Vasily Kandinsky, entre el espiritualismo y el abstraccionismo. Vida, obras, tratados

La pintura figurativa reinó desde el Renacimiento hasta 1910, año en el que el artista ruso Vasili Kandinsky (Moscú, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) dio a luz la mundialmente conocida Primera acuarela abstracta, considerada la primera obra de arte abstracto de la historia del arte (aunque, como veremos más adelante, un reciente debate sobre el nacimiento del arte abstracto puede arrebatarle esta primacía). Lo que Kandinsky concibió no era un mero garabato, como podría pensar un observador que se acercara por primera vez al tema, sino que testimoniaba la necesidad de los artistas de ir más allá de la objetividad, alejándose de esa dimensión real que conduce una imagen a otra. En aquellos años se estaban produciendo importantes cambios en el arte, sobre todo en la relación con los mecenas: los artistas, que durante siglos habían estado ligados a encargos más o menos importantes y libres de tratar el tema sólo hasta cierto punto (cuando no respondiendo a exigencias precisas), empezaron a reivindicar una total libertad de expresión a partir del siglo XIX. Asistimos, pues, a una evolución progresiva cuyas raíces se encuentran en los siglos anteriores.

Si en el siglo XVIII fueron la ropa, los blasones familiares y las joyas lo que caracterizó el retrato, ya con Francisco Goya (Fuendetodos, 1746 - Burdeos, 1828) surgió una nueva sensibilidad hacia la individualidad humana. Durante el siglo XIX el individuo comenzó a ocupar un lugar cada vez más central y fundamental en la investigación artística, se investigaron los sentimientos y la psique humana, y resultaron decisivos los estudios sobre psicoanálisis de Sigmund Freud (Freiberg, 1856 - Hampstead, 1939). Si en el siglo XIX, sin embargo, se mantuvo fiel a la figuración, fue con las acuarelas de Kandinsky cuando se produjo un alejamiento más marcado de la pintura tradicional, aunque, como se ha dicho, la primacía del pintor ruso ha sido cuestionada recientemente en un debate sobre el nacimiento del arte abstracto(lea más sobre el nacimiento del abstraccionismo). Sin embargo, el artista no se limita a presentar su obra, sino que también quiere explicar las razones de su abandono de la figuración. Es el periodo de los grandes tratados, creados para explicar y motivar elecciones y posturas. Kandinsky, que siempre compaginará su actividad artística con una llamativa actividad de tratadista, no está solo, se rodea de colegas que coinciden en poner “fin” a una figuración que ya no se siente obligatoria, y que había alejado al artista de sus propias necesidades. En la misma línea se sitúan las investigaciones de Piet Mondrian (Amersfoort, 1872 - Nueva York, 1944) y Theo van Doesburg (Utrecht, 1883 - Davos, 1931), los dos padres fundadores del neoplasticismo. También corren paralelas las búsquedas de grandes artistas como František Kupka, Kazimir Malevič, László Moholy-Nagy, Franz Marc, Paul Klee; aunque todos ellos son artistas diferentes, con personalidades distintas, les une el deseo de romper el vínculo con la tradición, de alcanzar laabstracción. Como prueba de un panorama artístico variado y complejo, cabe recordar que en los mismos años nace en Italia el Arte Metafísico de Giorgio De Chirico, un movimiento, técnicamente hablando, extremadamente vinculado a la dimensión figurativa, aunque la realidad representada esté enrarecida y deformada, así como habitada por objetos insólitos.

Por último, hay que recordar que la mayoría de los artistas mencionados se vieron obligados a emigrar, desde Alemania donde sus investigaciones habían encontrado un terreno fértil (lo mismo ocurre con Kandinsky, que estuvo presente en Alemania hasta 1933), hacia territorios menos hostiles en los años previos a la Segunda Guerra Mundial, aproximadamente entre 1933 y 1939, ya que con la llegada del nazismo, el arte no figurativo fue condenado como arte degenerado. En este sentido, en 1937 se celebró en Múnich la exposición Entartete Kunst para denunciar todo el arte que no se ajustaba a las normas figura tivas impuestas por el régimen (obviamente, el arte abstracto no tenía cabida allí, por lo que muchas obras fueron retiradas, confiscadas y vendidas o destruidas: lea aquí un artículo detallado sobre el arte degenerado según los nazis).

