Postimpresionismo: el bautismo del arte contemporáneo. Evolución, temas y estilos

El postimpresionismo define las tendencias artísticas que se desarrollaron en Francia, con importantes influencias también en el resto de Europa, aproximadamente entre 1880 y principios del siglo XX, que siguieron y al mismo tiempo superaron la experiencia del impresionismo. Donde la última exposición oficial de los impresionistas tuvo lugar en 1886, las actividades de los artistas cuyas obras desembocaron en el nuevo siglo aparecieron en una sucesión no del todo cronológica. La mayoría de los llamados artistas postimpresionistas se adhirieron inicialmente al movimiento impresionista, pero más tarde se decantaron por un estilo autónomo y gradualmente más ambicioso y subjetivo. El término, de origen inglés, indica convencionalmente no un grupo organizado con un manifiesto programático, sino las expresiones heterogéneas de diferentes pintores, entendidas como evoluciones del descubrimiento impresionista de la descomposición de la luz y los colores. Fue un clima artístico en el que participaron artistas de diferentes intereses y temperamentos, que se convirtieron en nombres absolutos de la historia del arte como Paul Cézanne y Georges Seurat, Paul Gauguin y Vincent van Gogh, cuyas orientaciones y obras maestras tuvieron un impacto estético de gran alcance que determinó las corrientes posteriores.

En lugar de las representaciones imitativas de temas tomados de la vida burguesa y de la naturaleza, los postimpresionistas prefirieron cada uno la experimentación personal con resultados autónomos y direcciones diferentes, valorando sin embargo esa libertad respecto a la tradición y los dictados del arte académico que acababan de experimentar, y admitiendo su deuda con los colores del Impresionismo y la técnica de utilizarlos con pinceladas cortas. Tan decididos como estaban a ir más allá de sus predecesores, cada pintor persiguió su propia y única búsqueda de una nueva definición de la forma, sin compartir necesariamente objetivos estilísticos con los demás. Expusieron juntos en ocasiones conjuntas, pero principalmente pintaban solos en sus propios talleres, a diferencia de los impresionistas, que habían mantenido estrechas relaciones como grupo pintando en plein air.La historiografía del arte ha agrupado los diversos estilos postimpresionistas a grandes rasgos en dos corrientes: por un lado, un estilo estructurado o geométrico que desembocó en el cubismo, y por otro, una expresividad no geométrica que desembocó en el expresionismo abstracto.

Roger Fry y la “invención” del postimpresionismo

El término Postimpresionismo se utiliza desde la primera década del siglo XX, acuñado para designar la obra de los pintores de la zona francesa a finales del siglo XIX por elartista y crítico de arte inglés Roger Fry (Londres, 1866 - 1934). Fue introducido, tras la creación de las obras en cuestión, en un ensayo en 1906 y luego se convirtió en el título de la primera exposición que decretó la llegada de algunos importantes representantes del Impresionismo a un nuevo lenguaje artístico.

Manet y los pos timpresionistas fue la exposición colectiva organizada en las Grafton Galleries de Londres en 1910, también denominada "elaño de los postimpresionistas", en la que se exhibieron cuadros de Paul Cézanne (Aix-en-Provence, 1839 - 1906), Georges Seurat (París, 1859 - Gravelines, 1891), Paul Gauguin (París, 1848 - Hiva Oa, 1903) y Vincent Van Gogh (Zundert, 1853 - Auvers-sur-Oise, 1890), empezando por las obras del padre del Impresionismo Édouard Manet ( París, 1832 - 1883), un nombre ya conocido en Inglaterra en aquella época. En esta exposición sobre pintura francesa contemporánea también participaron Paul Signac, Pablo Picasso, Henri Matisse, Odilon Redon, Maurice Denis y Félix Vallotton, entre otros. Todos estos pintores franceses, aparte del holandés Van Gogh y el español Picasso afincados en París, escandalizaron a la escena artística inglesa, que seguía anclada en un arte de imitación frente a la personalización y la abstracción hacia las que avanzaban Francia y el resto de Europa.

