Umberto Boccioni: vida y obra del gran futurista

“¡Quisiera borrar todos los valores que conocí y que estoy perdiendo de vista, rehacer, reconstruir sobre nuevas bases! Todo el pasado, maravillosamente grande, me oprime ¡Quiero lo nuevo! Y me faltan elementos para concebir dónde se está y qué se necesita. ¿Con qué hacerlo? ¿Con el color? ¿Con el dibujo? ¿Con la pintura? ¿Con tendencias veristas que ya no me satisfacen, con tendencias simbolistas que me gustan poco y nunca he intentado? ¿Con un idealismo que no sé cómo concretar?”. Cuando Umberto Boc cioni (Reggio Calabria, 1882 - Verona, 1916) escribió estas líneas, el 14 de marzo de 1907, el artista, uno de los máximos exponentes del futurismo, atravesaba uno de los varios momentos de crisis de su corta carrera, que duró sólo nueve años, pero fue una de las más importantes de toda la historia del arte. Boccioni sólo tenía entonces veinticinco años y ya revelaba su carácter: el de un artista constantemente insatisfecho, pero también de una naturaleza profundamente "rebelde", podría decirse, que alimentaba su propensión a la experimentación continua, su apertura a lo nuevo, su deseo de investigar algunos de los viejos problemas de la historia del arte.

La parábola de Umberto Boccioni coincide plenamente con la del futurismo, un movimiento que se contraponía a la cultura tradicional, rechazaba el “pasotismo” y el academicismo, proponía la intención de eliminar todos los valores de la cultura anterior para dar lugar a un arte completamente nuevo capaz de borrar todas las viejas formas de expresión, percibidas como rancias y anticuadas: un arte que, en esencia, celebraba la modernidad, la velocidad, el dinamismo de la vida urbana y el desarrollo tecnológico. Fue el 5 de febrero de 1909 cuando Filippo Tommaso Marinetti (Alessandria d’Egitto, 1876 - Bellagio, 1944) publicó el Manifiesto del Futurismo en la Gazzetta dell’Emilia(publicado en Le Figaro el 20 de febrero, la fecha más mencionada en los manuales de historia del arte, ya que en aquella época el centro del arte era París y la publicación del manifiesto en el periódico francés tuvo, naturalmente, una resonancia mucho más amplia). Famosa es la frase en la que Marinetti afirma: “Un automóvil de carreras con el capó adornado con grandes tubos en forma de serpiente con aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece funcionar a fuego de ametralladora, es más bello que la Victoria de Samotracia”, citada a menudo para dar una idea de las intenciones de los futuristas.

Dentro del movimiento había diferentes orientaciones estilísticas, por supuesto. Así, si Giacomo Balla estuvo muy influido por los experimentos fotográficos de Anton Giulio Bragaglia, si Gino Severini, como toscano, aportó la interpretación más delicada y ligera del futurismo, si Fortunato Depero fue el futurista más juguetón, Umberto Boccioni fue el más dramático, el más atormentado del movimiento, uno de los más radicales e incendiarios, y fue el futurista que, en el campo de la escultura, consiguió los resultados más modernos e innovadores, hasta el punto de que se le puede considerar el artista que inauguró el siglo XX gracias, sobre todo, a una de sus mayores obras maestras, Formas únicas de continuidad en el espacio. Los resultados más originales fueron los que Boccioni consiguió sólo en los últimos seis años de su carrera: seis años que probablemente cambiaron el curso de la historia del arte.

