propia imagen, la identidad corporal, lo real y lo virtual, anticipando muchas cuestiones de las que aún se habla hoy en día. ¿Qué piensa hoy de esas obras, que ahora tienen medio siglo, viéndolas cincuenta años después?

Tengo que vivir en mi presencia. Sé que han pasado cincuenta años desde Tres Transiciones y para mí es simplemente una obra de hace cincuenta años. Sigo vivo y sigo trabajando: Bob Dylan dice que es un artista y que no mira atrás. Siento que lo mismo es cierto para mí. Así que tengo que estar aquí en el presente, ahora, y mirar hacia delante. No puedo mirar hacia atrás. Sé que otros artistas lo hacen, pero yo no: no me gusta mirar atrás.

Usted es universalmente conocido como uno de los pioneros del videoarte. En una entrevista que concedió hace unos años para la revista de la Academia Nacional de Diseño, afirmó que aunque el videoarte tiene más de cincuenta años, sigue siendo “demasiado nuevo”. ¿Por qué cree que al público le sigue costando entender el videoarte?

Una pregunta difícil. Quizá porque ver videoarte todavía tiene que convertirse en un hábito para la gente, tiene que convertirse en algo corriente. El público debería ser capaz de distinguir entre lo que sale en la televisión, lo que ve en su teléfono, lo que está en su iPad, y lo que es arte. Aunque el arte utilice exactamente las mismas herramientas. Y debería ser capaz de distinguir entre el vídeo que se utiliza como forma de arte y el vídeo que no se utiliza como forma de arte. Para mí es importante sentir que la gente entiende esta distinción. En fotografía, por ejemplo, creo que ahora las cosas van mucho más deprisa, pero pasaron al menos cincuenta años antes de que se descubriera el potencial del medio. Y creo que esto tiene que ocurrir con el vídeo, sólo hay que entender las herramientas básicas que presenta.

A menudo, en las exposiciones, incluso en las importantes, no es raro ver vídeos con un sesgo casi documental o cinematográfico presentados como obras de videoarte. De hecho, el panorama actual es muy variado, ya que el lenguaje de las imágenes en movimiento es ahora el dominante. En su opinión, ¿cómo se reconoce una buena obra de videoarte?

Creo que soy la persona equivocada para hacer esta pregunta porque tengo un punto de vista muy específico y mi punto de vista es que considero lo que estoy haciendo desde el punto de vista de lo que estoy haciendo, y lo que estoy haciendo es muy específico y siento que está extremadamente influenciado por la fotografía y la quietud de la cámara. Así que es difícil de decir. He trabajado en documentales, así que sé que mi trabajo no es documental. He trabajado en cine, así que sé que mi trabajo no es cine. Definitivamente hay una distinción entre una forma de arte y otra. Podríamos decir que en el videoarte el artista trabaja solo, pero sé, por ejemplo, que Bill Viola no trabaja solo. Sé que las hermanas Wilson no trabajan solas. Sé que muchos otros artistas ya no trabajan solos. Así que ese ni siquiera es el criterio. Quizá más sencillo, el criterio es que si la gente dice que es un vídeo entonces es arte, si dicen que es un documental entonces es un documental. Y en algunos casos es difícil ver la distinción entre ambos. En mi caso, sin embargo, no es así, en el sentido de que no hay confusión entre lo que hago en un documental o en una fotografía o en una película...

Algunas de tus obras más recientes, creadas entre los años 90 y 2000, hasta las obras que expones aquí en la exposición Myoptiks, han utilizado técnicas especiales como la pixelación y la multicapa, que han llevado a muchos críticos a asemejar tu obra a la de un pintor (y yo también lo creo así). En su opinión, ¿qué tiene en común un videoartista con los artistas que, en cambio, trabajan con técnicas tradicionales como la pintura, por ejemplo?

Cuando hablamos de escultura, no nos referimos sólo a alguien como Miguel Ángel que se sienta y talla la piedra. No podemos decir, por ejemplo, que la obra de alguien que coge una masa de acero fundido y la coloca en el suelo y dice que eso es una escultura no es escultura. Así que últimamente yo también me pregunto si no soy pintor. Al fin y al cabo, trabajo con el color. Trabajo con la luz. Trabajo... Quiero decir, siento que formo parte de la tradición pictórica, pero sé muy bien que no quiero trabajar con pintura. Crecí con la televisión, crecí con el vídeo, crecí trabajando con este medio y estoy muy comprometido con el vídeo como medio, pero también me considero en la tradición de la pintura, como tú dices. Pero creo que la pregunta también es por qué no soy pintor si creo en la tradición de la pintura. En primer lugar, me gusta la dimensión temporal de mi obra. Me gusta que se mueva. Que respire. En Étant donnés de Duchamp, por ejemplo, hay elementos que contienen movimiento, obviamente hay una escultura que se mueve, pero el movimiento en el tiempo, es decir, la dimensión del tiempo más que la dimensión del espacio, me parece más una extensión de la pintura. Así que siento, en muchos sentidos, que simplemente estoy progresando en la pintura, y me refiero a ahora, no a hace cincuenta años. Mi trabajo siempre ha tenido una fuerte cualidad pictórica: empecé a pintar a los 13 años y lo hice hasta los 23. Ir a museos también ha sido una parte importante de mi vida. Ir a museos también ha influido mucho en mi trabajo (ahora lo hago menos porque vivo fuera de Nueva York, pero sigue siendo muy importante para mí). Probablemente me interesa más la pintura que cualquier otra forma de arte histórico. Y me veo simplemente como un continuador de la tradición de la pintura.