Manet, considerado como el primer artista moderno, no sólo por haber elegido temas de su época, sino también por haber desafiado las técnicas tradicionales de representación, dibujaba entonces los nombres, desconocidos en Inglaterra, de los que se definían como los"cuatro evangelistas del postimpresionismo", Cézanne, Seurat, Gauguin y Van Gogh, cuando para entonces los artistas ya habían desaparecido. Su identidad de grupo era, por tanto, póstuma, representativa del cambio en el enfoque autónomo de la obra de arte. Sus características comunes eran la búsqueda de la solidez de la imagen frente a la pintura fluctuante de los impresionistas, y la certeza y libertad del color. A pesar de las críticas que la exposición y el comisario suscitaron, Roger Fry optó por reintroducir una Segunda Exposición Postimpresionista en 1912, apoyando la consideración internacional que merecían sus protagonistas y ampliando el horizonte con obras de artistas británicos y rusos. Un signo de lo que había sido una verdadera demarcación estilística.

Desarrollo de las tendencias postimpresionistas

Tras una fase de inquieta disidencia entre los impresionistas, al igual que Cézanne pintaba aislado en Aix-en-Provence, en el sur de Francia, Paul Gauguin se instaló en 1891 en un exilio autoimpuesto en Tahití, en la Polinesia francesa, y Van Gogh pintó en la campiña de Arlés, abandonando el centro neurálgico de París. Seurat había muerto prematuramente a los 31 años, y su método estilístico fue retomado y difundido por Paul Signac (París, 1863 - 1935). De hecho, la necesidad de un contacto renovado con la naturaleza auténtica y la fascinación por las culturas lejanas, menos desarrolladas industrialmente, consideradas más cercanas a la espiritualidad y a las fuerzas elementales del cosmos que los centros urbanos “artificiales” de sus homólogos europeos, estaba arraigando entre los intelectuales occidentales como herencia del Romanticismo de principios del siglo XIX.

Cézanne, también conocido como el “Maestro de Aix” por la agradable ciudad a la que se trasladó en el sur de Francia, está considerado la piedra de toque de la calidad y la innovación artísticas de finales del siglo XIX. Abandonando la técnica de la “impresión” de efectos de luz evanescente en 1878, su enfoque infundía a sus temas una permanencia monumental y cada elemento del lienzo era examinado desde múltiples ángulos, cuyas propiedades materiales eran recombinadas por el artista no como una copia, sino como lo que él llamaba “una armonía paralela a la naturaleza”. El pintor abordó la cuestión fundamental de la profundidad espacial, buscando una síntesis en las formas geométricas, un primer intento de simplificar los objetos y las figuras centrándose en la definición de los volúmenes, que más tarde inspiró el cubismo de Georges Braque y Picasso en su primera fase de desarrollo. Las pinceladas de Cézanne con colores separados marcaron escuela para muchos.

En 1884, Seurat apuntó una intención similar a la de Cézanne con pinturas que mostraban concentración en la composición y profundizaban en la ciencia del color. Tomando como punto de partida la práctica impresionista de utilizar el color roto y la yuxtaposición de complementarios, trató de conseguir luminosidad mediante fórmulas ópticas con diminutos puntos de colores contrastados elegidos y colocados uno al lado del otro, para fundirse a distancia en un color dominante. Esta técnica tan teórica, denominada"puntillismo“ en italiano, fue adoptada por numerosos pintores contemporáneos y constituyó la base del estilo pictórico conocido como ”Divisionismo“ o ”Neoimpresionismo".

Incluso Gauguin, tras exponer con los impresionistas hasta 1886, renunció a ellos en pos de una estética más instintiva, alejándose del sofisticado mundo artístico urbano de París y manifestando un “primitivismo” cada vez mayor en sus elecciones vitales y su visión artística. Encontró inspiración en la iconografía tribal, alejándose de las convenciones occidentales, en las vidrieras y manuscritos medievales, y exploró el potencial expresivo del color y la línea de contorno, de donde nació la técnicadel "Cloisonnisme". Evolucionó gradualmente hacia armonías de color cada vez más exóticas y sensuales cuando fue a vivir entre los tahitianos. Gauguin buscaba una relación directa con el mundo natural y trataba su pintura como una meditación sobre el sentido de la existencia humana. Los significados simbólicos y muy personales eran especialmente importantes en su búsqueda de viajes y exploración, representando una síntesis entre los elementos formales y la idea o emoción que transmitían.

