Alice Pasquini: "Hago arte callejero porque busco el arte real, en contacto con la gente

Alice Pasquini, alias Alicè (Roma, 1980), es una artista callejera reconocida internacionalmente: sus monumentales obras de arte urbano están repartidas por todo el mundo. La artista es la protagonista de Más allá del muro: arte y contexto, un taller en línea que forma parte del proyecto de la Peggy Guggenheim Collection, en colaboración con Swatch Art Peace Hotel, titulado Superación. Prácticas artísticas para un nuevo presente. Partiendo de una reflexión sobre la transformación y regeneración urbana a través del estudio de diferentes técnicas y el diseño de una o varias obras de arte público, el taller pretende analizar qué significa “hacer” arte callejero, bajo qué formas se manifiesta y cuál ha sido la evolución de este lenguaje artístico desde los años 50 hasta la actualidad. Mientras tanto, hablamos con Alicè sobre su arte, los principales temas que aborda en sus obras y qué la impulsó a pintar en la calle. La entrevista es de Ilaria Baratta.

Alice Pasquini

IB. Reapropiación de los espacios públicos: cada vez está más extendido el fenómeno de revalorizar los lugares degradados y menos frecuentados por la comunidad local mediante la creación de grandes obras de arte callejero con el objetivo de crear lugares para compartir y socializar, especialmente para los jóvenes. ¿Es éste, por tanto, el nuevo presente del arte?

AP. Bueno, ya lo es desde los años setenta. Creo que en parte ya era así antes, debido a la investigación que llevó a los artistas a salir al exterior, más allá del estudio. Por no tomar el ejemplo clásico de los graffitis en las cuevas, en realidad yo diría que los impresionistas ya decían “el mundo es mi estudio”: veo una conexión con toda la investigación en el arte contemporáneo. Ahora hay un acercamiento a la pintura que era algo casi lejano, pasado, al menos cuando yo estudiaba en la Academia de Bellas Artes. El arte era más videoarte, acción, happenings, y la pintura era algo que parecía casi superado, aparte de la transvanguardia de los años ochenta. Pero ahora, por primera vez en la historia del arte y de la humanidad, los artistas de todo el mundo pintan superficies cada vez más grandes. En cuanto al valor social del arte público, sí, está estrechamente relacionado: está claro que la pared no es un lienzo, y la ciudad no es un estudio, así que hay una responsabilidad y la inspiración también viene de la forma de la pared, el color, su historia (no es lo mismo pintar en Singapur que en Moscú). Es un arte que prefiero llamar contextual, es decir, que nace para ese lugar concreto y ya está.

El arte como antídoto contra la exclusión y la marginación: ¿está de acuerdo con esta definición? ¿Por qué el arte callejero, comparado con el arte tradicional, parece más adecuado para este propósito?

Hablo desde mi propia experiencia. Para mí, salir a la calle a pintar fue una reacción al academicismo y a la idea del arte tal y como se enseñaba entonces, cuando era estudiante. Ahora no sé cómo está la situación, pero básicamente con poca perspectiva de futuro y en parte desconfianza y una consideración del arte sólo con mayúsculas. En este país donde el arte debería ser lo primero y además debería estar protegido, muchas formas de arte son consideradas de segunda clase: hablo de la ilustración, del cómic (de hecho nuestros mejores ilustradores se van muchas veces al extranjero, a París u otros sitios así, porque aquí no hay sitio para formas que todavía no son quizás muy académicas). Las cosas están cambiando, desde que empecé a pintar en la calle hasta hoy: yo mismo aparezco mencionado en la enciclopedia Treccani bajo el epígrafe de artista, pero está claro que el momento de la ruptura con el academicismo ha pasado, se ha acabado, mientras que yo viví el momento en que el fenómeno estallaba en todo el mundo. Ciertamente había pocas personas, y sobre todo menos mujeres, en el mundo que lo hicieran. Era un fenómeno que pretendía romper con el academicismo, pero sobre todo pretendía pintar donde quisieras, lo que quisieras, cuando quisieras. Este tipo de reapropiación por parte de los artistas, como ocurre a menudo en la historia del arte, tiene su origen en el invento técnico, en este caso el spray, que te permite hacer cosas muy rápidas y muy grandes. Cambia completamente el enfoque. En lo que a mí respecta, lo que me llevó a pintar en la calle es la búsqueda de un arte en contacto con la gente, un arte real, la idea de una representación íntima en un espacio público, trabajar sobre superficies vulnerables en lugar de sobre paredes blancas y sobre muros que ya tienen una historia (una inscripción, un letrero), sobre puertas oxidadas, trabajar con el abandono para devolvérselo a la ciudad... es una forma totalmente diferente. Ahora el arte callejero se ha convertido en mainstream (pensemos en superestrellas, subastas, galerías); este fenómeno ha generado por primera vez un mercado paralelo, que desafía las reglas del mercado del arte, pero fue sobre todo la gente, los ciudadanos, quienes se apasionaron por esta forma de arte y se convirtieron en sus promotores a través de las redes sociales e internet. Ahora se habla cada vez más de reurbanización, utilizando el término arte callejero, pero en mi opinión sigue habiendo mucha confusión sobre lo que es la libertad de expresión, el arte público.

