¿El arte de hoy? Demasiado comercial: los verdaderos talentos miran al futuro. Roberto Casamonti habla

El marchante de arte Roberto Casamonti ha dedicado casi toda su vida al descubrimiento y estímulo de artistas visionarios y su galería Tornabuoni, fundada en 1981 en Florencia, se ha convertido en una parada imprescindible para los amantes del arte, exponiendo obras de maestros del siglo XX y de la posguerra. Un hombre, Casamonti, con una profunda sensibilidad y una pasión inagotable por el arte, cuya dedicación a su trabajo ha demostrado ser infatigable, desafiando altibajos, pero permaneciendo como un testimonio firme y vívido de cómo la perseverancia y el amor por lo que uno hace pueden ser una fuente de gratificación a lo largo del tiempo. Hablando de arte contemporáneo, el marchante revela su agudo ojo para la innovación y la necesidad de que los artistas abracen lo nuevo, creando obras que representen un auténtico paso adelante en el panorama artístico. Su búsqueda de obras de rara calidad y belleza le ha llevado a mantener los ojos abiertos a ideas diferentes y únicas, similares a las que llevaron a grandes maestros como Fontana y Burri a revolucionar el mundo del arte.

FG. La galería Tornabuoni lleva en activo desde 1981 y ha emergido en el mundo del arte consiguiendo hacer historia al exponer obras de grandes maestros del siglo XX y la posguerra. Partiendo de Florencia, pasando por París y Londres, ha llegado a Roma. Es un logro del que sentirse muy orgulloso.

RC. Estoy convencido de que la dedicación al trabajo, a largo plazo y a pesar de sus altibajos, siempre da sus frutos. He trabajado desde 1981 hasta hoy sin rendirme nunca y sólo ahora me doy cuenta de lo rápido que pasa el tiempo y de cómo uno se hace mayor sin darse cuenta. Me hago mayor, sí [risas], pero siempre con una pasión y un amor inimaginables por lo que hago. Lo que siempre me ha defendido y ayudado en la vida es también mi experiencia en el arte a partir del siglo XX, pero sobre todo la alegría que me invade cuando descubro un cuadro precioso. Cuando ocurre, me siento en la luna, precisamente porque me resulta extremadamente difícil descubrir obras de rara calidad y belleza. Llegamos a Roma partiendo de la galería Florentina, a la que tengo especial apego porque susurra a los transeúntes que la ciudad no sólo está hecha de arte antiguo y renacentista, sino que también puede mirar al futuro con curiosidad y está en constante evolución.

En una entrevista en vídeo para Finestre sull’Arte, dijo que sabe reconocer a un artista con talento de otro que, por desgracia, no lo tiene. Partiendo de esta base, ¿qué ve en el panorama artístico actual? ¿Ha encontrado algún innovador?

Casi todos los días llegan a mi galería nuevos artistas que quieren trabajar conmigo, y a estas alturas creo que sé cómo reconocer la innovación: el arte debe ser siempre un paso adelante, no hacia atrás. Un buen artista debe conocer la historia y todo lo que se ha hecho hasta ahora, porque sólo así se pueden dar sutiles pasos adelante y crear algo nuevo. Por ejemplo, si hoy veo a un artista que se parece a otro de hace cincuenta años, para mí es una pérdida de tiempo, pero si mañana llega un artista que no se parece a nada y es él mismo en toda su innovación, entonces es un buen artista y estoy muy orgulloso de ello. Así que siempre me encuentro buscando gente con ideas diferentes, como Fontana, que simplemente tiraba piedras sobre el lienzo, o Burri, que utilizaba sacos, lo que resultó ser un medio de expresión muy poderoso y nuevo en su extrema banalidad, en el que nadie había pensado todavía. Busco y amo esto, pero me doy cuenta de lo difícil que es.

¿Qué opina del panorama artístico italiano en comparación con el internacional, y cómo está cambiando y evolucionando la relación entre ambos?

Creo que ya no se puede hablar de una escena artística italiana distinta de la internacional. Ahora están unidas y enredadas y lo único que me interesa es que un artista pueda avanzar, crear algo nuevo. Esto es lo que realmente importa, porque cuanto más tiempo pasa, más veo a los artistas retroceder, parecerse a Tancredi, Burri Fontana o Picasso, pero ellos ya habían inventado algo importante, habían avanzado, pero su imitación es algo ya visto. Así que, en mi opinión, ser un buen artista es independiente de la bandera que lleves, lo importante es que conozcas la historia y la retuerzas. En esto el arte se parece mucho a la medicina: a lo largo de los siglos se hacen descubrimientos que llevan a curar cada vez a más gente y cada vez más enfermedades, y el artista debe comportarse de la misma manera estudiando y salvando cada vez a más gente de males cada vez más diferentes y con ideas igualmente innovadoras.

El arte contemporáneo explora a menudo temas sociales y políticos complejos. ¿Cómo aborda usted las obras de arte que tratan temas delicados o controvertidos? ¿Se ha enfrentado alguna vez a críticas o debates sobre las obras de arte que ha decidido exponer?

Nunca me he enfrentado a debates o fuertes críticas, aunque todas las ideas políticas, todas las verdades personales pueden encontrarse en mi galería y yo estoy aquí para respetarlas y no para juzgarlas o imponer mis pensamientos. Guttuso, por ejemplo, siempre ha tocado la política tomando bandos duros y es justo que un artista haga siempre lo que siente y elija sus batallas. Lo que me interesa es sólo si ese artista tiene la capacidad y la fuerza expresiva para representar sus ideas aunque sean políticamente opuestas a las mías.

