René Magritte, vida y obra del gran saboteador silencioso

René Magritte (Lessines, 1898 - Bruselas 1967), apodado “le saboteur tranquille” por su habilidad para conseguir insinuar dudas sobre la realidad, está considerado uno de los máximos exponentes del Surrealismo, hasta el punto de ser considerado uno de los padres del movimiento surrealista. El Surrealismo, vanguardia de la que formó parte, es un movimiento artístico nacido en Francia en los años 20. Desde el principio, se presentó como unavanguardia revolucionaria que iba más allá de la realidad, haciendo hincapié en una nueva dimensión onírica compuesta por sueños, paranoias, asociaciones libres y locura, liberando así el inconsciente de las ataduras mentales. Los artistas más influyentes del movimiento, además de Magritte, son Salvador Dalí, Joan Miró, Man Ray e Yves Tanguy.

A pesar de la representación de temas aparentemente realistas, la grandeza de Magritte reside en la transformación de lo cotidiano en ilusiones y sueños, desenterrando significados insólitos y declarando una guerra abierta a la razón. En consecuencia, las obras de Magritte van más allá de lo racional, cruzando el umbral de lo ordinario en clave de humor. “La realidad nunca es como la vemos: la verdad es ante todo imaginación”: a través de esta célebre afirmación del pintor podemos enmarcar perfectamente el pensamiento del artista, observando en él un deseo de encontrar siempre nuevas formas de sugerencia de la realidad, sin dejar de cuestionarse dónde se encuentra la frontera entre realidad y ficción. Admirado por las pinturas metafísicas de Giorgio De Chirico, puso en práctica un nuevo lenguaje basado en la evasión de la realidad.

Magritte es hoy más conocido por su obra La Trahison des Images (1928-29), un cuadro que representa una pipa y un pie de foto que cita la frase “ceci n’est pas une pipe”, que invita al espectador a una profunda reflexión sobre lo que es realmente el objeto real y lo que es la representación. Por muy realista que sea el objeto representado, no es capaz de cumplir su función, que es la de ser fumado y, por tanto, no puede definirse como una pipa. Así pues, todas las obras de Magritte se centran en el contraste entre realidad y ficción, entre lo racional y lo irracional, entre la representación realista y la onírica, entre lo ordinario y lo misterioso.

René Magritte

Vida de René Magritte

René Magritte nació en Lessines, una pequeña ciudad belga, el 21 de noviembre de 1898. Su infancia estuvo marcada por numerosas mudanzas y, sobre todo, por el suicidio de su madre, que en 1912 decidió quitarse la vida arrojándose al río Sambre, siendo encontrada con una camisa enrollada alrededor de la cara. Este acontecimiento traumático influyó profundamente en la actividad artística del pintor, hasta el punto de que en varios cuadros(L’histoire centrale y Les amants), representó figuras con el rostro completamente cubierto por un velo blanco.

Al trasladarse a la ciudad de Charleroi, Magritte mantuvo a raya los traumas de su infancia e intentó empezar una nueva vida. Así, inició estudios clásicos y más tarde se concentró en la pintura. Siguiendo su gran pasión, decidió matricularse en 1916 en laAcademia de Bellas Artes de Bruselas, donde quedó fascinado por movimientos de vanguardia como el cubismo y el futurismo. Tras finalizar sus estudios académicos en 1922, se casó con Georgette Berger, su compañera desde el instituto, y en 1923 comenzó su primer trabajo como diseñador gráfico publicitario.

Paralelamente a su trabajo como diseñador gráfico, Magritte continuó interesándose por las vanguardias y en 1925 decidió unirse al grupo surrealista de Bruselas. Su interés por el movimiento surgió con el descubrimiento del cuadro Canción de amor de Giorgio de Chirico, cuya capacidad para representar una nueva forma de ver, más allá de las apariencias, admiraba. El primer cuadro surrealista que pintó fue Le Jockey Perdu (1926), un collage en acuarela que representa a un jinete sobre su caballo al galope corriendo hacia unos árboles en forma de piezas de ajedrez: toda la escena está rodeada por una cortina que acentúa una visión escenográfica.