Lo mismo puede decirse de Van Gogh que, habiendo llegado a París en ese mismo 1886 a tiempo para asistir a la última exposición de los impresionistas, adaptó rápidamente sus técnicas y su color para expresar sus respuestas emocionales y sus recuerdos e ideas. En sus obras de madurez, hoy iconos de la historia del arte de todos los tiempos, las breves pinceladas del Impresionismo se convirtieron en líneas curvas y vibrantes de color que describían su visión del paisaje natural, de la gente y de sí mismo. Su relación con Gauguin fue importante y, antes de que éste se marchara a Tahití, ambos vivieron en Arles durante unos meses en 1888 y trabajaron juntos, influyéndose mutuamente.

Temas y estilos de los grandes pintores

En el postimpresionismo, muchos artistas apostaron por estilos vivos en la composición, el color y el contenido simbólico. El énfasis en la expresividad hizo que la vida urbana dejara de ser el tema dominante. Cézanne se dedicó sobre todo a las naturalezas muertas(La mesa de la cocina, 1889-1890), los retratos(Madame Cézanne en el sillón amarillo, 1888-1890) y los paisajes (Mont Sainte-Victoire, c. 1905), esforzándose siempre por articular unaorganización compositiva, convencido de que la naturaleza podía describirse “en los términos del cilindro, la esfera, el cono”, es decir, los componentes geométricos más simples. Utilizando planos de color para crear estas formas, combinaba partes de figuras en primer plano con elementos del fondo, superficie y profundidad a la vez. De hecho, muchos historiadores del arte consideran que Los grandes bañistas (1900-1906) es su obra maestra, en la que empleó esta técnica de construcción de la imagen con líneas y formas geométricas mediante una densa mezcla de colores, aplicados con espátula en lugar de pincel. Los cuerpos, los árboles y el paisaje son planos de color que componen una escena que puede leerse simultánea y consecutivamente, a lo largo de más de 2 metros de longitud. El efecto visual de los bañistas, claramente definidos en sus contornos negros pero fundidos con las ramas de los árboles del paisaje de detrás, representa un cambio visual que anuncia el futuro de la pintura modernista.

Seurat desarrolló un estilo pictórico científico de puntos y marcas, cada uno de un color único, hábilmente yuxtapuestos para componerse a los ojos del espectador. Ejemplo de ello es el gran lienzo Una tarde de domingo en la isla de La Grande-Jatte (1884-1886), en el que Seurat aplica el color en densos campos de puntos diminutos para imitar el aspecto vivo y vibrante de la luz natural, que es también el resultado de la fusión de varios colores precisos. Es uno de los primeros ejemplos de la reacción artística al movimiento impresionista. Visto de cerca, el cuadro parece casi abstracto, similar a un bordado. Cuando se observa desde una distancia adecuada, aparece enfocado. Seurat colocó cuidadosamente cada punto en relación con los circundantes para crear el efecto óptico deseado. Lo hizo para dar estructura y racionalidad a lo que percibía como desorganizado en la visión de los impresionistas, aunque se basó en elementos típicos de ellos, como la representación de luces y sombras y temas como las actividades de ocio de la burguesía parisina(Espectáculo de circo, 1887-1888).

Paul Signac siguió de cerca los pasos de Seurat en estas exploraciones(Entrada al puerto de Marsella, 1911) ampliando pequeños puntos en cuadrados o rectángulos de color.