Una obra de Alice Pasquini

Una obra de Alice Pasquini

Una obra de Alice Pasquini

¿Cuál es, en su opinión, la diferencia entre arte callejero y arte público?

Aparte del término street art, que no me gusta; se inventó porque había que hacer aceptable una práctica, como si hubiera una diferencia... En realidad, el arte callejero no significa nada para mí. Cuando yo empecé, se llamaba graffiti, luego hubo un momento en los años 2000 en el que, después de la generación de Basquiat y Haring, llegamos al periodo postgraffiti, con el desarrollo de los carteles, las plantillas y todas esas formas que ya no eran sólo letras; una figuración que parecía anticuada y que, en cambio, renació también encontró su espacio. Para mí, este arte no es el arrebato de un artista y su narcisismo, sino que se convierte en interacción con el espacio público, recordándonos que una pared es una pared, no un lienzo, y que hay gente viviendo en ella. Hoy, cuando desde hace más de quince años se ha convertido en mi trabajo y me llaman de todo el mundo para hacer grandes muros, mantener el romanticismo inicial significa trabajar en experiencias más sociales, así con inmigrantes que llegan aquí, pero también con italianos que han emigrado al extranjero, o en el interior de una cárcel o en un verdadero muro fronterizo, u organizando un festival en un pueblo abandonado de Molise. Digamos que para mí este arte, ahora de moda, sirve para encender una luz sobre ciertas situaciones. Y sobre el motivo de la ruptura inicial... está claro que, como todas las formas de arte, existe el reflujo, ¿no?

Entonces, ¿el objetivo de un artista callejero es siempre expresar su posición ante el mundo a través del arte?

No lo creo, lo que lleva a los artistas a trabajar en un espacio público es un motivo personal que cambia. Hablo en mi propio nombre, no en nombre de todos los artistas callejeros del mundo. Mi objetivo era y es hacer arte en contacto con gente real y también aportar una visión femenina, porque a menudo la representación de la mujer en la escena urbana en general es utilizada y propuesta por hombres. A riesgo de ser banal, quería hablar de los sentimientos humanos y de las cosas que realmente nos unen: viajando por todo el mundo, por muchos muchos países, me di cuenta de cuánto más son las cosas que nos unen que las que nos dividen. El arte contemporáneo suele estar dominado por el cinismo y el lenguaje cínico (donde cínico significa ser crítico y por tanto... más atractivo), para mí en las ciudades necesitamos algo muy diferente.

Hablando de su arte personal, ¿qué temas trata principalmente? Muchas de sus obras representan mujeres: ¿esta elección está ligada a una especie de solidaridad con el mundo femenino o a otras razones?

Todo mi arte habla de sentimientos humanos y relaciones entre personas, como he dicho, en la brecha de representar algo íntimo y personal en un espacio público. Una escena con la que uno puede identificarse por humanidad, como suele ocurrir con el espectador, lo cual es algo increíble. Recibo correos electrónicos de gente que se identifica con ese sentimiento. En cuanto a las mujeres, me hace sonreír que a mí, que soy mujer, me pregunten por qué pinto mujeres, cuando todos los pintores de la historia del arte siempre han pintado mujeres. ¿Quizá es extraño porque falta una narrativa desde el punto de vista femenino? ¿Quién sabe?

¿A cuál de sus obras tiene especial cariño? ¿O de las que se siente especialmente orgullosa?

En mi libro monográfico, recientemente terminado, conté al menos mil muros, así que ahora sí que pierdo la cuenta. Para mí lo que cuenta en este arte es el momento en el que se hace, porque a diferencia del arte que se produce solo en un estudio, este arte evoluciona en contacto con la gente y la historia del barrio. Y sigue evolucionando incluso cuando un artista se va. Creo que este tipo de práctica está siempre conectada con la realidad.

Para terminar, ¿cuáles son sus proyectos futuros?

Pinto en muchos sitios. Por una serie de coincidencias, entonces una chica me vio en televisión y me invitó a un pueblo muy pequeño y remoto de Molise, sin darse cuenta de que me escribía desde el pueblo de mi abuelo. Por esa increíble coincidencia volví allí y lo encontré completamente abandonado. Molise es una tierra que simboliza una Italia olvidada y empecé a pintar escenas del país del pasado en las puertas de las casas abandonadas. Los turistas empezaron a volver. A partir de esta idea, pensamos que quizá el arte podría salvar este país y ser un símbolo de muchos países de Italia, como Portugal, España, por nombrar sólo algunos. Y así fue: durante más de seis años hemos llevado a más de treinta artistas internacionales a trabajar allí; no sólo muros, sino también instalaciones, intervenciones, y ahora el pueblo está renaciendo gracias a los turistas, gracias a los extranjeros que han comprado casas, gracias a la solidaridad que se ha formado en torno a una idea de resistencia basada en el arte, así que todo el pueblo se ha arremangado y ha decidido no desaparecer apostando por los artistas.

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