Ha mencionado a Duchamp, ha dicho que visitar museos era crucial para su trabajo y que le interesa la pintura antigua. ¿Qué artistas le han inspirado?

Yo diría que... casi todos. Quizá Corot, quizá otros, no estoy seguro. Me apasiona toda la pintura. Cuando veía cuadros de la Edad Media o del siglo XIV, me impresionaba esa idea de línea, de color, de profundidad... Pienso por ejemplo en Asís, en la Basílica de San Francisco, en ciertos cuadros que vi en Umbría... es algo sencillamente extraordinario... los elementos espirituales de estas obras siempre han tenido un significado profundo para mí. Luego, en Florencia, está el convento de San Marcos, con las obras de Fra Angelico, una cantidad enorme de Fra Angelico, hay un Fra Angelico en cada celda de los monjes... y cuando lo visité pensé "Dios mío, ¿es posible imaginar vivir con un Fra Angelico en tu celda? Con tu cama y tu mesa y tu Fra Angelico. Quiero decir, hay tanto que mirar en este mundo que... sólo tienes que mirar. De todos modos, toda la pintura me interesa. Quizá más la pintura antigua y espiritual que la contemporánea, aunque luego está Mark Rothko, cuyas obras me parecen muy espirituales. En fin, podríamos seguir respondiendo a esta pregunta... ¡durante una o dos horas más!

Hoy en día, estamos inmersos en una realidad en la que todo el mundo se expresa con vídeos. No sólo estamos inundados de imágenes en movimiento todos los días a través de la televisión, Internet y las redes sociales, sino que, gracias a la evolución de la tecnología, nosotros mismos nos hemos convertido en productores: crear un vídeo, editarlo, añadirle efectos y música, gracias a los nuevos programas en ordenadores y smartphones, se ha vuelto muy fácil y estamos aún más inundados de vídeos. En su opinión, ¿cuáles son las ventajas y, a la inversa, los riesgos de esta situación?

Mientras tanto, el arte es arte: cuando empecé a hacer arte y el público empezó a decir “videoarte”, yo solía responder “no, videoarte no... ¡arte!”. Pero perdí, y se convirtió en “videoarte”. De todos modos, incluso en la pequeña ciudad donde vivo, todos los que pintan muestran sus pequeños cuadros aquí y allá, en todas partes, pero ¿qué importa? ¿Acaso otros pintores hacen que El Greco sea inferior a sí mismo? Ningún artista hace a otro artista diferente de sí mismo. Quiero decir que una cosa es arte y otra cosa no es arte, es entretenimiento. Así que en mi opinión esto no es ni un peligro ni una interferencia, salvo por el hecho de que si te interesa el arte puedes mirar y ver qué es el arte, y si no te interesa el arte puedes mirar todo lo demás. No conozco los nombres de las redes sociales, pero no las veo como un peligro, en absoluto, aunque puedo estar equivocado, también reconozco la postura de los que dicen que son un peligro. Si hay un peligro, en todo caso, para mí es más en términos de educación, que tiene que ver con entender la dimensión del arte, entender la intención de los artistas. Cuando miramos la catedral de Chartres vemos todas estas obras esculpidas por desconocidos, pero siguen siendo arte. Creo que tenemos que juzgar el arte por la obra de arte y no por el nombre de la persona que la hizo. Pienso lo siguiente. Desde mi punto de vista, la cuestión es entender qué es el arte, no entender cuál es el medio.

Por último, ya que estamos en Milán, ya que hemos hablado de Beato Angelico... me gustaría concluir preguntándole cuál es su relación con Italia.

Es muy buena. Probablemente soy más feliz aquí que en otros lugares. Digamos que en Italia hay un sentido del arte mejor que en otros sitios, un sentido de la ropa, un sentido de la arquitectura, un sentido del paisaje... todo mejor que en otros sitios. Hoy he pasado por delante de un campo de girasoles y he sentido que... esto es obra de Dios. Aquí estoy en presencia del arte. Es un campo de girasoles. Pensemos por ejemplo en la arquitectura, en Italia cuando se construye hay indicaciones precisas en función del lugar, en mi opinión es un pensamiento extraordinario. Incluso en Grecia todo es bello y excepcional, sí, pero no es para mí (¡así que espero que esta entrevista no llegue a Grecia!). Me siento a gusto con la cultura y la sensibilidad italianas, estoy realmente a gusto aquí. Incluso más que donde vivo, en una pequeña ciudad a unos cien kilómetros de Nueva York, y cuando estoy allí echo de menos los cafés italianos, añoro la idea de sentarme en algún sitio y tomar un par de bombones... aquí en Italia la vida es realmente extraordinaria.

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