Umberto Boccioni en 1914

Umberto Boccioni, Vida

Umberto Boccioni nació en 1882 en Reggio Calabria, hijo de Raffaele, un empleado de la prefectura originario de Morciano di Romagna que se encontraba en Calabria por motivos de trabajo, y Cecilia Forlani. En los primeros años de su vida, el artista viajó por distintas ciudades de Italia (Génova, Padua, Catania) siguiendo el trabajo de su padre, y se graduó en el Istituto Tecnico di Catania en 1897. Boccioni alimentó inicialmente aspiraciones literarias, hasta el punto de escribir una novela, Pene dell’anima (1900), que permaneció inédita. En 1901 se trasladó a Roma y aquí comenzó una tímida actividad artística como cartelista. Al mismo tiempo, comenzó a pintar tras conocer a Gino Severini: ambos asistieron al taller del mayor Giacomo Balla y luego decidieron matricularse en la escuela libre del desnudo de la Academia de Bellas Artes de Roma. Tras exponer en una muestra colectiva en el Teatro Nazionale de Roma en 1905, consiguió que sus padres le pagaran un viaje a París en 1906: a su regreso, decidió matricularse en la Accademia di Belle Arti de Venecia, pero lo abandonó para trasladarse a Milán en 1907, donde asistió a Romolo Romani y Gaetano Previati, y donde conoció a Marinetti y a otros artistas futuristas.

Un año clave para la biografía de Boccioni fue 1910, cuando, además de pintar algunas de sus obras maestras como La città che sale o Rissa in galleria, firmó con Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini el Manifesto tecnico dei pittori futuristi, que el propio Boccioni leyó el 8 de mayo de ese año en el Politeama Chiarella de Turín. Comenzó a pintar sus primeras obras importantes y en 1910 las expuso primero en la Famiglia Artistica de Milán y después en Venecia, en Ca’ Pesaro, en una exposición organizada por Nino Barbantini, que organizó una muestra de nada menos que 43 obras. En 1911 y de nuevo en 1912 estuvo de nuevo en París, donde expuso sus obras, y de nuevo en 1912 publicó el Manifiesto Técnico de la Escultura Futurista, exponiendo en el Salón de Otoño. Entretanto se convirtió en colaborador de la revista La Voce, y también en el alma de las famosas veladas futuristas, que a menudo acababan en reyertas debido a las provocaciones y la pasión incendiaria de los futuristas.

En 1914, al borde de la Primera Guerra Mundial, Boccioni fue un ferviente intervencionista e incluso participó en algunas manifestaciones (llegando a ser detenido en Bolonia en otoño). De nuevo en 1914 firmó el manifiesto Síntesis Futurista de la Guerra junto con Carrà, Boccioni, Marinetti, Russolo y Ugo Piatti, mientras que el manifiesto Orgullo Italiano, firmado junto con los mismos artistas, Mario Sironi y Antonio Sant’Elia, fue en 1915. En mayo, Boccioni se alistó como voluntario y en noviembre, terminada su experiencia en el frente, regresó a Milán, donde reanudó sus actividades (además de pintar y esculpir, Boccioni escribió extensamente en varias revistas). Volvió a la guerra en julio de 1916 y fue destinado al regimiento de artillería de Verona: murió el 17 de agosto de 1916 en el hospital militar de Verona, tras una caída del caballo en la que había resultado gravemente herido. Está enterrado en el cementerio monumental de Verona.

Umberto Boccioni, Rissa in galleria (1910; óleo sobre lienzo, 76 x 64 cm; Milán, Museo del Novecento)

Umberto Boccioni, La ciudad naciente (1910; óleo sobre lienzo, 199,3 x 301 cm; Nueva York, Museo de Arte Moderno)

Umberto Boccioni, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913, fundido en bronce, 1931; bronce, altura 126,4 cm; Milán, Museo del Novecento)

