Transvanguardia: historia, evolución, artistas

La Transvanguardia fue un movimiento artístico que surgió y se desarrolló enItalia a principios de la década de 1980 y alcanzó un éxito considerable. La aparición de este movimiento artístico supuso una vuelta a la pintura figurativa de tipo citacionista con ascendencia neoexpresionista. La expresión artística de la Transvanguardia siempre tuvo la mirada puesta en el pasado, un pasado que quería revisitar y reinterpretar al estilo de una “vuelta al orden”.

Este modo artístico tuvo sin duda un impacto considerable en el arte italiano, pero también tuvo una resonancia internacional, contribuyendo al redescubrimiento de la técnica pictórica y del figurativismo tras un periodo, los años setenta, que había experimentado el dominio artístico de la idea, del concepto. En Estados Unidos, por ejemplo, esta tendencia sufrió el legado de la imponente cultura pop, por lo que retomó su figuración más típica.

Fue el crítico Achille Bonito Oliva quien designó los rasgos de esta nueva corriente, escribiendo sobre ella por primera vez en un artículo en 1979 y luego, en 1982, con más detalle, en su obra Avanguardia Transavanguardia. La experiencia de la Transavanguardia fue efímera, y la agrupación de pintores que se habían adherido a esta actitud artística siempre fue oficiosa, ya que cada uno de ellos desarrolló una poética y un estilo muy independientes. Debido a estas diferencias expresivas, los artistas siguieron sus carreras por separado, sin que ello supusiera, no obstante, una disolución efectiva del grupo.

Nacimiento, formación y difusión de la Transvanguardia

Con el término Transavanguardia, surgido en el panorama artístico italiano a principios de la década de 1980, surgió un nuevo tipo de expresionismo, adoptado para indicar un retorno a la pintura figurativa y un recurso a las técnicas artísticas tradicionales del dibujo, la pintura y la escultura. Técnicamente, el estilo pictórico perseguido era deliberadamente crudo, fuerte y subversivo. En virtud de este último aspecto, recibió otras denominaciones, como pintura mala y arte mudo; pero también pintura de nueva imagen, destacando un retorno a las imágenes y los iconos. En este declive artístico de finales del siglo XX, se hizo posible combinar una estructura expresiva ingenua (de hecho, muda) con una dialéctica postconceptual. Sin embargo, la carga regresiva inherente al renacimiento de la pintura de figuras permitió una flexión pictórica hacia un estilo directo, expresivamente inmediato.

A la figura de Achille Bonito Oliva (Caggiano, 1939) debemos la invención del término y la teorización del movimiento, de ahí también la fundación del grupo, del que fue crítico-gestor. El neologismo pretendía indicar el carácter híbrido, transcultural y transhistórico de un lenguaje que pretendía mezclar momentos y personajes de tradiciones artísticas incluso muy diferentes. Era ante todo un estilo citacionista, caracterizado por el nomadismo. Como se deduce del término, la Transvanguardia quería atravesar las Vanguardias, ir más allá de ellas para abrir la posibilidad de la experimentación, manteniendo una mirada retrospectiva, al tiempo que inventaba nuevas combinaciones y soluciones estilísticas para sondear el patrimonio artístico acumulado hasta entonces. El artista de la Transvanguardia podía basarse en los diversos textos del pasado y combinarlos, recurriendo incluso al uso de materiales populares como el cómic o la publicidad. Este proceso se llevaba a cabo con total libertad, y al mismo tiempo permitía expresar el componente inconsciente del acto creativo, recurriendo al aspecto estetizante y lúdico del acto de pintar. Por esta razón, puede decirse que la Transvanguardia se inspiró tanto en el Surrealismo como enel Expresionismo.

Sobre estas huellas y bajo la nueva etiqueta de Transavanguardia viajaron los cinco artistas italianos nombrados por el crítico Bonito Oliva en 1979, en su artículo publicado en “Flash Art” (nos. 92-93): Enzo Cucchi (Morro d’Alba, 1949), Mimmo Paladino (Paduli, 1948), Sandro Chia (Alessandro Coticchia; Florencia, 1946), Francesco Clemente (Nápoles, 1952), Nicola de Maria (Foglianise, 1954), que compartían el rechazo de un arte ideologizado y político y el rechazo de una concepción lineal del progreso, típica de la vanguardia histórica y del hombre posmoderno.