Vasily Kandinsky en 1905

Biografía de Kandinsky. De la primera acuarela abstracta a un puesto de profesor en la Bauhaus

“Una vez, al pintor se le miraba de reojo si escribía, aunque fueran letras. Uno casi quería que comiera, incluso, con el pincel en lugar del tenedor” (Vasily Kandinsky, Mis grabados en madera, 1938).

Conocido como el padre delabstraccionismo, Vasili Kandinsky nació en Moscú el 16 de diciembre de 1866 en el seno de una acaudalada familia de comerciantes que se trasladó a Múnich en 1870. Comenzó a dibujar de niño, tras un viaje a Venecia, pero se licenció en Derecho en 1892, aunque en 1896, tras licenciarse en Derecho, decidió dedicarse al arte: ese año se matriculó en la Akademie der Bildenden Künste de Múnich, donde fue alumno de Franz von Stuck. En 1889, durante sus estudios de Derecho, recibió el encargo de realizar una investigación sobre la Rusia rural: una formación que el artista llevaría siempre consigo. En 1901 fundó el grupo Falange, que promovía el arte Jugendstil, y al año siguiente expuso por primera vez con los artistas de la Secesión berlinesa. En 1903 viajó a Italia y luego a Rusia, y de nuevo en 1904 expuso en el Salón de Otoño de París. En 1908 compró su casa de Murnau(Baviera), que se convertiría en lugar de encuentro de artistas, y donde comenzó a realizar sus primeros experimentos abstractos.

En 1909 se afilia a la Neue Künstlervereinigug München, Nueva Asociación de Artistas de Múnich, descontento con el enrarecido clima secesionista, demasiado cercano a las soluciones impresionistas y poco inclinado hacia la modernidad. Kandinsky comenzó a concebir sus obras como impresiones, composiciones e improvisaciones, tres categorías derivadas de la esfera emocional-interior que el artista, según Vasily, debía tener en cuenta. Sus teorías convergen en Lo espiritual en el arte, concebido en 1910 y publicado a finales de 1911. Es el primer tratado que aborda la abstracción, a través del estudio de la percepción y de los efectos del color en el espectador y, evidentemente, en el artista. Estos efectos no deben cargarse de elementos externos, sino de interioridad, profunda y pura. El tratado justifica la decisión de Kandinsky de abandonar la figuración. En 1911, el artista quedó impresionado por el Manual de armonía, escrito por el compositor Arnold Schönberg, con quien acabó estableciendo una profunda amistad (lea más sobre la relación de Kandinsky con Schönberg). Kandinsky decidió escribirle una carta: fue el comienzo de una serie de correspondencias entre ambos, que llegarían a hablar de las disonancias en el arte, pensamientos no exentos de contradicciones, pero fundamentales como punto de partida de la modernidad.