Las obras de Umberto Boccioni y su poética

El arte temprano de Boccioni está, de 1907 a 1910, todavía muy vinculado al Divisionismo en el que el artista se formó, siguiendo a Giacomo Balla (véase por ejemplo La Madre, un pastel conservado en la Galería de Arte Moderno de Milán). Además de las experiencias más afines al Divisionismo, Boccioni, atrapado en su constante investigación, también produjo una obra de tipo expresionista menos conocida, deudora de las investigaciones de Munch. Sin embargo, la perspectiva cambió por completo en 1910, cuando el artista firmó junto a sus colegas el Manifesto tecnico dei pittori futuristi (Manifiesto técnico de los pintores futuristas), donde leemos, entre otras resoluciones: “El gesto, para nosotros, ya no será un momento detenido del dinamismo universal: será, decididamente, la sensación dinámica eternizada como tal. Todo se mueve, todo corre, todo gira rápidamente. Una figura nunca está estable ante nosotros, sino que aparece y desaparece incesantemente. A causa de la persistencia de la imagen en la retina, las cosas en movimiento se multiplican, se deforman, sucediéndose, como vibraciones, en el espacio que recorren. Así, un caballo corriendo no tiene cuatro patas: tiene veinte, y sus movimientos son triangulares. Todo en el arte es convención, y las verdades de ayer son hoy, para nosotros, puras mentiras. Afirmamos una vez más que el retrato, para ser una obra de arte, no puede ni debe parecerse a su modelo, y el pintor tiene en sí mismo los paisajes que quiere producir. Para pintar una figura no hay que hacerla; hay que hacer de ella una atmósfera”.

La obra maestra que mejor representa esta fase es La città che sale: sobre un sustrato que sigue siendo fundamentalmente simbolista, Boccioni injerta un violento torbellino cromático, pintado con pinceladas fragmentadas que imparten una fuerte sensación de movimiento a la escena. La ciudad naciente es también una de las primeras obras maestras futuristas, así como el primer cuadro plenamente futurista de Boccioni, el primero en introducir una visión mucho más dinámica del tema (que en este caso, como ocurre a menudo en la pintura de Boccioni, no es más que la vista de una ciudad). Boccioni había llegado a esta tensión después de haberse acercado mucho con obras de la misma época: Rissa en la Galería, por ejemplo, data de 1910, y sigue siendo una obra profundamente ligada al Divisionismo, pero ya se introduce un componente de movimiento que constituye la base de las obras maestras de la fase posterior.

Con los Estados de ánimo de 1911, la pintura de Boccioni ya se había renovado radicalmente y había llegado a un modo de expresión en el que los colores, los contrastes de tonos, las formas, el espacio, las deformaciones de tipo expresionista y el movimiento se combinan para dar lugar a composiciones arremolinadas, donde el espacio se dilata y donde las líneas contribuyen a sugerir la tensión de la escena (en Gli addii, uno de los lienzos que componen la primera serie de Estados de ánimo, la sensación que transmite el artista es la de un tren en movimiento, con la locomotora apareciendo tras un caos de líneas y formas que sugiere no sólo el movimiento del vehículo sino también la confusión de la estación). El tema del movimiento se desarrolla aún más en obras como Dinamismo de un ciclista y Dinamismo de un futbolista, que buscan la “manifestación dinámica de la forma”, según expresión del propio artista.

Se ha dicho que uno de los temas principales de la investigación de Boccioni es el de la madre, muy presente en sus primeras obras, pero también presente cuando la investigación futurista estaba en pleno apogeo: esto puede verse por ejemplo en Materia, un famoso retrato “futurista” de la madre de Boccioni. Retrato asombrosamente moderno que encuentra en las reflexiones de Paul Cézanne el punto de partida para la simplificación del espacio y se nutre de las sugerencias de Picasso, Materia es una obra que, como ha escrito Marisa Dalai Emiliani, “se sitúa perentoriamente a este lado y más allá del lienzo, a este lado y más allá del doble diafragma transparente de una ventana desmaterializada (pero que recuerda ineludiblemente la metáfora albertiana de la Pintura) y en el arabesco perforado de la barandilla, que atraviesan las líneas de fuerza de sus volúmenes y cuyos planos se interpenetran”. El de las líneas de fuerza es uno de los conceptos clave de la estética de Boccioni: son el medio por el que Boccioni descomponía sus figuras, construyendo sus formas en movimiento, para llegar a la “representación de los movimientos de la materia en la trayectoria que nos dicta la línea de construcción del objeto y su acción”. “Lo que queremos representar”, escribió, “es el objeto en su experiencia dinámica y dar la síntesis de las transformaciones que experimenta el objeto en sus dos movimientos relativo y absoluto. Queremos dar el estilo del movimiento. No queremos transportar a una imagen que identificamos con la cosa. Así que para nosotros el objeto no tiene forma a priori. Sólo es definible la línea de su peso y expansión. Esto nos sugiere las líneas de fuerza que caracterizan al objeto y nos llevan a comprender la esencia principal del objeto que es la intuición de la vida”. El artista también utiliza las líneas de fuerza en la que quizá sea su mayor obra maestra, Formas únicas de continuidad en el espacio, la obra con la que el artista “conquista” el espacio, abriendo la cuarta dimensión que más tarde conquistará definitivamente Lucio Fontana, que verá en Boccioni una especie de padre ideal.