Del estudio de la poética de estos autores surge un interés particular por la figura y la obra del artista metafísico Giorgio de Chirico, que fue el primero en emplear lenguajes expresivos extraídos de la historia del arte. Para explicar la producción de los artistas de la Transvanguardia, Achille Bonito Oliva utilizó la metáfora del “ciego que ve”: según ésta, el artista rompe las lentes que hacen unitaria su visión. Por tanto, mira a su alrededor con una mirada fragmentaria y caleidoscópica. De este modo, es capaz de captar elementos distantes e intenta reconducirlos a un principio de equilibrio y armonía. El artista de la Transvanguardia, por tanto, desconfiaba de la historia, no proponía modelos cronológicamente identificables, sino que trascendía las fronteras culturales y geográficas para crear un imaginario propio, absolutamente arbitrario, en el que era libre de insertar experiencias y recuerdos autobiográficos.

La Transvanguardia, al trascender la conceptualidad inherente a la obra de arte, arrastró las sugerencias del Arte Povera y del Arte Conceptual. Desde su fundación, el crítico Achille Bonito Oliva dedicó muchos esfuerzos a subrayar las diferencias entre el movimiento del que era teórico y las tendencias artísticas dominantes en la escena italiana. A pesar del distanciamiento consciente, se pueden identificar algunas áreas comunes, especialmente con el Arte Povera. De hecho, los cinco artistas italianos mencionados por el crítico tuvieron todos experiencia directa con esos modos de funcionamiento, o al menos trabajaron en estrecho contacto con los principales exponentes de esas corrientes. Desde un punto de vista formativo, se trataba de intercambios culturales decisivos, y era natural que se vieran influidos por esas influencias en la continuación de sus carreras. Además, la operación publicitaria llevada a cabo por el crítico Germano Celant fue comparable a la realizada por Oliva para la Transvanguardia: ambas destacan como iniciativas llevadas a cabo para imponerse como una novedad, una solución vanguardista con carácter propio.

Otros aspectos comunes son la crítica al positivismo darwinista y a la noción de progresismo, la apertura atribuida al concepto de incertidumbre y al de complejidad; la importancia concedida a la tradición y a la artesanía, el antiintelectualismo. Así, la oposición general a la producción artística anterior coexistió con el renacimiento de las técnicas tradicionales. En pocos años, los cinco exponentes consiguieron alcanzar cotizaciones considerables en el mercado y convertirse en pioneros, objeto de imitación por parte de artistas de todas las partes del mundo. Sin embargo, resulta algo difícil identificar los rasgos que los artistas del movimiento de la Transavanguardia tenían en común. Por ejemplo, Nicola de Maria se distinguió como pintor predominantemente abstracto, mientras que Sandro Chia y Francesco Clemente aspiraban a una línea predominantemente figurativa. Una gran innovación de la Transavanguardia residía en la indiferencia con la que los artistas elegían expresarse: el medio no era importante, lo que realmente importaba era la libertad para oscilar de una técnica a otra.

En 1982, la Transavanguardia italiana mantuvo una correspondencia con la escena artística alemana, participando en la Documenta Kassel 7 junto a los Neuen Wilden (para los críticos italianos, Nuovi Selvaggi). Este último era un grupo de jóvenes artistas de varias ciudades alemanas, unidos por el placer físico del acto de pintar en un estilo expresionista, à la Die Brücke, estilo que utilizaban para transmitir su percepción de la realidad.

En una mirada internacional, se pueden distinguir otros componentes que pueden asociarse a la Transvanguardia. La ya mencionada corriente neoexpresionista alemana, con los artistas Anselm Kiefer, Jörg Immendorff, Georg Baselitz, Markus Lüpertz y A. R. Penck. La suya era una pintura rápida e inquietante, que se diferenciaba de la francesa, con Gérard Garouste, que hacía más guiños a la Transavanguardia italiana o al “graffitismo” pop americano. A diferencia del Arte Povera, que siguió representando a Italia en el panorama artístico internacional durante mucho tiempo, la Transavanguardia pronto dejó de moverse como grupo.

La considerable falta de homogeneidad, tanto lingüística como poética, llevó inevitablemente a los artistas a seguir caminos autónomos, lo que condujo inexorablemente a una brevedad del fenómeno artístico y a la inconsistencia de la asociación.

Exponentes y estilos de la Transvanguardia

En el proceso de disolución del grupo Transavanguardia, las vicisitudes de algunos miembros les llevaron a trabajar de forma autónoma. Enzo Cucchi, en particular, parecía favorecido hacia un creciente éxito independiente. El artista se inspiró en la tradición figurativa alemana, como queda patente en Paesaggio barbaro (Paisaje bárbaro ) (1983), un cuadro de pintura densa que juega con colores nebulosos y ácidos.