Gauguin desarrolló más ideas para ir más allá de la pintura anterior con la teoríadel "sintetismo". Según sus principios, la forma visual final estaba determinada por una síntesis de la apariencia exterior de los rasgos naturales y las consideraciones estéticas que los cuerpos y la naturaleza despertaban en él. Gauguin descartó el sombreado, el modelado y la perspectiva desde un único punto de vista, utilizando el color puro, las líneas fuertes y la bidimensionalidad plana para provocar un impacto emocional visceral. Buscando, como él mismo decía, un cierto grado de libertad espiritual y candor primitivo, adquirió experiencia en Bretaña, al norte de Francia, con comunidades religiosas rurales y se sumergió en diversos paisajes caribeños, formándose también en las últimas ideas francesas sobre pintura y teoría del color, que inspiraron obras como La visión después del sermón (La lucha de Jacob con el ángel) de 1888. El cuadro representa una visión reveladora de Jacob luchando con un ángel, en la que la multitud de fieles que experimentan la visión está en primer plano, y la lucha bíblica aparece sobre un fondo rojo, que representa la emoción religiosa. Como demuestran esta obra y otras como El Cristo amarillo de 1889, el pintor fue experimentando con nuevos enfoques del color, allanando el camino para un nuevo estilo pictórico denominado"simbolismo“. Una nueva forma de entender la pintura que combinaba la observación de lo cotidiano con el simbolismo místico, fuertemente influenciado por aspectos populares de las artes ”primitivas" de África, Asia y la Polinesia Francesa. Cuando en su última época comenzó a pintar retratos de mujeres tahitianas(Manao Tupapau. El espíritu de los muertos vela, 1892) reveló su capacidad para sugerir significados más profundos tras las apariencias superficiales de la realidad. Una pintura precisamente sintética que funcionaba como reflejo simbólico y no meramente documental. El rechazo de Gauguin de su familia europea, de la sociedad y del mundo artístico y urbano parisino por una vida en otro lugar se convirtió en un modelo para el papel del artista místico-errante(¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?, 1897).

Van Gogh también encarnó el rechazo de la observación óptica impresionista en favor de una representación cargada de emoción que apelaba al corazón del espectador utilizando una aplicación impulsiva y gestual de la pintura y colores simbólicos para expresar emociones subjetivas. Sin duda se le considera uno de los artistas más dotados y emocionalmente perturbados de la era moderna, aunque gravemente infravalorado en vida.

La primera obra maestra revalorizada, Los comedores de patatas, de 1885, ya representaba un caso atípico en la época en que se pintó, dada la paleta de colores apagados y la elección de representar las míseras condiciones de vida de los campesinos, cuando los impresionistas habían dominado la vanguardia parisina durante más de una década con sus paletas claras y sus escenas de opulencia burguesa. Van Gogh, sin embargo, se inclinó por los colores saturados y las pinceladas amplias, evocadoras de la agitación interior, influido por diversas fuentes, entre ellas su pasión por las representaciones estilizadas de los grabados japoneses Ukiyo-e.

Combinando influencias tan diversas como las pinceladas sueltas de los impresionistas y los fuertes contornos de las xilografías japonesas, Van Gogh llegó a un modo de expresión verdaderamente único en sus cuadros. Utilizando la técnica del impasto, o la superposición de capas de pintura húmeda, estructuró una superficie en sentido de profundidad y fuerza emocional. En su obra destacan también los contornos oscuros y gruesos y las franjas planas de color. Se mantuvo fiel a la pintura de tonos oscuros hasta que conoció en París a Seurat y Signac, que le introdujeron en la doctrina de los contrastes complementarios.

Reinterpretó, con un toque personal reconocible, algunos géneros tradicionales como la pintura de flores, de la que es famosa la serie de los Girasoles, el autorretrato, del que realizó muchos, y el retrato (Retrato de Joseph Roulin, 1888) y no menos importante el paisaje(Campo de trigo con cuervos, 1890), en el que las líneas y las texturas en relieve desempeñaron un papel fundamental(Noche estrellada, 1889). Expresó en sus más de dos mil obras una visión personal de la naturaleza, que casi siempre implicaba la intervención y la presencia humanas. Casas, aldeas y campos en los que era evidente el trabajo del hombre, cuya dignidad de trabajador a todos los niveles supo plasmar figurativamente. Desde campesinos(Sembrador al atardecer, 1888) hasta prostitutas, autorrepresentando y retratando figuras en sus acciones y papeles en la sociedad, incluso cuando eran meros clientes de cafés nocturnos(Terraza de café al atardecer, Place du Forum en Arles, 1888). El temperamento inestable y malhumorado de Van Gogh, que le llevó a vincular inextricablemente arte y vida hasta el extremo(Autorretrato con la oreja vendada, 1889), se convirtió en símbolo de la imagen del artista torturado. Su historia de talento incomprendido fue un ejemplo para muchos artistas del siglo XX.

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