Un año después de unirse a la vanguardia surrealista, Matisse conoce a André Breton, figura destacada del Movimiento. En 1927, celebra su primera exposición individual en la galería Le Centaure de Bruselas: la muestra resulta un fracaso total, y las sesenta y una obras expuestas son duramente criticadas por la crítica. Al año siguiente, en 1928, Georgette y su esposa deciden trasladarse a París. Su traslado a París duró poco: la galería La Cantaure, donde el pintor tenía un contrato para trabajar, cerró y ambos decidieron volver a Bruselas en 1930, a un barrio del norte de la ciudad, en el 135 de la rue Esseghem, en Jette. Su apartamento se convertiría en lugar de encuentro y punto de referencia del movimiento surrealista belga. Desde 1999, el mismo piso se utiliza como casa-museo en memoria del célebre artista.

Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, René Magritte decide trasladarse de nuevo con su mujer al sur de Francia, a Carcassone, para huir de la dominación nazi. Este periodo histórico tendría una gran influencia en su estilo pictórico: al principio experimentó con un nuevo estilo llamado “à la Renoir” o “solar”, pasando de un estilo pictórico claro con un dibujo correcto a un estilo pictórico con temas más ligeros y colores más vivos. El periodo solar llegó a su fin en 1947, dando paso a un nuevo periodo llamado “vacas”, donde el pintor llevó los conceptos del periodo anterior hasta la exasperación, pintando obras provocativas y llenas de rebeldía, burlándose del fauvismo.

El pintor no alcanzaría la fama hasta la década de 1960, pocos años antes de su muerte. Gracias a la llegada de la cultura pop y a la exposición que le dedicó el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1965, sus cuadros adquirieron notoriedad.

en 1965, sus cuadros alcanzaron notoriedad. René Magritte falleció el 15 de agosto de 1967 en su domicilio de la rue des Mimomas de Bruselas a causa de un cáncer de páncreas.

René Magritte, La trahison des images (1928-1929; óleo sobre lienzo, 63,5 x 93,98 cm; Los Ángeles, Los Angeles County Museum of Art)

René Magritte, Le Jockey perdu (1926; collage, acuarela, lápiz y tinta sobre papel; Nueva York, Museum of Modern Art)

Estilo y principales obras de Magritte

Aunque perteneció al movimiento surrealista, hay elementos característicos en la pintura de Magritte que ponen de relieve su singularidad: su forma de pintar también se denomina “ilusionismo pictórico”, ya que representa una realidad clásica, ordinaria y bidimensional jugando más con el concepto que con la pintura. Transforma lo real en surrealista, dejando mucho espacio a la imaginación del espectador. Durante los infelices años de la posguerra, experimenta con otras técnicas pictóricas “a la manera de Renoir”, un estilo que destila ligereza, dejando a un lado la paranoia y el cuestionamiento de los años anteriores: la paleta se enriquece con colores vivos y brillantes, abandonando la penumbra. Este periodo, sin embargo, fue sólo un medio, dejando paso en 1947 a su periodo “vache” (vaca) en el que reelabora críticamente el pensamiento y las representaciones de los fauves franceses en clave satírica e irónica. Los dos periodos experimentales duraron poco y poco después Magritte volvió a pintar a su manera habitual.

En el cuadro Los amantes de 1928, Magritte representa en primer plano a dos figuras con el rostro cubierto por un velo blanco, probablemente en recuerdo de su madre, muerta por suicidio y encontrada en el río Sambre con una camisa enrollada alrededor del rostro. El velo blanco impide que los dos amantes se besen y se comuniquen, haciéndolos irreconocibles. La atmósfera que transmite el cuadro es de añoranza: la hábil elección del color, como en el caso del vestido rojo de la figura femenina que recuerda la muerte, acentúa la inquietud del cuadro. El cuadro remite sin duda al famoso cuadro de Giorgio de Chirico Héctor y Andrómaca (1931 ) en el que Héctor y Andrómaca aparecen representados como un maniquí en el momento del saludo justo antes del duelo contra Aquiles. La analogía es visible tanto a nivel formal como conceptual, ya que la imposibilidad de amarse también se percibe en este último lienzo (“Hay un interés por lo que está oculto y lo que lo visible no nos muestra”, explica el propio artista. “Este interés puede tomar la forma de un sentimiento decididamente intenso, una especie de conflicto, diría yo, entre lo visible oculto y lo visible aparente”).