En la pintura de Cucchi, los rostros y las figuras aparecen deformados y en estrecha relación con ciertas soluciones pictóricas del expresionismo alemán: en Música ebria (1982), las figuras se estiran en un enérgico movimiento, creando una composición oscura e intensa. Enzo Cucchi inventó su propio repertorio de figuras, rehuyendo la regla del decoro. Compuso sus cuadros utilizando numerosas técnicas, desde la pintura al dibujo, desde la escultura a los libros de artista. Las imágenes de Cucchi chocan pero invitan al espectador a sumergirse en la visión que el artista tiene de la realidad.

Mimmo Paladino, por su parte, se movió entre lo figurativo y lo abstracto, haciendo constantes referencias al lenguaje y al ámbito semántico del mito. Deambuló por la tradición y las culturas más lejanas, sin ceder nunca realmente al exotismo: su arte es una contaminación entre símbolos y formas orgánicas, entre formas naturales y figuración antropomórfica. El artista persiguió el significado arcaico del signo, insertándolo con naturalidad en su visión posmoderna. En Giardino chiuso (Jardín cerrado), 1982, expuso el motivo delhortus conclusus, tomándolo de la tradición iconográfica medieval, donde aparecía tanto en contextos paganos como religiosos. En la obra, el valor simbólico de un lugar protegido permanece intacto, y este valor se transmite en virtud del lenguaje arcaico perseguido por Paladino.

Al año siguiente, Paladino realiza La virtù del fornaio in carrozza (La virtud del panadero en carroza), un óleo sobre lienzo en el que los personajes se ven afectados por una atmósfera mágica y lunar. Las figuras están definidas por unos pocos trazos esenciales, como ocurría en las culturas primitivas y en el primer expresionismo alemán. Éstos se mezclan con una imaginería fantástica y al mismo tiempo monstruosa.

En la recuperación y combinación de referencias a diferentes culturas y momentos de la historia del arte destaca la obra de Sandro Chia. El artista se caracteriza por una visión pictórica transgresora y violenta. El suyo es un universo de temas antiheroicos y un sentido de la monumentalidad a lo Miguel Ángel, que a menudo contrasta con el sentido de la composición. En 1982, realizó Zattera temeraria, en la que revisitaba el famoso cuadro histórico del pintor francés Théodore Géricault, La balsa de la Medusa, (1818-19). Chia ofreció una reinterpretación irónica de las figuras desnudas clásicas. Los poderosos torsos contrastan con la pincelada suelta, conducida con una línea líquida que desdramatiza la escena. En Sinfonía incompiuta (1980), una figura se sitúa en el centro de la escena de espaldas al espectador mientras expulsa una partitura musical como si se tratara de un instinto fisiológico.

Francesco Clemente (Nápoles, 1952) investigó profundamente su propia subjetividad, plasmando en sus creaciones su propia interioridad en diferentes aspectos. En su producción, los conceptos de mirada fragmentaria y nomadismo típicos de la Transvanguardia se entienden a la vez como objeto de representación y como investigación del potencial de las técnicas artísticas. En El círculo de Milarepa, obra realizada en 1982 y que forma parte de una serie de doce lienzos, Francesco Clemente representó un tema para el que se dejó inspirar por una tradición oriental. Los rostros llevan sus sugerencias personales para la figura de un monje budista. La superficie de la obra tiene mucho cuerpo y está formada por varias capas de pintura. En las múltiples capas de materia pictórica se vislumbra una interpretación de las pruebas que el monje tuvo que afrontar durante su vida terrenal como ermitaño.

Nicola De Maria fue el artista más orientado hacia la arquitectura y la exploración del espacio. Realizó grandes pinturas murales, ambientes en los que el espectador se ve obligado a desplazarse, perdiendo la confrontación frontal con la obra. Había en él un gran interés por la poesía y la escritura. En 1986, realizó Cinco o seis lanzas rotas en favor del valor y la virtud, una obra en la que el artista cubría por completo una sala del Museo de Arte Contemporáneo del Castillo de Rivoli de Turín, un edificio con una fuerte connotación histórica. Trascendiendo por completo este detalle, De Maria pintó las paredes de diferentes colores para caracterizar la sala de una forma única y atractiva.

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