Surrealismo. Orígenes, estilos y principales exponentes del movimiento vanguardista

El Surrealismo fue un movimiento literario y artístico europeo de vanguardia que surgió en París en la década de 1920 y se extendió internacionalmente hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, abarcando desde la literatura, la pintura, la escultura y la fotografía hasta el teatro y el cine. Al igual que otras vanguardias históricas de principios del siglo XX, las intenciones del movimiento fueron introducidas por literatos, antes incluso que por artistas visuales, en la revista Littérature fundada por André Breton (Tinchebray, 1896 - París, 1966), Louis Aragon (París, 1897 - 1982) y Philippe Soupault (Chaville, 1897 - París, 1990). Este grupo de intelectuales, tras adherirse inicialmente al movimiento Dadá y apoyar su espíritu de subversión de las categorías, técnicas y modos tradicionales de disfrute del arte, comenzó a interesarse por los temas de lo irracional y el inconsciente, que se estaban difundiendo en aquellos años gracias a los descubrimientos del fundador del psicoanálisis Sigmund Freud.

El primer manifiesto del Surrealismo fue publicado en 1924 por el propio poeta y crítico de arte Breton, que hasta entonces había sido miembro y líder de los dadaístas en Francia, y tras el cual muchos se unieron al nuevo movimiento. En el Manifeste du Surréalisme se expresaban las premisas, que luego resultaron muy influyentes en el resto de Europa y se extendieron a otros continentes, desde América a Japón, de que era necesario liberar la imaginación del artista para que éste pudiera, frente al ámbito de la lógica, adentrarse y potenciar su propia dimensión espontánea, aleatoria, onírica, la analizada por el propio Freud en sus pacientes. Con la afirmación de las teorías de este último sobre la vida interior y la sexualidad, la dinámica del sueño pasó a representar el estado ideal para la creación, como punto de encuentro entre la racionalidad consciente y la irracionalidad de los elementos inconscientes y los deseos ocultos. En la base del movimiento estaba la exaltación del “automatismo psíquico puro”, que aseguraba que cualquier forma de arte podía crear combinaciones inusuales sin preocupaciones estéticas o morales, practicando asociaciones entre ideas e imágenes de forma fortuita, automática y liberadora. El surrealismo aspiraba a cambiar los estilos de vida, a transformar las relaciones del ser humano consigo mismo y con los demás.

Entre sus principales exponentes se encontraban los franceses André Masson (Balagny-sur-Thérain, 1896 - París, 1987), Hans Arp (Estrasburgo, 1886 - Basilea, 1966), Yves Tanguy (París, 1900 - Woodbury, 1955), el alemán Max Ernst (Brühl, 1891 - París, 1976), el español Joan Miró (Barcelona, 1893 - Palma de Mallorca, 1983) y Salvator Dalí (Figueres, 1904-1989), los belgas René Magritte (Lessines, 1898-Bruselas, 1967) y Paul Delvaux (Antheit, 1897-Fournes, 1994), los estadounidenses Man Ray (Filadelfia, 1890-París, 1976) y Alexander Calder (París, 1976). París, 1976) y Alexander Calder (Lawnton, 1898 - Nueva York, 1976) y, entre otros, el suizo Alberto Giacometti (Borgonovo di Stampa, 1901 - Chur, 1966).

Orígenes y desarrollo del surrealismo

A todos los efectos, la experiencia del dadaísmo, que trastocó las convenciones del arte tradicional secular a partir de 1916, puede considerarse precursora del surrealismo. El movimiento surrealista comenzó con un grupo literario surgido del movimiento dadaísta en París, cuando el entusiasmo de su adherente André Breton chocó con las posturas del fundador dadaísta suizo Tristan Tzara. Entre 1919 y 1922 arraigó entre escritores y artistas la necesidad de revolucionar también políticamente la sociedad francesa y mundial.

El surrealismo, que pretendía oponerse al arte dadaísta, enlazó con el dramático momento histórico vivido en Europa durante los años de la Primera Guerra Mundial, con una reconstrucción que exaltaba la interioridad del hombre y la libertad de expresión. Junto al dadaísmo, en los mismos años, fue igualmente decisiva la difusión de la pintura metafísica de Giorgio De Chirico, que influyó en muchos artistas a la hora de concebir obras con atmósferas suspendidas, surrealistas de hecho, para captar una suprarrealidad más allá de la apariencia sensible. Los sujetos individuales y los objetos de la imaginación podían vincularse entre sí incluso sin conexiones lógicas, y en escenarios que no eran necesariamente verosímiles.

Los surrealistas, desde la primera hora, promovieron “el acoplamiento de realidades aparentemente irreconciliables en un plano que aparentemente no les conviene”. Breton, el primer animador del Surrealismo, fundó oficialmente el movimiento en 1924, cuando redactó su manifiesto, en el que afirmaba que el Surrealismo es un “automatismo psíquico puro, mediante el cual se propone expresar, con palabras o por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento”. Mando del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón, al margen de toda preocupación estética y moral". Sin embargo, el términosurréalisme ya había sido utilizado por primera vez en 1917 por el poeta y dramaturgo Guillaume Apollinaire.