Umberto Boccioni, La madre (1907; pastel sobre papel aplicado al lienzo, 72 x 80 cm; Milán, Galleria d’Arte Moderna, Raccolta Grassi)

Umberto Boccioni, Estados de ánimo I. Las despedidas (1911; óleo sobre lienzo, 71,2 x 94,2 cm; Nueva York, Museo de Arte Moderno)

Umberto Boccioni, Materia (1912; óleo sobre lienzo, 226 x 150 cm; Colección Mattioli, préstamo de la Colección Peggy Guggenheim, Venecia)

Umberto Boccioni, Dinamismo de un ciclista (1913; óleo sobre lienzo, 70 x 95 cm; Colección Mattioli, en depósito en la Colección Peggy Guggenheim, Venecia)

Umberto Boccioni, Desarrollo de una botella en el espacio (1912; bronce, 38 x 59 x 32 cm; Milán, Museo del Novecento)

Dónde ver las obras de Umberto Boccioni

Las principales obras maestras se conservan en diversos museos de Italia y del extranjero: si es relativamente fácil ver la singular Forme uniche della continuità nello spazio (el original en yeso se conserva en el Museo de Arte Contemporáneo de São Paulo, Brasil, pero existen varias fusiones póstumas en bronce, una de las cuales se conserva en el Museo del Novecento de Milán), no lo es tanto ver algunas obras maestras fundamentales (por ejemplo, La città che sale y Gli addii antes mencionadas se encuentran en el MoMA de Nueva York). Sin embargo, si queremos señalar dos museos para obtener una primera “pincelada” del arte de Boccioni, podemos mencionar el Museo del Novecento de Milán y la Colección Peggy Guggenheim de Venecia.

El museo milanés ha dedicado una sala a Boccioni, gracias a la cual es posible reconstruir a grandes rasgos su carrera, bien representada por cuadros de diferentes épocas. Está, por ejemplo, La señora Virginia, un tranquilo retrato de 1905, están Las despedidas de la segunda serie de Estados de ánimo, Elasticidad de 1912, Bajo la pérgola de 1914, y luego también una escultura muy significativa como Desarrollo de una botella en el espacio y la ya citada fusión póstuma de las Formas únicas de continuidad en el espacio. En la Peggy Guggenheim Collection, por su parte, es posible encontrar Materia y la escultura Dinamismo di un ciclista, ambas en depósito aquí de la colección Mattioli, la escultura Dinamismo di un cavallo. Además, a finales de 2020 se fundó el Museo Umberto Boccioni en Morciano di Romagna, patria de la familia Boccioni, a la espera de un hogar definitivo: aquí se reúne una buena documentación de los primeros años del gran artista futurista.

Lo que queremos representar es el objeto en su experiencia dinámica y dar la síntesis de las transformaciones que experimenta el objeto en sus dos movimientos relativo y absoluto. Queremos dar el estilo del movimiento. No queremos transmitir en la imagen que nos identificamos con la cosa. Así que para nosotros el objeto no tiene forma a priori. Sólo es definible la línea de su peso y expansión. Esto nos sugiere las líneas de fuerza que caracterizan al objeto y nos llevan a comprender la esencia principal del objeto esta intuición de vida

Umberto Boccioni: vida y obra del gran futurista

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