En 1911, Kandinsky fundó el grupo Blaue Reiter (Jinete Azul) junto con el artista Franz Marc, separándose así de la Nueva Asociación de Artistas. Fue una experiencia efímera (duró de 1911 a 1914) pero eficaz, expresión de la vida de los artistas que se unieron a ella; además de ellos, formaron parte del grupo el austriaco Alfred Kubin, el suizo Paul Klee, los alemanes August Macke y Gabriele Münter y el ruso Alexej von Jawlenskij. El grupo perseguía todos los ámbitos de la investigación artística, musical, poética y gráfica, de ahí la idea de arte totalizador a la que se adhirió Vasilij. En 1914 comenzó un segundo periodo ruso, que ofreció al artista una mayor inspiración para sus obras, pero que al mismo tiempo dejó en mal lugar a Kandinsky, cuyo arte no era apreciado en su patria. En 1922, el artista se instaló en Berlín, donde se organizaron dos exposiciones individuales de su obra, una en la galería Goldschmidt-Wallerstein y otra en la Thannhauser de Múnich. Ese mismo año se alejó cada vez más de la vanguardia suprematista rusa, abandonando para siempre la regla y las líneas rectas. En la década de 1920 fue llamado como profesor a la escuela Bauhaus de Weimar, fundada por el arquitecto Walter Gropius, donde Kandinsky impartió teoría de la forma y un taller práctico de pintura mural. El resumen de los cursos impartidos allí es el tratado de 1926 Punto, línea, superficie, en el que el artista centra su atención en los aspectos psicológicos del color dentro de la representación pictórica. El documento se redactó en un momento en que la sede de la Bauhaus se trasladaba a Dessau. Al elaborarlo, Kandinsky tuvo en cuenta las innovaciones aportadas por las teorías expresadas por el historiador del arte Wilhelm Worringer en Abstracción y empatía, pero no sólo: ambos colaboraron también en varios escritos. En 1933, la escuela Bauhaus se vio obligada a cerrar debido a la hostilidad del régimen nazi. Como artista, teórico, profesor y melómano, Kandinsky estaba sin embargo en la lista de artistas cuyo arte era considerado degenerado por el régimen nazi: así que Kandinsky, que entonces tenía casi 70 años, se trasladó a París, donde permaneció hasta su muerte en Neuilly-sur-Seine el 13 de diciembre de 1944. El abstraccionismo no llegó a su fin con la muerte de Kandinsky: artistas de las nuevas generaciones continuarían el discurso que él había emprendido, como la corrienteexpresionista abstracta estadounidense, cuyo máximo exponente fue Jackson Pollock, inventor del dripping, técnica pictórica en la que el gesto del artista se subordina a la tendencia emocional interior.

Vasili Kandinsky, El jinete (San Jorge) (1914-1915; óleo sobre cartón, 61 x 91 cm; Moscú, Galería Tretiakov)

Vasili Kandinsky, Composición 8 (Komposition 8) (1923; óleo sobre lienzo, 140,3 × 200,7 cm; Nueva York, Solomon R. Guggenheim Museum)

Vasilij Kandinsky, Amarillo-rojo-azul (1925; óleo sobre lienzo, 128 × 201,5 cm; París, Centro Pompidou)

Arte y obras fundamentales

La experiencia del Balue Reiter despertó en Kandinsky el interés por una originalidad pura, un arte primitivo, ligado a la sencilla espontaneidad del mundo infantil (“Todo arte”, escribió Kandinsky en El sonido amarillo publicado en un número del almanaque El jinete azul, “tiene su propio lenguaje, es decir, su propio medio particular y exclusivo. Todo arte es, por tanto, algo concluido. Todo arte tiene vida propia. Es un reino propio”). La Primera acuarela abstracta recuerda, visualmente hablando, la dimensión lúdica de los niños, porque el instinto primordial es en sí mismo espontáneo y puro. Sin embargo, el alejamiento de Kandinsky de la figuración es progresivo. La Primera acuarela abstracta es un punto de inflexión para la historia del arte, empezando por la técnica, ya que el uso de la acuarela siempre se había considerado secundario frente a la pintura al temple o al óleo, pero también frente al boceto preparatorio. Lo que intrigaba a Kandinsky eran las posibilidades que ofrecía la técnica: compuesta por sustancias que luego se diluían en agua, ofrecía a los artistas la posibilidad de obtener transparencias, potenciando la luminosidad, mediante colores suaves. El pintor ruso continuó creando obras alejadas de la figuración hasta el final de su vida. Las principales influencias de Kandinsky residen en su mirada hacia los simbolistas, pero también en las obras de Vincent van Gogh, Paul Gauguin, y también tiene presente la descomposición dramática del expresionismo alemán. Pero si a los ojos de nuestros contemporáneos su arte es apreciado, por el contrario, los críticos de la época atacaron a Kandinsky a menudo incluso con saña. Se adoptaron dos posturas hacia él: una de aprecio y admiración por el alcance innovador de su arte, la otra de impugnación y desprecio. El artista fue acusado repetidamente por sus contemporáneos de crear obras frías y sin sentido lógico; si el golpe de gracia lo dio el régimen nazi, consagrando su arte (y el de muchos otros grandes artistas) como degenerado, él nunca dejó de pintar, continuando transmitiendo los ideales de una simplicidad no figurativa.