El movimiento tuvo sus orígenes en la revista Littérature, en la que maduraron las energías que más tarde darían lugar a La Révolution Surréaliste, órgano oficial del grupo desde 1924 hasta 1929, en el que además de debatir sobre escritura, se interesaban por las obras de de Chirico, Max Ernst, André Masson y Man Ray, entre otros, cuyas reproducciones circulaban así ampliamente. En los años siguientes, junto con otras publicaciones, el primer núcleo del Surrealismo alimentó una considerable corriente de producción teórica y literaria, preocupada por explicar las razones de sus posiciones éticas y elecciones estéticas, aunque en medio de diferencias, disensiones y planteamientos entre unos artistas y otros.

En 1924 se fundó también el Bureau des recherches surréalistes. Junto a los poetas reunidos en torno a Breton, convergen en París pintores de distintas procedencias que contribuyen cada uno a su manera a la revolución surrealista, al menos durante quince días, hasta la Segunda Guerra Mundial. Ya en enero de 1925, el buró publicó oficialmente su intención revolucionaria, firmada por 27 participantes, entre ellos los propios Breton, Ernst y Masson.

El objetivo de sus investigaciones era “recoger toda la información posible sobre las formas que pudieran expresar la actividad inconsciente de la mente”. La obra científica de Sigmund Freud había tenido una profunda influencia, en particular su ensayo de 1899 La interpretación de los sueños. El psicoanalista Freud había legitimado la importancia de los sueños y del inconsciente como revelaciones válidas de las emociones y los deseos humanos; sus análisis del complejo y reprimido mundo interior de la sexualidad, el deseo y la agresión proporcionaron una base teórica a gran parte de los artistas surrealistas.

En literatura, experimentaron con la “escritura automática sin control racional ni ideas preconcebidas, en un estado semihipnótico, escribiendo incansablemente y haciendo surgir asociaciones insólitas de gran belleza”; esta técnica se trasladó a las artes plásticas y visuales y el estilo surrealista se dividió entre los que practicaban el dibujo y la pintura “automáticos” y los que pintaban o creaban esculturas siguiendo un estilo propio más definido y figurativo. Este trasfondo más meticuloso pretendía poner de manifiesto una poderosa visión interior, sin dejar de controlar las técnicas y los mecanismos del pensamiento. Se produjo un importante doble florecimiento del arte surrealista. En 1926 se inaugura en París laGalérie Surréaliste.

La difusión de las revistas y los continuos intercambios con París permitieron a los artistas del mundo occidental, aislados o unidos en otros grupos, proclamarse “surrealistas”. La segunda fase del movimiento, a partir de 1929 aproximadamente, coincide con la adhesión de Salvator Dalí y de Breton y muchos otros al Partido Comunista Francés, deseosos de contribuir activamente a la realización del sueño político comunista. Con el segundo manifiesto surrealista de 1930 y la revista Le Surréalisme au service de la révolution de 1930 a 1933, se definió aún más el proyecto de liberación, tanto creativa como social, y la necesidad de una “revuelta absoluta” contra el orden establecido.

El éxito del Surrealismo en esos años queda patente en las exposiciones de Londres y Nueva York en 1936 y, sobre todo, en la gran exposición internacional de la Galerie des Beaux-Arts de París en 1938. Sin embargo, aunque no se detuvo la influencia cultural de sus ideas en el arte posterior a la Segunda Guerra Mundial, bajo las presiones de la guerra, hacia 1939, los miembros del movimiento original se dispersaron; con el estallido de la guerra y la invasión alemana de Francia, su posición política hizo que no cayeran bien a la dictadura nazi, lo que les obligó a aislarse o huir a diversos países.

El estilo de los principales exponentes del surrealismo

Los surrealistas buscaban canalizar el inconsciente para revelar el poder de la imaginación personal, herederos de la tradición del Romanticismo del siglo XIX también en su interés por el mito y el primitivismo. Pero a diferencia de todos sus predecesores, estos artistas activos a mediados del siglo XX creían en las revelaciones simbólicas del inconsciente, capturadas de la vida cotidiana y reunidas en una poética libre y liberadora del sinsentido . Los primeros surrealistas parisinos utilizaron el arte como un respiro ante las violentas situaciones políticas y para tratar el malestar que sentían ante las incertidumbres de la sociedad, empleando la fantasía y las imágenes oníricas para generar obras en una amplia variedad de medios. Como ya se ha mencionado, André Breton había definido el Surrealismo como una expresión del funcionamiento real del pensamiento, por medio de la palabra escrita y de cualquier otra forma. Desde el punto de vista expresivo, no se trataba de un grupo homogéneo que respondiera a un programa único, y no produjo una nueva manera unívoca de pintar, fotografiar o esculpir.