Entre las obras más famosas de Magritte se encuentra Golconda , de 1953: el título evoca la ciudad homónima de la India que ha entrado en el imaginario colectivo gracias a su contraste entre la inmensa riqueza de la ciudad y la pobreza de sus ciudadanos. Como todas las obras de Magritte, ésta también propone una visión crítica que deja al espectador espacio para cuestionar su propia interpretación. La obra representa a una serie de hombres en una pose estática en el aire con la típica indumentaria burguesa (chaqueta, corbata, bombín) que también podemos encontrar en otros cuadros famosos como El hijo del hombre (1964 ) o en

Sr. y Sra. Wilbur Ross (1966) diferenciándose únicamente en las distintas expresiones faciales. Al fondo, los tejados de las típicas casas belgas y un cielo despejado ocupan la mayor parte de la escena. La multiplicidad de hombres en la escena sugiere una visión crítica de la homologación por parte del artista. Aunque el cielo despejado transmite una sensación de tranquilidad, la cantidad de hombres presentes contrasta fuertemente, generando una sensación inquietante.

En La Trahison des Images (1926-1966), Magritte presenta una representación de una pipa, representada de forma clara y precisa, con gran atención al detalle. Esta figura va acompañada de una leyenda que dice “ceci n’est paso une pipe” (“esto no es una pipa”). Una vez más, Magritte hace hincapié en el lenguaje que utiliza. Más tarde declararía: “¿Quién se atrevería a afirmar que la imagen de una pipa es una pipa? ¿Quién podría fumar la pipa de mi cuadro? Nadie. Por lo tanto, no es una pipa”. El artista adopta así una actitud irónica que busca ante todo plantear preguntas en la mente del espectador de la obra. Como afirma Magritte, lo que vemos en el lienzo es sólo una representación y, como tal, el objeto representado no puede cumplir su función primordial, que es la de ser fumado y utilizado. Con esta obra, Magritte abre un debate entre objeto real y representación que sigue planteando interrogantes hoy en día, demostrando ser contemporáneo. Algunos artistas cuestionan la misma contraposición: Joseph Kosuth, por ejemplo, en Una e Tre Sedie (Una y tres sillas ) presta la misma atención al lenguaje reproduciendo la foto de una silla, una silla real y utilizable, junto a la definición de silla del diccionario, cuestionando el concepto de silla. La Trahison des Images también es importante porque consagra a Magritte como precursor del arte conceptual.

De nuevo, La condición humana II (1935) es la segunda versión del cuadro del mismo nombre: ambos pertenecen a la serie “cuando en el cuadro”. En este cuadro, al igual que en la primera versión, hay un caballete sobre el que descansa un lienzo que representa un paisaje, el mismo que constituye el paisaje de fondo, que se funden entre sí dando una percepción de continuidad. En la primera versión del cuadro se representa un típico paisaje campestre, mientras que en la segunda se representa un típico paisaje marítimo. Jugando con los contrastes y los efectos ópticos, Magritte vuelve a investigar, como en La Trahison des Images , la relación entre representación y realidad, cuestionando lo que realmente es. Cuando terminó la obra, el pintor escribió: “Coloqué delante de una ventana, vista desde el interior de una habitación, un cuadro que representaba exactamente la parte del paisaje oculta a la vista en el cuadro. Así, el árbol representado en el cuadro ocultaba a la vista el árbol real que había detrás, fuera de la habitación. Existía para el espectador, por así decirlo, simultáneamente en su mente, como dentro de la habitación en el cuadro, y fuera en el paisaje real. Y así es como vemos el mundo: lo vemos como fuera de nosotros aunque sólo sea una representación mental de él lo que experimentamos en nuestro interior”. La investigación de Magritte continuó en la misma línea en la última parte de su carrera, como atestigua la obra El castillo de los Pirineos de 1959, un trabajo encargado por el abogado Harry Torczyner, que eligió el tema del cuadro. La imagen representa una gran roca en cuya cima hay un castillo: la gran roca se representa suspendida en el aire, como en ingravidez, con un paisaje marino al fondo que acentúa el contraste entre ligereza y pesadez. La dureza del cuadro también la confirma el propio pintor, que en un escrito con el cliente afirma: “no está exento de rigor, incluso de dureza”. Todo parece suspendido, no sólo la roca, sino también el tiempo.