Kandinsky también se dejó influir por fuentes ajenas al mundo de las artes plásticas, empezando por la música. Durante su vida, de hecho, mantuvo correspondencia con el compositor Arnold Schönberg, testimonio fundamental para reconstruir los momentos más destacados de la evolución del pensamiento del artista. El pintor tocaba el violonchelo desde la infancia, y no es casualidad que incorporara a su concepción del arte los descubrimientos del músico sobre la disonancia. Ambos entablaron una amistad, que se interrumpió con el estallido de la guerra. La influencia musical fue tan importante que puede equipararse a la de las artes plásticas. El proyecto de Kandinsky era crear un arte evocador, capaz de alejarse de la observación de la realidad e instalarse en el plano de los estados de ánimo, donde las analogías entre notas musicales y colores son fundamentales (para el artista ruso, los colores, como las notas, corresponden a estados de ánimo): “Los grandes y pequeños problemas de la pintura”, escribe Kandinsky en su libro fundamental Lo espiritual en el arte, “dependen de la interioridad. El camino que recorramos, y que es nuestra mayor fortuna, nos llevará a apoyarnos no ya en la exterioridad, sino en su contrario: la necesidad interior”.

Vasily Kandinsky, Primera acuarela abstracta (1910; acuarela, lápiz y tinta china sobre papel, 49,6 x 61,8 cm; París, Centro Pompidou)

Vasily Kandinsky, Impresión III (Concierto) (1911; óleo sobre lienzo, 77,5 x 100 cm; Múnich, Städtische Galerie im Lenbachhaus)

Vasilij Kandinsky, Bühnenentwürfe zu Musorgsky (1928; temple y acuarela sobre papel, 21,2 x 27,3 cm; Colonia, Theaterwissenschaftliche Sammlung Schloss Wahn)

Dónde ver las obras de Vasily Kandinsky

Hay varias obras de Kandinsky en Italia. Para verlas, hay que ir al GaMeC de Bérgamo, a la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Roma, donde se conserva Línea angular, uno de los ejemplos más significativos del abstraccionismo. Kandinsky también está presente en Venecia, en la Galleria Internazionale d’Arte Moderna Ca’ Pesaro y en la Colección Peggy Guggenheim, donde se conservan varias obras del periodo 1913-29. Varias obras del pintor ruso también pueden admirarse en Milán, en el Museo del Novecento, y en el MART de Rovereto: en concreto, en el MART hay cinco obras y una acuarela de 1925.

En el extranjero, sus obras se encuentran en varios países, pero en la Lenbachhaus de Múnich se conservan numerosas obras del artista, sobre todo del periodo del Jinete Azul. Otras obras importantes se encuentran en el Museo Estatal Ruso y en el Hermitage de San Petersburgo, así como en la Galería Tret’jakov de Moscú. Otro museo que conserva un buen número de obras de Kandinsky es el Centro Pompidou de París.

Uno de los primeros coleccionistas de obras de Kandinsky fue uno de los padres fundadores de la Fundación Guggenheim, Solomon R. Guggenheim, que comenzó a comprar obras de Vasily ya en 1929, lo que le permitió acumular un número considerable de ellas. El Guggenheim de Bilbao ha organizado una gran exposición retrospectiva dedicada al artista entre 2020 y 2021, en el marco de la cual también ha lanzado una visita virtual a la que se puede acceder a través de la página web del instituto. Recientemente, el buscador Google lanzó una nueva app llamada Play a Kandinsky, para escuchar los sonidos de los colores de sus obras.

Vasily Kandinsky, entre el espiritualismo y el abstraccionismo. Vida, obras, tratados

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