En la pintura surrealista hubo al menos dos actitudes diferentes entre los artistas, una parte se basó en temas y objetos de la realidad, aunque privándolos de referencias lógicas y habituales (como ocurre en los sueños), y otra parte alcanzó los límites de la abstracción por medios instintivos y automáticos. Se pueden identificar motivos recurrentes y temas favoritos de cada artista, que surgieron mediante el mecanismo de asociaciones libres inconscientes. La naturaleza es un escenario frecuente y los animales suelen estar presentes, en Max Ernst por ejemplo los pájaros, en Salvador Dalí las hormigas o los huevos, en Joan Miró las figuras biomórficas. Es la extravagancia y ambigüedad de la imaginería lo que sacude al espectador de una reconfortante atribución de significado.

Algunos pintores, al igual que Ernst y Tanguy, Magritte, Delvaux y Dalí, optaron por descontextualizar elementos reconocibles para combinarlos en sus imágenes, donde la realidad se deformaban o reinventaban por completo y donde el recurso a la práctica pictórica académica estaba al servicio de una visión mágica personal(lea más sobre Surrealismo y magia aquí); otros, como Masson y más tarde Miró, aspiraban a una auténtica improvisación psíquica para una abstracción innovadora de las formas a través del color. El color fue decisivo para todos ellos, utilizado en composiciones monocromas o saturadas y variadas para transmitir un estado onírico, más allá de las condiciones visuales posibles.

Tenían en común el uso de otras técnicas para crear nuevas composiciones visuales, como el collage, la decalcomanía y, para el dibujo, el grattage y, sobre todo, el frottage: colocando una hoja de papel o lienzo sobre una superficie con relieves de madera u otros, y frotándola con un lápiz, se obtenía una transposición visual relativamente aleatoria del objeto; la imagen final podía ser retocada o completada de diversas formas por el artista.

Hiperrealismo y automatismo no eran mutuamente excluyentes. Miró, por ejemplo, utilizó a menudo ambos métodos en una misma obra. Pero cualquiera que fuera la forma de representar el tema de la obra, siempre tendía hacia un resultado visual extraño e ilógico. Bajo el estímulo inicial de Miró y Ernst, maduró el estilo de Tanguy, en cuyos cuadros no se discierne ningún contenido real, y que marca la transición del automatismo a la construcción de la imagen surrealista en la década de 1940.

La obra de Magritte se caracterizaba por la yuxtaposición imprevisible de elementos realistas y familiares, pero dispuestos distorsionando sus relaciones habituales en atmósferas ambiguas y misteriosas.

Debido a su extravagante personalidad, Salvador Dalí fue, y sigue siendo, considerado el “personaje” por excelencia del Surrealismo, desde que se unió a él en 1929. Los cuadros de Dalí despertaron gran interés en la capital francesa, ya que también ejecutó interesantes objetos de funcionamiento simbólico y escribió poemas y textos críticos destinados a aclarar su método paranoico-crítico, basado en la combinación del psicoanálisis freudiano con los ejemplos pictóricos de algunos de sus colegas. La evolución hacia una “materialización objetiva del delirio” que caracteriza al Surrealismo tuvo en él a uno de sus mayores protagonistas.

Varios surrealistas son conocidos por sus objetos tridimensionales y esculturas. El objetivo era el desplazamiento del objeto de su contexto previsto, de las circunstancias normales y de una narrativa temporal, interpretado más allá de los atributos culturales y por debajo de la superficie de la realidad. Hans Arp, por ejemplo, era conocido por sus ensamblajes y Concreciones, mientras que Giacometti se inclinaba por formas escultóricas más tradicionales, muchas de ellas figuras híbridas.

Del mismo modo, la fotografía, por la facilidad con que permitía a los artistas producir imágenes alienantes, ocupó el papel de herramienta central. Entre otros, Man Ray utilizó el medio para explorar la escritura automática con luz, evitando por completo la cámara. Otros fotógrafos utilizaron la rotación o la distorsión para realizar tomas insólitas, tomas construidas para apreciar una nueva realidad no evidente salvo a través de la mirada del artista, alcanzando gradualmente resultados abstractos.

El entusiasmo por el cine de entonces se debía en gran medida a la posibilidad que ofrecían los movimientos de la cámara para representar la naturaleza cambiante e impredecible de la conciencia interior. Un arte visual “en movimiento” era también la idea que subyacía al interés suscitado por las esculturas de Alexander Calder, constructor de juguetes aéreos ingeniosamente animados. La imaginería articulada de los surrealistas, poblada de presencias extravagantes, inquietantes y a veces desconcertantes, es probablemente el aspecto del movimiento más reconocible, pero también el más difícil de clasificar y definir.

Surrealismo. Orígenes, estilos y principales exponentes del movimiento vanguardista

Advertencia: la traducción al español del artículo original en italiano se ha realizado mediante herramientas automáticas. Nos comprometemos a revisar todos los artículos, pero no garantizamos la ausencia total de imprecisiones en la traducción debidas al programa. Puede encontrar el original haciendo clic en el botón ITA. Si encuentra algún error, por favor contáctenos.