La tecnología ha tenido un impacto muy significativo en la creación del arte contemporáneo. ¿Cómo ve el papel de las nuevas tecnologías en el contexto del arte? ¿Ve oportunidades potenciales en el uso de tecnologías como la realidad virtual en la producción artística?

Me interesa muchísimo todo lo que los nuevos medios pueden ofrecer a los artistas y si ayudan a crear algo innovador, bienvenido sea. Admiro a Plessi, que tiene mucho que ver con las pantallas de televisión, en las que introduce fuego, agua y otros elementos precarios y destructivos. Aprecio mucho su forma de trabajar, pero también la de Bill Viola. A estas alturas, las pantallas de televisión llevan utilizándose en el mundo del arte desde los años 70 y al principio, como todo, eran una tecnología nueva y las utilizaban muy pocos. Plessi y Viola tienen éxito hoy precisamente porque tuvieron el valor de proponer primero cosas nuevas. También estoy convencido de que no hay que buscar la innovación a través del medio utilizado, sino que hay que empezar siempre con una buena idea, porque si ésta no funciona todo se derrumba. Una vez que el artista da este primer salto, debe tener también la fuerza de hacer que el mercado acepte sus ideas. Suena banal, pero todos somos capaces de crear un cuadro estéticamente bello, mientras que tener ideas que funcionen y perseguirlas tenazmente no es para todo el mundo.

¿Qué le llevó a abrir sus colecciones al público?

Es un deseo que siempre he tenido. Soy hijo de coleccionista y desde muy pequeño me apasionó tanto este mundo que no podía mantenerlo en secreto y oculto, sino que sentía la necesidad de compartirlo. Durante años admiré la elección de mi padre Ezio de obras de artistas como Casorati o Soffici, y poco a poco fui aprendiendo este trabajo, dando mis primeros pasos entre Guttuso o Mafai, para llegar a las muy diferentes obras de Fontana y Burri. Mi trabajo no sólo se resume en el acto de comprar y vender, sino sobre todo en admirar y compartir. Por eso abrí mi colección en Florencia: porque esta bella y antigua ciudad es también extremadamente vital y contemporánea. Habría sido egoísta guardar toda esta belleza para uno solo.

¿Cuál fue la obra de arte que personalmente le resultó más desafiante o controvertida y que, sin embargo, decidió añadir a su colección?

Cada obra es como un hijo para mí y cada una es controvertida y desafiante a su manera. Es un enamoramiento inmediato y total, y no puedo decir que quiera a una más que a las demás. Me encantan todas y con sus propias características: hay un Basquiat increíble de dos metros por dos metros con él fotografiado justo delante y que sin duda merece una visita a mi colección, un Pistoletto del 62, un Tutto de Boetti de seis metros. Cada obra cuenta algo de mí y representa mi experiencia, elegir una entre todas sería elegir una parte de mí.

¿Con cuál de los artistas que ha conocido ha sentido más afinidad?

He conocido a tantos artistas que me resulta muy difícil responder a esta pregunta, pero intentémoslo. Fui amigo de Piero Dorazio y siempre le respeté por ser un hombre de gran cultura que creó obras maravillosas, cuyo trabajo sólo hoy se reconoce plenamente. No conocí personalmente a Fontana aunque reconozco que hubiera sido espectacular, pero sí conocí a su esposa que era una mujer exquisita y he prestado muchas Fuentes para diversas exposiciones. Estimo infinitamente la obra de Fontana. También conocí a Emilio Vedova que no era un hombre corriente y siempre te podía enseñar algo, tenía una cultura inimaginable. Al final, si estás dispuesto a escuchar y a estirar el oído, todos los artistas pueden enseñarte mucho, precisamente porque tienen una sensibilidad diferente y casi siempre una cultura inmensa.

Algunos críticos sostienen que el mercado del arte contemporáneo se ha vuelto demasiado comercial y que deja en segundo plano el valor artístico de las obras . Me vienen a lamente nombres como Thierry de Duve, crítico de arte belga, que analizó el creciente dominio del mercado del arte y el impacto que ha tenido en la percepción del arte contemporáneo, Julian Stallabrass que criticó su excesiva comercialización y su alejamiento de los valores artísticos y culturales. Pero también Boris Groys, filósofo y crítico de arte ruso, que planteó cuestiones sobre la naturaleza capitalista del arte. ¿Cuál es su opinión sobre este tema y cómo equilibra el componente comercial con la “integridad” artística en su colección?

Tienen razón. Opino lo mismo, el arte actual es excesivamente comercial y cuando lo es, no hay que fiarse demasiado. Creo que muchos artistas de hoy en día están definitivamente inflados. Digamos que se ven empujados por las subastas con valoraciones exageradas e inhumanas que no se corresponden con la realidad. El artista debe amar su obra y luego llega el resultado, pero no hay que aspirar a esas cifras excesivas, porque entonces la obra se desvirtúa. El mercado enseña que hay épocas oscuras y épocas prolíficas, pero es la historia la que exalta a los grandes y recorta a los mediocres, no el mercado. Es el tiempo el que es la aguja de la balanza. Los críticos a los que te refieres tienen razón, y hay que tener mucho cuidado con comprar sólo con el bolsillo, porque el corazón debe ser lo primero. Este pensamiento mío es palpable para cualquiera que venga a visitar mi colección de arte en Florencia, donde he decidido revelar unas 180 piezas, que no están a la venta, y que son parte integrante de mi historia. Espero que mi colección sea apreciada también con el paso del tiempo y que sobreviva a la historia. Además, invito a los amantes del arte a visitar mis galerías de Florencia, Milán, Roma, París, Crans Montana y Forte dei Marmi.

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