René Magritte, Los amantes (1928; óleo sobre lienzo, 54 x 73 cm; Nueva York, Museo de Arte Moderno)

René Magritte, Golconda (1953; óleo sobre lienzo, 81 x 100 cm; Houston, Menil Collection)

René Magritte, La condición humana (1933; óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm; Washington, National Gallery of Art)

René Magritte, El castillo de los Pirineos (1959; óleo sobre lienzo, 200 x 145 cm; Jerusalén, Israel Museum)

Dónde ver las obras de Magritte

Para admirar los cuadros del maestro y visitar los lugares que frecuentaba y donde vivió, no hay mejor ciudad que Bruselas, la capital belga donde el artista vivió la mayor parte de su vida con su esposa. El sitio visit.brussels/en/ propone un itinerario enteramente dedicado al pintor. Las paradas recomendadas por el sitio son: el Museo Magritte (que alberga numerosas obras del artista), La Fleur en Papier Doré (café de arte frecuentado por el Movimiento), Greenwich (café histórico donde Magritte jugaba al ajedrez con sus compañeros), la Casa-Museo (la famosa vivienda del artista), el Cementerio de Shaerbeek (lugar de descanso de Magritte). La mayoría de las obras del artista se conservan en el Museo Magritte de la Place Royale de Bruselas. A partir de 1984, el conservador jefe de los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica decidió dedicar una sala al pintor. A medida que se adquirían más y más obras, se hizo necesario disponer de más espacio, por lo que en 2005 se decidió fundar un museo dedicado en la Place Royale. Se inauguró en 2009 y, hasta la fecha, se exponen unas 250 obras del maestro.

La Casa-Museo del número 135 de la calle Esseghem de Bruselas, como ya se ha mencionado, fue un lugar clave durante la vida del pintor, de su esposa, pero también de todo el grupo de surrealistas. Después de que la esposa de Georgette vendiera su propiedad en una subasta de Sotheby’s, la casa tardó algún tiempo en reconstruirse tal y como fue habitada. Gracias a fotografías y testimonios de personas que vivieron en la casa tal y como era, se recreó el mobiliario de 1993 a 1999. Toda la casa-museo se considera un homenaje al pintor.

Hay muchos museos en el mundo que conservan obras de René Magritte. En Italia, sin embargo, hay muy pocos cuadros suyos. El cuadro “italiano” más famoso de Magritte es probablemente La voz de los vientos, de 1931, conservado en la Colección Peggy Guggenheim de Venecia. Otras obras suyas se encuentran en la Pinacoteca Civica de Savona (donde se conserva La confidenza capitale) y en el Palazzo Maffei de Verona. En Francia, sus obras se encuentran en el Centro Pompidou de París, que conserva una de sus principales obras maestras(El doble secreto), mientras que varias obras se conservan en museos estadounidenses: el LACMA de Los Ángeles conserva La trahison des images, varios de sus cuadros están en el MoMA de Nueva York, y más obras de Magritte se encuentran en la National Gallery de Washington.

René Magritte, vida y obra del gran saboteador silencioso

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